SCRIPT O RAMA: 10 GUIONES ONLINE PARA APRENDER SOBRE EL CINE DE CIENCIA FICCIÓN VOL I

De una Metrópolis en blanco y negro pasando por viajes en el tiempo, peleas con dinosaurios y extraterrestres hasta futuros distópicos. Estos 10 guiones legendarios  del cine de ciencia ficción lo cuales puedes leer o descargar para poder conocer más acerca de este género.

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A pocos días del estreno de Alien: Covenant hemos decido hacer un breve repaso por la historia del cine de ciencia ficción a través de una recopilación de lo que consideramos son algunos de los mejores guiones de este género cinematográfico.

Como siempre ustedes podrán disfrutar de los guiones para su lectura en línea e inclusive en algunos casos para su descarga (aunque también se puede hacer simple copy paste). Si lo anterior no fuera suficiente, en algunos casos hemos agregado otro hipervínculo que los llevará a primeros tratamientos o información sobre el guión.

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METROPOLIS (Guión: Thea von Harbou, Fritz Lang, 1927)

Argumento: Futuro, año 2000. En la megalópolis de Metrópolis la sociedad se divide en dos clases, los ricos que tienen el poder y los medios de producción, rodeados de lujos, espacios amplios y jardines, y los obreros, condenados a vivir en condiciones dramáticas recluidos en un gueto subterráneo, donde se encuentra el corazón industrial de la ciudad. Un día Freder (Alfred Abel), el hijo del todoperoso Joh Fredersen (Gustav Frohlich), el hombre que controla la ciudad, descubre los duros aspectos laborales de los obreros tras enamorarse de María (Brigitte Helm), una muchacha de origen humilde, venerada por las clases bajas y que predica los buenos sentimientos y al amor. El hijo entonces advierte a su padre que los trabajadores podrían rebelarse.

Comentarios del guión: A Fritz Lang le gustaba recordar que la historia de Metrópolis nació en su viaje a Estados Unidos, en octubre de 1924, viendo desde su barco en la noche ante el puerto neoyorquino los rascacielos de la ciudad y las calles iluminadas. Al regresar, Thea von Harbou se pondría a trabajar en el guion. Esta inspiración se puede relacionar con el rodaje en la materialización de las ideas visuales más que con el guion, ya que la historia estaba probablemente muy perfilada en julio de 1924. Von Harbou escribió asimismo una novela que se basó en la trama de la película. En la representación del orden social, Metrópolis se apoya por un lado en el marxismo: hay dos clases sociales claramente diferenciadas y separadas, en las que una explota a la otra sin que haya posibilidades de medrar. La «alienación del trabajo» podría relacionarse con que haya algunas máquinas sin una utilidad reconocible. Por otro lado también se critica el ideal de revolución socialista. El personaje del robot María, representado claramente como malvada, lanza a los trabajadores a la lucha, y como resultado destrozan su medio y sustento, empeorando su situación en lugar de mejorarla. La colaboración entre clases sociales, en lugar de la lucha de clases, recuerda sin embargo al nacionalsocialismo y su ideología, pues era la estructura económica corporativista que defendía el programa del Partido Nacional-Socialista de los Trabajadores de Alemania (NSDAP); ideología con el cual Thea von Harbou simpatizaba, contrariamente a Fritz Lang. Lang dio a entender más tarde que la idea del corazón como mediador entre la mano (la fuerza del trabajo) y el cerebro (la capacidad directora de la sociedad) era falsa y que por ello ya no le gustaba esta película. Tras esta opinión se escondía la situación social que se vivía y no un conflicto de orden moral. Aunque la tesis central del cerebro, la mano y el corazón pertenece a Thea von Harbou, él era responsable de la misma, al menos en parte, como director de la película que era. Lang, en realidad, estaba mucho más interesado en los aspectos técnicos y arquitectónicos del film que en el trasfondo político de la trama. El discreto éxito de la película entre el público de aquellos años también puede explicarse por ello, ya que la imagen social desarrollada en la historia se opone a las apenas cuestionadas creencias en el progreso que se tenían entonces. El género de ciencia-ficción del cine mudo presenta la utopía, por lo general, en positivo, mientras que Lang recurre a la esclavización de los tiempos bíblicos para representar el futuro. Las monumentales máquinas de la ciudad subterránea proporcionan a las clases bajas una vida indigna, la masa humana es fácilmente manipulable y se practican ritos medievales como la quema de brujas. Del cristianismo se toma la parábola de la Torre de Babel: en la variante que se muestra que los arquitectos y los trabajadores hablaban una misma lengua pero no se entendían. También se rescata la figura de María, que personifica el bien, así como el anuncio de la venida de un redentor y la figura del falso profeta (el robot María).

