LA ERA DEL CINEMATÓGRAFO: UN VIAJE POR LA HISTORIA DEL CINE FRANCÉS

Francia ha sido un país muy influyente en el desarrollo del cine como medio de comunicación y como arte. Ahí se realizó la primera función de cine, se dio la cultura del cine clubismo, comenzaron a surgir las vanguardias cinematográficas y se dio origen a la llamada teoría del cine de autor. Sí a Estados Unidos y Rusia les debemos la evolución del lenguaje cinematográfico y la industria del cine, a Francia le tenemos que agradecer por darnos la evolución del cine como arte. Razón por la cual, en esta ocasión los invitamos a dar un viaje por la historia del cine de tan especial nación.

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LA LLEGADA DEL CINE (1895)

A finales del siglo XIX, durante los primeros años del cine, Francia fue pionera en varios aspectos. Los Hermanos Lumière inventaron el cinematógrafo y su proyección de L’Arrivée d’un train en gare de La Ciotat (La llegada de un tren a la estación de La Ciotat) en París en 1895 es considerada por muchos historiadores como el nacimiento oficial del cine.

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LOS PIONEROS DEL CINE FRANCÉS (1986-1910)

02 ADurante los siguientes años, los directores de cine de todo el mundo comenzaron a experimentar con este nuevo medio. El francés Georges Méliès fue influyente ya que inventó muchas de las técnicas ahora comunes en el lenguaje cinematográfico, e hizo la primera película de ciencia ficción Le Voyage dans la Lune (El viaje a la Luna) en 1902.

Otras personas y organizaciones de este periodo incluyen a Léon Gaumont y Pathé. Mientras que Alice Guy Blaché fue una de las pioneras del cine. Hizo su primera película en 1896, La Fée aux Choux, y fue jefe de producción en Gaumont (1897-1906), donde hizo en total unas 400 películas. Su carrera continuó en los Estados Unidos. Otros pioneros que trabajaron en Francia y en los Estados Unidos fueron Maurice Tourneur y el actor cómico Max Linder.

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LA EDAD DE ORO DEL CINE MUDO (1915-1927)

La producción cinematográfica francesa, interrumpida bruscamente en 1914, se reanudó un año después con cierta debilidad. Durante la Primera Guerra Mundial, jóvenes cineastas como Abel Gance, Marcel L’Herbier o Louis Delluc, tuvieron la oportunidad de dirigir e, impresionados por algunos elementos del estilo cinematográfico estadounidense, desarrollar nuevas teorías sobre cómo debía ser el arte de la cinematografía. Se trata del llamado “impresionismo”.

03En esta búsqueda de nuevos modos de expresar emociones e ideas a través del cine, surgieron obras personales como “Fiebre”, de Louis Delluc y “El dorado”, de Marcel L’Herbier, ambas realizadas en 1921, junto a algunas de Jean Epstein y Germaine Dulac.

Al final de la década de 1920 hubo un intento de “americanización” del estilo y los temas tratados; al mismo tiempo aumentaron las inversiones estadounidenses y alemanas y las coproducciones. Sin embargo, estas operaciones no devolverían la producción francesa a la escena internacional hasta la introducción del sonoro.

04 ALA CRISIS Y EL REALISMO POÉTICO DEL CINE FRANCÉS (1930-1940)

Desde el principio de los años treinta a finales de los años cincuenta hay un cine destinado a un público vasto y que se basaba en principios dramatúrgicos y géneros bien desarrollados (el género humorístico por ejemplo). Renoir, Carné, Feyder, Duvivier eran muy famosos durante este período.

En 1932, la crisis económica afectó a Francia pero lo que en verdad golpeo a la industria cinematográfica francesa fue la deuda financiera que tuvieron que tomar para poder adaptar sus salas y estudios de cine a causa de la llegada del cine sonoro a Francia.

En 1936, con la victoria del la “Front Populaire”, comenzó al apogeo del realismo poético. En 1938, cerca de 4250 salas fueron equipadas para el cine sonoro, hay que saber que Paris tenía 300 salas; la gente iba al cine con su familia, por lo menos una vez por semana. En este mismo periódo Eric Langlois creó la « Cinémathèque française” para conservar las películas u organizar proyecciones. Durante la “drole de guerre”, la producción no se interrumpió aunque la censura militar desterraba a ciertas películas como “Las reglas de juego” de Jean Renoir.

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LA LLEGADA DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL (1940-1945)

La ley del 26 de octubre de 1940 creó el Comité de organización de las industrias del cine: era un momento crucial en la historia del cine francés porque por primera vez el poder político encuadraba la industria y el comercio de películas. El Comité creó la carta profesional, implementó el sistema por anticipado a la producción y creo el Instituto de altos estudios cinematográficos que funcionaba bajo la dirección de Marcel L’ Herbier a partir de 1944. Con respuesta al régimen de Vichy (y del estatuto de los judíos), una parte importante de la profesión dejó Francia como los realizadores Renoir, Duvivier, Gabin, Jouvet, pero aunque la censura continuaba y expandía, la producción continuaba con directores como Guitry, Gance y Pagnol.

