12 CORTOS DE CULTO DE GRANDES DIRECTORES QUE SE PUEDEN VER GRATIS EN LÍNEA

Porque nadie empieza desde arriba, checa los primeros trabajos de 12 grandes directores, muchos desde su inicio dejaron ver la línea que tomaría su filmografía.

A pesar que muchos pensamos que los directores de cine sólo se limitan a hacer largometrajes, la verdad es que a veces, ya sea por un encargo o sólo para vencer el bloqueo creativo, muchos realizan cortometrajes que pueden quedar o no en nuestro recuerdo, o incluso ser el disparador para una futura película. Afortunadamente, con la llegada de Internet, gran parte de estos cortos han salido a la luz, pero no son tan populares como los largometrajes de los directores. A continuación les presentamos cortometrajes algo conocidos de cineastas famosos.

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Georges Méliès: Le Voyage Dans La Lune

Película muy popular en la actualidad, y la crítica de cine la reconoce como la más importante de las creaciones cinematográficas de Georges Méliès. Además es, en cierto modo, el primer filme de ciencia ficción de la historia del cine, además de una de las primeras obras cinematográficas en usar efectos especiales, vestuarios, escenarios y adaptar textos literarios al cine (en este caso De la Tierra a la Luna, de Julio Verne, y Los primeros hombres en la Luna, de H. G. Wells). Fue la película más larga en aquel tiempo; tanto el presupuesto como duración de rodaje fueron inusualmente fastuosos, costando ₣10.000 para hacer y tomando tres meses para completar. Los camarógrafos fueron Théophile Michault y Lucien Tainguy, que trabajaron sobre una base diaria con Méliès como asalariados de la compañía de películas, Star. Además de su labor como camarógrafo, operadores de Méliès también hicieron trabajos para la compañía tales como desarrollo de la película y ayudando a establecer el escenario, y otro operador asalariado, François Lallement, apareció en la pantalla como el oficial de la Marina. Por el contrario, Méliès contrató a sus actores en una base de la película, dibujo de personas talentosas en el mundo teatral parisiense, con quien él tenía muchas conexiones. La imagen de la cara de la Luna recibiendo el impacto de un cohete espacial disparado por una bala de cañón es uno de los planos más conocidos de la historia del cine.

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01

Luis Buñuel: Un Chien Andalou

Cortometraje de diecisiete minutos, mudo (no fue hasta la versión de 1960 que se incorporaron los motivos de Tristán e Isolda de Richard Wagner y un tango), escrito, producido, dirigido e interpretado por Luis Buñuel en 1929 con la colaboración en el guión de Salvador Dalí, gracias a un presupuesto de 25 000 pesetas que aportó la madre de Luis Buñuel. El rodaje duró quince días. Según refiere Buñuel a De la Colina y Pérez Turrent, Un perro andaluz nació de la confluencia de dos sueños. Dalí le contó que soñó con hormigas que pululaban en sus manos y Buñuel a su vez cómo una navaja seccionaba el ojo de alguien. Un perro andaluz está considerada la película más significativa del cine surrealista. Transgrediendo los esquemas narrativos canónicos, la película pretende provocar un impacto moral en el espectador a través de la agresividad de la imagen. Remite constantemente al delirio y al sueño, tanto en las imágenes producidas como en el uso de un tiempo no lineal de las secuencias. Fue estrenada el 6 de junio de 1929 en el cine Studio des Ursulines de París (Francia). Posteriormente se exhibió durante nueve meses ininterrumpidamente en el Studio 28 de la misma ciudad.

