FILM  LESSONS: LECCIONES DE CINE DE 5 DIRECTORES DEL NUEVO HOLLYWOOD

El Nuevo Hollywood, una generación de jóvenes cineastas que cambiaron la manera de producir y distribuir cine en la industria de Hollywood durante la década de los 70’s. Su periodo no fue largo pero marco una gran diferencia en los diversos sectores de la industria como la manera de vender una película (Star Wars), su forma de exhibición y distribución (Jaws, El Padrino), los modelos de producción que mezclaban la independencia y géneros de la serie B con filosofía de la Nouvelle Vague (Easy Rider, Taxi Driver, The Last Picture Show, The French Connection, The Graduate), los nuevos costes de producción (Apocalypse Now) además de permitir una nueva evolución en los géneros cinematográficos dominantes en Hollywood como la comedia, el western, el terror, la ciencia ficción, los musicales y el cine gánster (Manhattan, The Wild Bunch, The Exorcist, Planet of the apes, Cabaret y Bonnie and Clyde). Pero sobretodo, el Nuevo Hollywood es reconocido por ser la primera generación de cineastas egresados de escuelas de cine que lograron trabajar de manera profesional dentro de Hollywood. Por eso y muchas razones más, en esta ocasión realizamos un especial de Film Lessons dedicado a conocer las lecciones de cine que no han dejado algunos de los principales exponentes de esta generación.

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STEVEN SPIELBERG

Steven Allan Spielberg (Cincinnati, 18 de diciembre de 1946) es un director, guionista y productor de cine estadounidense. Se le considera uno de los fundadores pioneros de la era del Nuevo Hollywood y es también uno de los directores más reconocidos y populares de la industria cinematográfica mundial. Según la revista Forbes, el patrimonio de Spielberg asciende a 3700 millones de dólares estadounidenses.​ Las ganancias de sus películas en todo el mundo, sin ajustar precios, superan los nueve mil millones de dólares, lo que convierte a Spielberg en el director de cine con mayor recaudación de la historia. También es reseñable su larga asociación con el célebre compositor John Williams, relación de la que han surgido algunas de las bandas sonoras más icónicas de la historia del cine.

  • Lo importante no es cómo contar una historia, sino realmente contar una historia, no hacer películas por el sólo hecho de crear un espectáculo. Sino mirar dentro de nosotros para encontrar una historia que la gente puede estar interesada en escuchar. Las historias vienen de la época de las cavernas. Es un impulso natural de las personas crear cosas que no existen en el mundo real.
  • Muchas de mis películas tratan sobre la forma en que yo deseo que fuera el mundo, y eso forma parte de mi arte, que a fin de cuentas es un arte interpretativo.
  • La gente ha olvidado cómo contar una historia. Las historias no tienen ya un nudo y un desenlace, sino un principio que nunca termina de empezar.
  • Cojan sus cámaras y difundan a la gente lo que ellas registran.
  • Yo estaba obcecado por la idea de ser director de cine y pensé que la única forma de conseguirlo sería entrar en el estudio. Entonces, me vestí como un ejecutivo y fingí durante tres meses
  • Antes de echarme a rodar, siempre me veo cuatro pelis: “Los siete samuráis”, “Lawrence de Arabia”, “Que bello es Vivir” y “Centauros del Desierto”

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FRANCIS FORD COPPOLA

Francis Ford Coppola (Detroit, 7 de abril de 1939) es un guionista, productor y director de cine estadounidense, siete veces ganador del premio Óscar. Hijo del compositor y director de orquesta Carmine Coppola y la actriz Italia Pennino Coppola, ingresó en la Universidad Hofstra para estudiar Artes Dramáticas, y años más tarde se tituló en Artes Teatrales en la UCLA. Su carrera inició en 1963 con la dirección de Dementia 13, de la cual también realizó el guion. Desde ese momento, ha dirigido más de una veintena de películas, algunas de ellas aclamadas por la crítica. Es considerado uno de los más importantes directores de la segunda mitad del siglo XX y uno de los más grandes de todos los tiempos, siendo El padrino recurrentemente elegida en encuestas como una de las mejores películas de la historia, y Apocalypse Now una de las más emblemáticas películas de culto en el sistema de producción de Hollywood. Desde sus inicios Coppola desarrolló de igual forma su carrera como productor, destacando los dos primeros filmes de su amigo George Lucas, THX-1138 y American Graffiti, y otras como Kagemusha, Kinsey o Sleepy Hollow. Las películas de Coppola, Friedkin y Bogdanovich tienen en común haber transformado «toque radical» del «nuevo Hollywood» en un estilo más atemperado, más destinado a las masas, poco antes del declive del movimiento, sustituido por la era de las superproducciones.