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Notas de la producción

Desglose del filme

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2001: A SPACE ODDYSEY (Guión: Stanley Kubrick, Arthur C. Clarke, 1968)

Argumento: La película de ciencia-ficción por excelencia de la historia del cine narra los diversos periodos de la historia de la humanidad, no sólo del pasado, sino también del futuro. Hace millones de años, antes de la aparición del “homo sapiens”, unos primates descubren un monolito que los conduce a un estadio de inteligencia superior. Millones de años después, otro monolito, enterrado en una luna, despierta el interés de los científicos. Por último, durante una misión de la NASA, HAL 9000, una máquina dotada de inteligencia artificial, se encarga de controlar todos los sistemas de una nave espacial tripulada.

Comentarios del guión: El guion fue escrito por el propio Kubrick y por el novelista Arthur C. Clarke, basándose en un cuento de este último titulado El centinela, escrito en 1948 y publicado originalmente en la revista 10 Historias de Fantasía, en 1951. Es una película de ciencia ficción transversal, que aborda temas como la evolución humana, la tecnología, la inteligencia artificial y la vida extraterrestre. Se caracteriza por un notable realismo científico, por sus revolucionarios efectos especiales, por algunas de sus ambiguas y surrealistas imágenes. La banda sonora incluye música de Richard Strauss (la introducción de Así habló Zaratustra), Johann Strauss Jr. y György Ligeti que acompañan las imágenes del espacio. La dirección y diseño de los efectos visuales fueron obra de Kubrick, y supervisados por Wally Veevers.

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ALIEN (Guión: Dan O’Bannon , 1979)

Argumento: De regreso a la Tierra, la nave de carga Nostromo interrumpe su viaje y despierta a sus siete tripulantes. El ordenador central, MADRE, ha detectado la misteriosa transmisión de una forma de vida desconocida, procedente de un planeta cercano aparentemente deshabitado. La nave se dirige entonces al extraño planeta para investigar el origen de la comunicación.

Comentarios del guión: Mientras estudiaban cinematografía en la Universidad del Sur de California, Dan O’Bannon, John Carpenter y Ron Cobb produjeron el filme de ciencia ficción y comedia Dark Star (1974). Años más tarde O’Bannon comenzó a escribir una historia similar a la trama de Dark Star pero con más elementos del cine de terror. Ronald Shusset escribía el libreto de Total Recall (1990) cuando miró Dark Star y quedó impresionado con la trama. Se puso en contacto con él y ambos accedieron a colaborar en sus respectivos guiones; coincidieron en que la película de O’Bannon habría de ser la menos costosa de producir así que trabajaron primero en dicho libreto. Para entonces O’Bannon ya tenía un borrador de veintinueve páginas titulado Memory, que describía cómo un grupo de astronautas despierta de un sueño inducido y se entera de que el trayecto de su nave ha sido interrumpido por una señal proveniente de un planetoide desconocido. Pese a que ya tenía en mente a la criatura extraterrestre antagónica, todavía no definía su apariencia. O’Bannon recibió una propuesta de Alejandro Jodorowsky para participar en la adaptación de la novela Dune, y se trasladó a París donde permaneció por seis meses. Pese a la cancelación del proyecto, esta experiencia le permitió a O’Bannon conocer a otros escritores y artistas de la ciencia ficción como Chris Foss, H. R. Giger, y Jean «Moebius» Giraud, cuyas ideas y conceptos habrían de repercutir en Memory. Se mostró impresionado con las carátulas de los libros de Foss, y el trabajo de Giger le pareció «perturbador». En su opinión: «sus ilustraciones [de Giger] tuvieron un profundo impacto en mí. Nunca había visto nada tan horrible y, al mismo tiempo, tan hermoso como su trabajo. Acabé escribiendo un guion sobre el monstruo de Giger». Una vez de regreso en Los Ángeles, y tras mudarse a la residencia de Shusett, retomó su historia. Shusset le sugirió que la criatura se infiltrara en la nave en la segunda mitad de la película, oculta en el estómago de uno de los astronautas. Originalmente el guion llevaba por título Star Beast (Bestia estelar) pero luego lo cambiaron por «Alien» al resultar más simple y tener un doble uso gramatical como sustantivo y adjetivo. Cabe señalarse que el guion incluye varias referencias a otras obras de ciencia ficción y de terror: desde el concepto de un entorno claustrófobico en el que la bestia va persiguiendo a la tripulación, el cual provino de The Thing from Another World (1951); la advertencia de que no aterricen en el planetoide desconocido, y la forma en que la criatura acecha a los tripulantes, conceptos similares a los de la película Forbidden Planet (1956); la escena en que los astronautas descubren el esqueleto gigante de un extraterrestre, la cual tuvo su origen en Terror en el espacio (1965); y el hallazgo de la cámara repleta de huevos de xenomorfo, descrita originalmente en el relato corto «Junkyard» (1953) por Clifford D. Simak. Otras influencias notables fueron la novela Strange Relations de Philip José Farmer (1960) —que aborda la reproducción extraterrestre— y varias historietas de terror de EC Comics.

