FILM LESSONS: LAS 10 LECCIONES DE CINE DE PAUL THOMAS ANDERSON

Paul Thomas Anderson ha sido señalado como “uno de los talentos más fascinantes en aparecer en años” y uno de los “supremos talentos de hoy en día”. Después del estreno de Boogie Nights y Magnolia, Anderson fue catalogado como niño prodigio del cine, ahora y para celebrar que cumple 47 años, les presentamos algunas de las lecciones de realización cinematográfica que el aclamado director nos ha dejado para la posteridad.

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Paul Thomas Anderson presentó hace unos años en el New York Film Festival su última película, Inherent Vice, un largometraje que fue sido catalogado como comedia pero que como sucede con otras obras del director, trasciende la etiqueta de los géneros. Además de presentar el filme, Paul Thomas Anderson dio una charla de 90 minutos ante un auditorio lleno a rebosar en la que, bajo el título On Cinema, intento desglosar las que son para él las claves del cine.

Tomando como referencia un artículo de Flavorwire escrito por Jason Bailey, vamos a proceder a traducir algunas de ellas por si alguno de los lectores tiene intención de emular al autor de The Master.

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1. La inspiración puede venir de cualquier parte

“Cuando empiezo una nueva película, con todos los nervios y toda la confusión que eso supone, resulta reconfortante recordar por qué estoy aquí. Por qué hago lo que hago. Echar la vista atrás y recordar la ilusión de lo que veías en el pasado es para mí como una píldora energética, y de esos recuerdos puedo recuperar cosas extrañas que me pueden ayudar”, decía el director al principio de su charla para resaltar la importancia de la memoria cinéfila”. Cuando Anderson comenzó a trabajar en Inherent Vice, se inspiró en un programa de televisión que veía cuando niño: Police Squad! (Jim Abrahams, David y Jerry Zucker, 1982). El recuerdo de lo visto y cómo lo disfrutaba fue lo que le ayudó a crear el ambiente de su película y le mantuvo de buen humor durante los momentos más difíciles

2. La trama no importa.

“Nunca recuerdo las tramas de las películas. Recuerdo cómo me hacían sentir”. Durante una conferencia, Paul Thomas Anderson, defendió esta afirmación mostrando un clip de “Con la muerte en los talones”, un film en el que el argumento es, como suele suceder con el inventor del MacGuffin (Alfred Hitchcock), una excusa para mostrar la peripecia del personaje protagonista.

3. Busca formas de transmitir un estado de ánimo

“Es importante crear un ambiente porque forma parte de la historia que cuentas. Tienes que capturar las sensaciones y emociones que provoca un ambiente en particular, cómo se ven las cosas, qué tonos se observan. Todo forma parte de la historia”. Con la ayuda de un largo fragmento de “Journey Through the Past”, film dirigido por Neil Young, Anderson trató de transmitir la importancia crucial que tiene para él transmitir un ambiente, un estado de ánimo, una sensación… En este caso, algo tan simple y etéreo como la placidez de un sábado por la tarde: “Salir con tu chica en coche, aparcar junto a un riachuelo, fumar…”.

4. La lógica emocional triunfa sobre la lógica narrativa

Enlazando con el punto 2 de este decálogo, Anderson explicó su teoría sobre la “lógica emocional”: “Si traicionas la lógica emocional (para Anderson mucho más importante que la narrativa), entonces tienes un problema. Si falla la credibilidad de las emociones de tu personaje, te estás saltando las normas”. Anderson cree que hay una línea muy fina entre “eso no puede suceder” y “bueno, sí, podría ser”. No traiciones la lógica emocional, y tu historia tomará vida.

5. Elige el camino más difícil

Este punto tiene que ver con el debate entre la técnica digital y la película tradicional (como sabéis, Anderson se inclina por la segunda porque, simplemente, “se ve diferente”). Para el director es muy peligroso que ahora, gracias a la postproducción, el retoque de color… muchos jóvenes cineasta no necesiten saber algunas cosas que antes eran imprescindibles, como por ejemplo iluminar bien una escena. En palabras del director: “Es mucho más fácil hacer la fotografía de una película gracias a las herramientas digitales para posproducción; pero creo que no esforzarse en conseguir la fotografía correcta desde el set es hacer trampas”.

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6. Conoce a tus personajes

“Para que tus personajes resulten reales, debes conocerlos. Tienes que hablar de personajes con los que hayas convivido, que sean reconocibles por cualquiera que haya vivido en el mismo sitio que tú”. Durante su conferencia, Paul Thomas Anderson, con la ayuda de un sencillo clip de “Jackie Brown” aparentemente intrascendente, resaltó la importancia de conocer muy bien las personas y escenarios que estás mostrando para que todo resulte verosímil: “Si eres de Los Angeles, como yo, si ves esta combinación de personajes, te das cuenta de que todo tiene sentido. Conozco gente así en Los Angeles. No parece una recreación cinematográfica”.

7. Nunca subestimes la importancia de un buen casting

“Cualquier detalle técnico puede fallar, pero tus actores pueden salvar la película. Realizar una película técnicamente buena, con actores que fallan, puede significar un fracaso. Los actores son fundamentales”. Después de teorizar, como hemos dicho antes, sobre varios aspectos técnicos de “Con la muerte en los talones”, Anderson quiso dejar una cosa clara: “Al final… es Cary Grant. Podemos hablar de tecnicismos, de rollos de ‘nerds’, pero al final, si pones a Cary Grant en tu película, todo saldrá bien”.

8. No dejes que la música haga tu trabajo

“Ten cuidado cuando seleccionas la música. No se trata de mostrar tu buen gusto musical, sino de encontrar la música que complementa lo que estás contando en una escena. Nunca dejes que tu película parezca una selección de lo mejor de tu discoteca. Eso puede ser nauseabundo. Ya sabes: aquí está mi cinta de grandes éxitos y con ella viene la película”.

9. No dejes de ver películas clásicas. Sobre todo en TCM

“Inspírate en cosas que ya se han hecho. Además, descubrirás muchas cosas nuevas porque siempre hay algo que no has visto aún por mucho cine que hayas visto”. Paul Thomas Anderson trabaja con el canal TCM de fondo, porque le sirve para observar lo que han hecho otros y descubrir recursos que le puedan ser útiles para sus películas. Al hilo de esto, el director presentó en la charla un fragmento de la película de Frank Capra “La amargura del general Yen”, un film mudo de 1933 que el director de Magnolia acababa de descubrir y con el que pretendía demostrar que la capacidad inspiradora no tiene, ni mucho menos, fecha de caducidad.

10. No hay normas

A Anderson le sorprendió descubrir que podía hacer lo que quisiera en sus películas, y que eso estaba bien. Esa filosofía es la que aplica en su cine, y la que le ha permitido hacer películas que no dejan a nadie indiferente. Sólo hace falta echarle un vistazo a su singular filmografía para concluir, paradójicamente, que, después de leer todas estas claves, sólo hay una que hay que tomar especialmente en serio si quieres que tu película parezca fresca y diferente. No sigas las normas de los demás y crea las tuyas propias.

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Editor: Jonás Axel

Fuente: TCM, Flavorwire & Pantalla Adicta

 

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