  • Cuando filmes una película, trata siempre de descubrir cuál es su tema central en una o dos palabras. Ese será el corazón del filme: Te ayudará a tomar decisiones. Siempre supe cuál era el tema en mis películas. En The Godfather era la sucesión. En The Conversation, la privacidad. En Apocalypse Now, la mortalidad. La razón por la que resulta importante es porque la dirección de cine principalmente se sustenta en la toma de decisiones diaria. ¿Pelo largo o pelo corto? ¿Con barba o sin barba? ¿Vestido o pantalones? Muchas preguntas para las que no siempre se tiene respuesta…sin embargo, saber cuál es el tema central siempre ayuda.
  • Usa la improvisación como forma de acercar a los actores a sus personajes: Cuando iba a rodar The Godfather sabía que Al Pacino, James Caan, Robert Duvall y John Cazale estaban nerviosos por conocer a Marlon Brando. Así que organice una reunión de improvisación. Les cite en un restaurante y les pedí que fueran hambrientos. Organice todo para tener una mesa privada, con decoración hogareña. Me senté en la cabecera de la mesa junto a Brando, a la derecha senté a Pacino y a Caan a la izquierda. Cazale y Talia Coppola servirían la comida. Lo que hice fue darles los elementos para facilitar que se metieran en sus papeles.
  • Escucha a los demás y confía en ti. No seas de esos directores que saben todo y no escuchan las opiniones de los demás. Tú tomarás las decisiones, pero recuerda que el cine es una colaboración. La mayor barrera para el artista es la falta de confianza en sí mismo. Confía en tu visión, dale tiempo a madurar. Sé paciente. Todos somos inseguros y odiamos instantáneamente lo que hacemos. No lo descartes, quizás mañana te des cuenta de que no era tan malo.

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GEORGE LUCAS

George Walton Lucas, Jr. (Modesto, California, 14 de mayo de 1944) es un cineasta estadounidense, creador de las sagas fílmicas de Star Wars e Indiana Jones, y expresidente de Lucasfilm. Firmó un primer gran éxito en 1973 con la nostálgica “American Graffiti”. Pero fue en 1977, su space opera “La guerra de las galaxias” (Star Wars) batió todos los récords y estableció en cierto modo un nuevo tipo de «religión» de cultura popular. La guerra de las galaxias, cuya trama puede compararse con un cuento de hadas, preconiza la estructura formal de los llamados blockbuster: personajes bien identificados, victoria de los «buenos» sobre los «malos», historia sentimental con final feliz, en oposición a las temáticas del «nuevo Hollywood». La abundancia de efectos especiales y la comercialización internacional completarán esta «fórmula del éxito», recuperada más tarde por Hollywood.

  • Cuando usted está dirigiendo, tiene que levantarse a las 4:30, desayunar a las cinco, salir del hotel a las seis, conducir una hora a la localización, comenzar a filmar a las ocho, y acabar de filmar alrededor de las seis de la tarde. Después usted va a su oficina, y fija la pauta del trabajo del día próximo. Vuelve de nuevo al hotel cerca de las ocho o nueve, esperanzadamente consigue algo para comer, después usted va a su habitación y medita sobre su trabajo, cómo usted va a filmar las escenas del día próximo, entonces usted va a dormir. La mañana siguiente todo comienza de nuevo.
  • Que tengas muchas opciones significa que debes tener mucha disciplina, pero es ese mismo tipo de disciplina que un pintor, un escritor o un compositor debería tener. En cierto sentido, trabajar con el digital es mucho menos frustrante que hacerlo con celuloide, y es que, el artista siempre empujara la forma de arte hasta que se dé de bruces con la tecnología. Es la naturaleza del artista.
  • Una película nunca se termina, sólo se abandona.
  • La gente olvida que hay una relación simbiótica en la industria del cine, es necesario hacer películas que recauden mucho dinero para financiar las que no lo hacen.
  • El guión es lo que usted ha soñado que debe ser. La película es lo que usted termina
  • Un efecto especial es una herramienta, un medio para contar una historia. Un efecto especial sin una historia es una cosa aburrida bonita.
  • Aprender a hacer películas es muy fácil. Aprender sobre qué hacer películas no lo es tanto.
  • Es duro trabajo hacer películas. Es como ser doctor, trabajas muchas horas, trabajas muy duro y es un trabajo emocional, tenso. Si usted realmente no ama esto, entonces no será digno de ello.