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BLADE RUNNER (Guión: David Webb Peoples, Hampton Fancher, 1982)

Argumento: A principios del siglo XXI, la poderosa Tyrell Corporation creó, gracias a los avances de la ingeniería genética, un robot llamado Nexus 6, un ser virtualmente idéntico al hombre pero superior a él en fuerza y agilidad, al que se dio el nombre de Replicante. Estos robots trabajaban como esclavos en las colonias exteriores de la Tierra. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de Nexus-6, los Replicantes fueron desterrados de la Tierra. Brigadas especiales de policía, los Blade Runners, tenían órdenes de matar a todos los que no hubieran acatado la condena. Pero a esto no se le llamaba ejecución, se le llamaba “retiro”. Tras un grave incidente, el ex Blade Runner Rick Deckard es llamado de nuevo al servicio para encontrar y “retirar” a unos replicantes rebeldes.

Comentarios del guión: La película se encuentra basada parcialmente en la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (1968), quien falleció antes del estreno de la película, pero pudo ver una cinta de prueba de cuarenta minutos. El guion, escrito por Hampton Fancher, atrajo al productor Michael Deeley (quien aseguró financiación para el proyecto con varias fuentes, que más tarde resultaron problemáticas cuando una de ellas retrasó el lanzamiento de la edición especial de la película) y éste, a su vez, convenció al director Ridley Scott de crear su primera película en los EE. UU.; Scott estaba disconforme con el guion y solicitó a David Webb Peoples reescribirlo. El título de la película viene de la novela The Bladerunner, de Alan E. Nourse, cuyo protagonista contrabandea instrumentos quirúrgicos en el mercado negro y de Bladerunner, A Movie (en algunas ediciones Blade Runner), un tratado de cine escrito por William S. Burroughs; pero más allá del título, ninguna de las obras antes mencionadas resulta relevante para la película. Fancher encontró casualmente una copia de Bladerunner, A Movie mientras Scott estaba buscando un título comercial para su película; a Scott le agradó el título, y obtuvo los derechos sobre él, pero no sobre la novela. Antes de que se iniciara la filmación de la película, Paul M. Sammon recibió el encargo de la revista Cinefantastique de escribir un artículo acerca de Blade Runner. Su detallada observación e investigación sirvieron para publicar, más tarde, el libro Future Noir: The Making of Blade Runner, conocido también como La Biblia de Blade Runner por los fanáticos de la película. El libro no solo describe la evolución de Blade Runner, sino también las políticas y dificultades en el plató; particularmente respecto a las expectativas de Scott con su equipo de los EE. UU. (considerando que Scott es británico). Junto con lo anterior, su estilo como director de actores creó fricciones con el reparto, y contribuyó al posterior mutismo de Harrison Ford sobre la película.

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BACK TO THE FUTURE (Dir. Robert Zemeckis, Bob Gale, 1985)

Argumento: El adolescente Marty McFly es amigo de Doc, un científico al que todos toman por loco. Cuando Doc crea una máquina para viajar en el tiempo, un error fortuito hace que Marty llegue a 1955, año en el que sus futuros padres aún no se habían conocido. Después de impedir su primer encuentro, deberá conseguir que se conozcan y se casen; de lo contrario, su existencia no sería posible.