El mejor año, 1943, se alcanzo excepcionalmente el tope de los 304 millones de espectadores. Para los tiempos de la Segunda Guerra Mundial, la industria fílmica francesa no estaba recuperada del todo, y con la invasión nazi se hizo más difícil la libre realización. Sin embargo, de esos días aún queda la obra maestra de Marcel Carné: “Los Hijos del Paraíso”, un símbolo de la identidad francesa que solo pudo ver la luz después de acabado el conflicto. La película fue votada por los críticos como la mejor producción de la historia del cine francés.

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EL CINE DE ESTUDIOS DESPUÉS DE LA GUERRA

(1950-1960): Las décadas siguientes a la guerra –entre los 50 y los 70- vieron el nacimiento de nuevas formas de cine y un marcado tinte crítico y político en ellas. La Liberación no produjo un renacimiento en el cine francés que se quedaba encerrado en un realismo poético exangüe. El fin de la cuarta república, en 1958, coincidió con la muerte de Max Ophuls. Con su muerte se dio el fin de un periodo.

La estética de los estudios marcó el cine de los años 50 porque la necesidad del decorado y de un corte radical del mundo cotidiano provocó rápidamente el recurso a una situación teatral: pocos personajes, lugares reducidos y diálogos abundantes.

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LA NOUVELLE VAGUE (1958–1970)

La Nouvelle vague (Nueva ola) es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950.

Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés imponía hasta ese momento y, consecuentemente postularon como máxima aspiración, no sólo la libertad de expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica. La teoría del cine moderno nació aquí.

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Los directores y críticos más destacados de esta corriente fueron André Bazin, François Truffaut, Jean-Luc Godard, Alain Resnais, Agnès Varda, Jacques Demy y Claude Chabrol; y entre los filmes más importantes del mismo período están “Los Cuatrocientos Golpes” de François Truffaut (1958), “El Samurai” de Alain Delon (1968), y “Ejército de las Sombras” de Jean-Pierre Melville (1969).

L'affaire de la cinémathèquePOST-NOUVELLE VAGUE (1970-1980)

El Cine Independiente Francés también conocido como “Post-Nouvelle vague” o “la Generación perdida del cine francés” fue la vertiente alternativa que surgió de la Nouvelle vague a finales de los 60 y comienzos de los 70. Estuvo marcada por las secuelas de la Guerra de la Independencia de Argelia y Mayo del 68.

Los cineastas de esta corriente se denominaron “perdidos” no solo porque fueron tardíamente reconocidos sino también porque surgieron bajo la acepción de la marginación, de un subjetivismo más propio de siglos pasados.

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LA LLEGADA DEL CINE DE ESTILO (1980-1990)

Cuando Jean-Jacques Beineix hizo “Diva” (1981) puso la chispa del comienzo de la oleada de los años 1980 del cine francés.

Para los 80 el movimiento del Cine de Estilo tomó las riendas de la industria en el país, tratando de competir con las producciones norteamericanas con filmes que favorecían el estilo y espectáculo sobre el contenido y la narración.

Las películas que siguieron a este despertar incluyen: “37°2 le matin” (1986) por Beineix, “El gran azul” (1988) por Luc Besson y “Los amantes de Pont-Neuf” (1991) por Léos Carax.

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EL RENACIMIENTO EN LOS TIEMPOS MODERNOS (1990-2016)

En los 90, el cine francés recuperó parte de su originalidad perdida. Con películas como “Delicatessen”, “La ciudad de los niños perdidos” y “Amelie Poulain”, el director Jean Pierre Jeunet fue el abanderado de un estilo único. En él combinó una fotografía innovadora parecida a las imágenes de los comics, y mezcló con perfección la comedia y el drama en hechos aislados que cobran sentido en el transcurso de los filmes.

A mediados de 1990, Krzysztof Kieślowski lanzó su trilogía Tres colores: Azul, Blanco y Rojo. La película “El odio” de 1995, de Mathieu Kassovitz, convirtió a Vincent Cassel en una estrella. Por su parte, “El quinto elemento” de Luc Besson se convirtió en una película de culto.

En los últimos años, el cine francés ha continuado cosechando los éxitos de los noventa llevando a artistas como Marion Cotillard a ganar el Óscar y el BAFTA como mejor actriz por su interpretación de Edith Piaf en “La Vida en Rosa”. También en 2008 el filme “La Clase”, se convirtió en la primera película en ganar una Palma de Oro en Cannes después de 21 años.

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Editor: Samuel López
Investigación: Oscar “Boss” Juventino
Fuente: Cinefrances.blogspot.mx, Wikipedia, Historial del cine mundial, EcuRed, Uhu Cine Educación & Eurochannel
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