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MARTIN SCORSESE

Martin Charles Scorsese​ (Queens, Nueva York, 17 de noviembre de 1942), es un director, guionista, actor y productor estadounidense de cine, ganador de un Óscar, tres Globos de Oro, dos premios BAFTA, un Primetime Emmy, y un premio del gremio de directores de Estados Unidos, además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense. Le gusta mucho la música, mundo a lo que ha dedicado alguna de sus películas (No Direction Home sobre Bob Dylan , Shine a Light sobre los Rolling Stones y George Harrison: Living in the Material World acerca del exmiembro de The Beatles). Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación.

  • Siempre llega al set o locación temprano, de modo que usted puede estar solo y dibujar su inspiración y configuraciones en privado y tranquilo. En cierto sentido, se trata de protegerse a sí mismo; en otro sentido, se trata de estar siempre abierta a la sorpresa, incluso desde el set, porque puede haber algún detalle que no habías notado. Creo que esto es crucial. Hay muchas fotos que parecen buena en muchos aspectos excepto en uno: Carecen de un sentido de sorpresa, nunca han dejado la página.
  • Tal vez descubras que el gran problema de los cineastas jóvenes es que no tienen nada que decir e, invariablemente, que sus películas son poco claras o muy convencionales, o están dirigidas a un mercado bastante comercial. Así que me parece que lo primero que uno tiene que preguntar si quiere hacer una película es: ¿Tengo algo que decir? Y no tiene por qué ser algo literal que pueda expresarse con palabras. A veces, quieres comunicar simplemente un sentimiento, una emoción. Con eso basta. Y, créeme, ya resulta bastante difícil.
  • ¿Existe una gramática en la cinematografía, igual que existe una gramática en la literatura? Bueno, claro que la hay, y nos la han dado en dos ocasiones. Como dijo Jena-Luc Godard, hemos tenidos profesores importantes en la historia del cine: D.W. Griffith, en el ámbito del cine mudo, y Orson Welles, en el ámbito sonoro. Así que, por supuesto, existen reglas básicas. Pero, incluso hoy, la gente sigue batallando con nuevas formas de contar de historias mediante el cine y siguen usando las mismas herramientas (planos de apertura, planos medios, planos cerrados), aunque no necesariamente con el mismo propósito. Y la yuxtaposición de esos planos en el proceso de montaje es lo que está creando nuevas emociones, o dicho de forma más precisa, una nueva manera de comunicar al público determinados sentimientos. En muchos sentidos, la gramática del cine está a disposición de todos. Cualquiera puede probar una nueva manera de yuxtaponer planos para contar una historia.

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WOODY ALLEN

Allan Stewart Königsberg (Brooklyn, 1 de diciembre de 1935), es un director, guionista, actor, músico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense. Es uno de los directores más respetados, influyentes y prolíficos de la era moderna. Desde 1969, ha producido más 45 películas, una cada año.2 Escribió, dirigió y protagonizó Annie Hall, película considerada por muchos como una de las mejores comedias de la historia del cine, y por la que recibió el premio Óscar al mejor director en 1977.

  • El director no tiene que dejar de ser dueño de la película, nunca. En cuanto se convierte en esclavo, está perdido. Bueno, cuando digo que tienes que hacer la película para ti mismo, no quiero decir que tengas que hacerla con desprecio hacia el público. Pero la opinión personal que tengo es que si haces una película que te gusta, y la haces bien, también vas a gustar al público, o al menos a una parte del público.
  • Oh, yo he robado de los mejores. Quiero decir que he robado a Bergman. Yo he robado de Groucho, he robado a Chaplin, he robado cosas de Buster Keaton, de Martha Graham, de Fellini. Quiero decir que soy un ladrón desvergonzado.
  • Para mí, una película crece orgánicamente. Escribo el guión y luego cambia. Veo a la gente entrar y decido… Cambia si Keaton no quiere decir esas líneas o no quiere hacer tal cosa – lo cambiamos todo. Cambia por un millón de razones.
  • Para mí, la tortura es conseguir la idea, trabajar para llevar a cabo esa idea -la trama general, la estructura y la historia-. Pero una vez que lo sé, puedo escribir un guión en dos o tres semanas. Es la diferencia entre escribir y escribirla. Llega a ser agradable para mí y fluye fácilmente porque he hecho todo el trabajo de pala de antemano.
  • Si trabajas sólo cinco horas al día puedes llegar a ser muy productivo. Es la firmeza, la continuidad lo que cuenta. Sentarse todos los días en la máquina de escribir es lo que hace que seas productivo.

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