Comentarios del guión: Robert Zemeckis y Bob Gale, a la postre director y productor de Back to the Future, ya se habían interesado acerca de la idea de hacer una película sobre viajes en el tiempo, si bien no habían conseguido trazar cual podría ser el concepto central para una película de ese tipo. El germen de la idea surgió cuando Gale visitó a sus padres, en San Luis, Misuri, después del estreno de la sátira cinematográfica Used Cars (Frenos rotos, coches locos en España y Autos usados en Hispanoamérica; 1980), la cual escribió y produjo. Ya en casa de sus padres, acudió al sótano y encontró el anuario de la preparatoria de su padre, enterándose de que había sido el presidente de su respectiva clase de graduación. En ese momento, se quedó pensando en el presidente de su propia clase, un compañero con el que no convivió mucho. Así, se cuestionó si su padre y él se habrían vuelto amigos si ambos hubiesen asistido a la misma escuela juntos. Una vez que regresó a California, le contó el tema a Robert Zemeckis, director de Used Cars. Interesado en el concepto, Zemeckis pensó además en una madre de familia que se quejaba de nunca haber besado a ningún chico en su escuela, siendo que en realidad era más bien promiscua en su juventud. Ambos presentaron el proyecto a Columbia Pictures, y llegaron a un acuerdo con el estudio, en septiembre de 1980, para concluir un libreto. En los primeros borradores, se planteó que Marty necesitaría el poder de una explosión atómica para viajar en el tiempo, a bordo de un refrigerador. El concepto central del viaje en el tiempo surgió a principios de los años 1980, cuando el productor Bob Gale visitó a su padre y pensó en las posibilidades de haberse conocido si hubiesen pertenecido ambos a la misma generación. Para elaborar el guion, Zemeckis y Gale se valieron de un sistema de fichas indicadoras, las cuales se anotaban en pequeños papeles y se agregaban a un tablero en la oficina de este último, para resaltar determinadas ideas clave. Decidieron situar la trama en 1955 pues calcularon que, de esa forma, un joven de diecisiete años de edad viajaría en el tiempo, treinta años atrás (desde 1985) para conocer a sus padres cuando estos tuviesen su misma edad. Además, tenían conocimiento de que en esa época sobresalieron aspectos como el estatus de los jóvenes como un elemento cultural notable, el nacimiento del rock and roll y la expansión de los primeros suburbios en Estados Unidos, los cuales ayudarían al desarrollo de la trama. Al principio, se pensó que la máquina para viajar en el tiempo fuera una cabina, construida a partir de un viejo refrigerador —en tratamientos iniciales del guion, la máquina era un dispositivo láser albergado en un cuarto—. No obstante, Zemeckis era consciente de que los niños quizás empezarían a encerrarse en refrigeradores para emular el viaje en el tiempo, por lo que perseveraron en encontrar mejores ideas hasta que llegaron a la conclusión de que sería más lógico que la máquina fuera móvil para poder así portarla. A pesar de que se evaluó que la máquina fuera un tractor oruga, debido a la posibilidad de que el vehículo viajara a lugares donde no hubieran caminos pavimentados, finalmente se optó por escoger el modelo de coche DeLorean DMC-12. La razón principal para esta elección fue que estaba diseñado de manera idónea para incluir la broma sobre la familia de granjeros que lo confunden con un OVNI. Además, Marty era inicialmente un vendedor clandestino de vídeos, pero el estudio se rehusó a aceptar este concepto ya que el protagonista no podía ser alguien que vendía películas ilegales. Asimismo, el protagonista necesitaba usar el poder de una explosión atómica en el emplazamiento de pruebas de Nevada para volver a su época, pero la idea de esta escena, que constituiría el clímax original, se tuvo también que desechar al resultar muy costosa su producción. Por otra parte, los guionistas no hallaban la forma de recrear la relación amistosa entre Marty y Doc Brown de manera creíble así que utilizaron el amplificador gigante de guitarra como vínculo entre los dos; para resolver la cuestión de la atracción que siente la madre de Marty hacia su hijo, escribieron la línea «Es como si besara a mi hermano».