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02

Quentin Tarantino: My Best Friend’s Birthday

Película independiente en blanco y negro dirigida por Quentin Tarantino, escrita por el propio Tarantino y Craig Hamann. Fue creada durante la juventud de ambos, cuando trabajaban juntos en el videoclub Video Archives de Manhattan Beach, California. El proyecto comenzó en 1984 cuando Hamman escribió un pequeño guion de 30-40 páginas sobre un joven que intentaba hacer algo bueno para el cumpleaños de su amigo, al que su novia había dejado. Tarantino se unió al que es su primer proyecto como guionista y director. Él y Hamann ampliaron el guion a unas 80 páginas. Con un presupuesto estimado de 5.000 dólares, grabaron el film en 16 mm durante más de tres años. Hamman y Tarantino protagonizaron la película junto a distintos compañeros de clase y trabajadores del videoclub como Rand Vossler y Roger Avary. Originalmente este cortometraje estaba pensado para ser un largometraje, pero la copia fue destruida en un incendio en el laboratorio de postproducción. Lo que está disponible en línea son los fragmentos sobrevivientes, editados para crear un cortometraje de 34 minutos. A pesar de su trágica historia, My Best Friends Birthday no parece estar incompleta y refleja el sello distintivo de Tarantino, con diálogo brillante y una historia relatada en distintas partes, al estilo de Pulp Fiction (1994). De acuerdo con el sitio Taste of Cinema, esta película sirvió de base para el guión de True Romance (1993), escrita por Tarantino y dirigida por Tony Scott.

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03

Akira Kurosawa: Cuervos

“Cuervos” es uno de los ocho cortometrajes/episodios que conforman el film “Yume” o “Dreams” del director japones Akira Kurosawa. Cada uno de los cortometrajes que conforman “Yume” esta basado en sueños reales y propios del director, abordando toda la imaginaria onírica y surrealista que describe las obsesiones y preocupaciones refugiadas en el inconsciente de Kurosawa, desde su niñez hasta su edad mas adulta. En “Cuervos” se puede apreciar la fascinación de Kurosawa por Vincent Van Gogh y la pintura en general. Una pieza visualmente hermosa que nos envuelve en los paisajes y coloridos que hicieron tan personal el arte de Van Gogh. Si en el corto “El pueblo de los molinos de agua”, perteneciente a la misma cinta, Kurosawa ponía en tela de juicio el advenimiento imparable e ineludible de la nueva sociedad tecnológica, ahora, en Cuervos nos habla de la estética, de la belleza presente en la naturaleza, y sobre todo de la relación esencial que existe entre el artista, la naturaleza y el tiempo. Esta brillante viñeta de color fue cuenta con la interpretación de Martin Scorsese como Vincent van Gogh. El filme cuenta la historia de un estudiante de arte que de pronto se encuentra dentro del mundo vibrante y a veces caótico de las pinturas de van Gogh. Es ahí donde conoce al artista y conversa con él. El estudiante en un momento pierde la huella del artista (quien pierde una oreja y se acerca al final de su vida) y viaja a través de otras obras tratando de encontrarlo. La pintura de Van Gogh Campos de trigo con cuervos resulta ser un elemento importante en este sueño, en el cual Kurosawa ocupa el preludio N.º 15 en Re bemol mayor del compositor polaco Frédéric Chopin.

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04

Michel Gondry: Interior Design

Cortometraje perteneciente al filme colectivo “Tokyo!” en cual se cuentan tres historias, de tres directores, de una ciudad y un gran derroche de imaginación. El segmento de Michel Gondry, estuvo basado en la novela gráfica “Cecil and Jordan in New York” de Gabrielle Bell. El cortometraje arranca con la intención de reflejar la dificultad que puede presentarse a dos jóvenes que quieran instalarse en una ciudad masificada, que ya no acepta más integrantes. Ello después deriva hacia las tribulaciones del chico protagonista, que pretende triunfar como director de cine mientras que su novia comienza a tener una serie de síntomas particulares que hacen que se convierta en un mueble. Este comportamiento altamente infantilizado y naïf, cuando decide centrase en la chica hace derivar su narración a ese realismo mágico que es muy particular de Gondry; denunciando cómo en una realidad dominada por la técnica y la herramienta tecnológica, y Tokio se presta a ello, no eres nadie o no vales nada si no tienes una finalidad práctica. En este mundo cosificado, ella despreciada y aislada se acabará transformando en algo muy utilitario y artesanal, y así acabará autoafirmándose, en las antípodas de la Nueva carne que hace apología de la fusión de carne y metal del cyberpunk alucinado.

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05

Andrei Tarkovski: El violín y la aplanadora  

La tesis de graduación y primera película íntegramente dirigida por Tarkovsky. No era su primer trabajo como director (antes había realizado dos cortometrajes –Los asesinos y No habrá salida– junto a un compañero de escuela, Alexander Gordon), aunque sí el primero que corría enteramente por su cuenta y riesgo, tanto a nivel de guión como de realización. El resultado, para un recién egresado, es sorprendente. Con un perfil artístico ya bastante definido, la cinta ofrece una primera versión de las obsesiones y los recursos técnicos que más tarde constituirán el sello personal, intransferible, de uno de los máximos iconos contemporáneos del cine de autor. En 1961, obtuvo el primer premio en el Festival de Cine de Escuelas de Nueva York.

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06

Christopher Nolan: Doodlebug

Primer cortometraje del director de culto, Christopher Nolan. Realizado en 1997, un año antes que su ópera prima (Following), y con el protagonista de ésta, Jeremy Theobald. Podría decirse que su (brevísima) historia es la de un hombre obsesionado con cazar a un “bicho” que no le deja vivir en paz. Como en su primer film, Nolan recurre al blanco y negro, y como en el resto de su filmografía, nos habla de la obsesión de alguien. En apenas 3 minutos, “Doodlebug” nos enseña un estupendo ejemplo del uso del lenguaje cinematográfico y atrapa la curiosidad del espectador para no dejarla escapar hasta el final. La atmósfera está muy lograda, consiguiendo transmitir al espectador lo que siente el protagonista. Aunque es evidente que técnicamente deja que desear, el corto está bien realizado y no hay que infravalorar la forma que ha encontrado Nolan de transmitirnos sus propias inquietudes: a través de un riguroso blanco y negro, con la cámara siguiendo en todo momento los movimientos del hombre y acompañando las surrealistas escenas con una música que se convierte en personaje esencial del corto (compuesta por David Julyan, recurrente en la filmografía de Nolan hasta que inició con Batman Begins su colaboración con Hans Zimmer, aunque pudo contar con él también en El truco final). Desde luego, toda una curiosidad que merece ser vista, aunque sólo sea por echar un vistazo a los comienzos del director de ‘Memento’ y ‘El Caballero Oscuro’.

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07

Alejandro Jodorowsky: La Cravate

También conocida como “Les Têtes interverties”, esta obra, dirigida y protagonizada por el mismo Jodorowsky, estuvo perdida durante mucho tiempo, y fue encontrada finalmente en una bodega de Alemania. Es una evidencia clara de una de las facetas menos conocidas del autor: la pantomima, siendo incluso pionero de dicho arte en Chile, junto a otros compatriotas que también tuvieron éxito en Europa. De dicho suceso nace este cortometraje, cuando el autor ya estaba establecido en Francia y compartía escena con grandes como Marcel Marceau, iniciándose a los 28 años en la cinematografía con esta pequeña pero importante producción. La cravate (o El lazo) fue un proyecto decisivo en su carrera artística, que marcó un antes y un después al revelarle su pasión por el trabajo audiovisual, que tanto éxito le trajo unos años más tarde. Esta pieza en particular es una adaptación libre de un relato de Thomas Mann, que narra sin diálogos y a través de la pantomima la historia de una mujer que vende cabezas, intercambiando erróneamente la de un hombre sensible con la de otro más agresivo, creando una confusión que acaba en una cómica pero conmovedora comedia de equivocaciones.

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08

David Lynch: The Alphabet

Segundo cortometraje realizado por David Lynch al inicio de su carrera y el cual usa una combinación de secuencias animadas y reales para describir el miedo asociado con aprender. Basado en una pesadilla que le contó a David su sobrina a Peggy Lynch (su mujer), el filme trata de una chica (Peggy) quien está tumbada en la cama, mientras el sonido de unos niños cantando “A, B, C” se escucha de fondo. Después vemos una secuencia abstracta animada mostrando las letras A-Z en una secuencia con varios fondos. Una pesadilla en cuatro minutos que mezcla una evocación aparentemente inocente (niños recitando el abecedario) con angustias y terrores. Sin ninguna lógica ni referencias espacio-temporales, al igual que cuando soñamos de verdad, con un entorno sucio y sórdido, donde el aprendizaje y la madurez se juntan con la pérdida de la inocencia y el primer paso a un mundo que no es tan inofensivo como parece.

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09

Alfonso Cuarón: Cuarteto Para El Fin Del Tiempo

Cortometraje realizado por el director mexicano, Alfonso Cuarón, casi 30 años, en una época en que era todavía estudiante del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM. La película fue filmada en 16mm y con una voz en off que expone seminalmente la anécdota que después sería ampliada y ramificada en Gravity: la soledad de un personaje que se descubre obligado a confrontarse a sí mismo, sus dudas y sus temores, pero también las opciones que el presente le ofrece. Cabe mencionar que el corto comparte nombre con el Quatuor pour la fin du temps, una composición del francés Olivier Messiaen estrenada en 1941.

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10

Tim Burton: Vincent

Pimer cortometraje realizado por Tim Burton y Rick Heinrichs en 1982, y el cual cuenta la historia de un niño de 7 años llamado Vincent Malloy, quien está obsesionado con el actor Vincent Price (éste último presta su voz de narrador) y todos sus papeles de cine, así como de Edgar Allan Poe. El personaje del niño está basado en el propio Burton, quien desde pequeño admiraba a Vincent Price. Vincent está basado en un poema que Burton escribió al estilo de los cuentos del Dr Seuss mientras trabajaba para la compañía Disney. En el corto se pueden apreciar ideas que posteriormente podrán ser vistas en más trabajos de Burton. Por ejemplo los experimentos con animales, el personaje solo e incomprendido y la estética general. El cortometraje fue proyectado durante dos semanas en un cine de Los Ángeles junto con la película Tex y consiguió ganar varios premios. El cortometraje acabó en los archivos de la Disney dado que no sabían que hacer con él. Se trataba de un corto de 6 minutos en blanco y negro que no tenía más mercado que el formato de los festivales de animación. Más tarde se recuperó para proyectarlo con “Pesadilla antes de Navidad” e incorporarlo en el DVD de la misma.

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11

Chris Marker: La Jetée

Película francesa de ciencia ficción de 28 minutos filmada en blanco y negro. En ella se relata la historia de un experimento de viaje en el tiempo llevado a cabo tras una guerra atómica. Si bien es una película, el director la define como una fotonovela, pues se realizó filmando una serie de fotografías que dan contexto a la narración que las acompaña y apenas cuenta con una breve secuencia de imágenes en movimiento. El filme fue distribuido como programa doble con otro clásico francés de la ciencia ficción, “Lemmy contra Alphaville”, de Jean-Luc Godard, se realizó en Francia en la cúspide de la conocida como “Nouvelle Vague” o “Nueva Ola”, el movimiento renovador del cine francés surgido alrededor de la revista Cahiers du Cinema. Aunque recibió calurosas críticas por parte de los expertos, lo cierto es que “El Muelle” pasó prácticamente desapercibido para el público hasta la década de los noventa, cuando obtuvo una nueva vida gracias a la versión que Terry Gilliam realizó con el título “Doce Monos” (1995). Irónicamente, el corto de Marker era en sí mismo una versión de una película anterior, “Vértigo”, de Alfred Hitchock. Como “Vértigo”, “El Muelle” es un estudio sobre la imaginación humana y nuestra tendencia a rememorar una y otra vez un pasado tan intangible como idealizado.

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12

Editor: Jonás Axel
Fuente: 1001 películas que ver antes de morir, 100 Clásicos del cine, 35Mílimetros, Blog de cine, Wikipedia & Morelia Film Festival, Lo que Coppola quiera, Espejo Reverso, Vix.
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