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Lee el cuarto tratamiento

Lecciones del guión de Back to the Future

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JURASSIC PARK (Guión: Michael Crichton, David Koepp, 1993)

Argumento: El multimillonario John Hammond consigue hacer realidad su sueño de clonar dinosaurios del Jurásico y crear con ellos un parque temático en una isla remota. Antes de abrirlo al público, invita a una pareja de eminentes científicos y a un matemático para que comprueben la viabilidad del proyecto. Pero las medidas de seguridad del parque no prevén el instinto de supervivencia de la madre naturaleza ni la codicia humana.

Comentarios del guión: Michael Crichton comenzó a escribir la novela Jurassic Park tras pensar en un estudiante interesado en la clonación de dinosaurios. Antes de su publicación, fijó el precio por sus derechos en un monto de 1,5 millones USD en adición a un substancial porcentaje de las ganancias que las posibles adaptaciones de la misma tuvieran. A su lanzamiento, Warner Bros. y Tim Burton, Columbia Pictures y Richard Donner, así como 20th Century Fox y Joe Dante intentaron adquirir los derechos de la misma, sin embargo Universal Pictures y Steven Spielberg los obtuvieron en mayo de 1990. Spielberg tuvo conocimiento de la obra apenas unos meses antes de su distribución, mientras discutía con Crichton la producción de su próximo proyecto, la serie de televisión ER. Respecto a la trama, Spielberg comentó: «hay una gran cuestión moral en todo esto […] La clonación del ADN podría ser viable, pero ¿es aceptable? ¿Es correcto para el ser humano hacer esto, o los dinosaurios tuvieron su única oportunidad de vivir hace millones de años?». Tras obtener la licencia de la novela, Universal contrató a Crichton por 500 000 USD adicionales para escribir el guion. Sin embargo, el autor solo adaptó un 10-20 % del contenido total al tomar en consideración la extensión de su libro. Terminó el libreto cuando Spielberg estaba filmando Hook, aunque el director quería dirigir después La lista de Schindler. Consciente de esta situación, Music Corporation of America —en ese entonces propietaria de Universal— pausó la producción de La lista de Schindler con tal de que Spielberg dirigiera antes Parque Jurásico que, desde la perspectiva de este último, «era como una buena continuación de Tiburón, solo que en tierra firme». A finales de 1991 se contrató a Malia Scotch Marmo para redactar un nuevo guion, en el cual propuso ciertos cambios como la fusión de los personajes Ian Malcolm y Alan Grant. Eventualmente David Koepp, que antes había escrito el guion de Death Becomes Her, rescribió el guion de Marmo e hizo otras modificaciones, algunas de ellas a petición de Spielberg. Por ejemplo, para sintetizar la explicación del proceso de clonación de los dinosaurios optó por crear un cortometraje animado que es el que miran los protagonistas antes de ingresar al parque. Descartó también la secuencia con la que comienza la novela, en la que un Procompsognathus ataca a un niño, pues a Spielberg le parecía «espeluznante», así como otra en la que el tiranosaurio persigue a Grant y los niños a lo largo de una ribera antes de su inmovilización por Muldoon. En cuanto al desarrollo de los personajes, Koepp prefirió que el propietario del parque fuese más amable a diferencia del carácter despiadado que posee en el medio impreso. Spielberg confesó haberse sentido más identificado con la teatralidad de esta nueva versión de Hammond. Otro aspecto que cambió fue la relación de Grant con los niños: al principio es hostil con ellos pero luego se va sensibilizando conforme transcurre la historia. Finalmente, el libreto definitivo quedó concluido el 11 de diciembre de 1992.

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12 MONKEYS (Guión: David Peoples, Janet Peoples con historia de Chris Marker, 1995)

Argumento: Año 2035. Tras la epidemia provocada por un virus asesino que ha matado a millones de personas, los supervivientes se refugian en comunidades subterráneas, húmedas y frías. El prisionero James Cole se ofrece como voluntario para viajar al pasado y conseguir una muestra del virus, gracias a la cual los científicos podrán elaborar un antídoto. Durante el viaje conoce a una bella psiquiatra y a Jeffrey Goines, un excepcional enfermo mental. Cole tratará de encontrar al”Ejército de los 12 Monos”, un grupo radical vinculado a la mortal enfermedad.

Comentarios del guión: La idea que dio origen a Doce monos surgió del productor ejecutivo Robert Kosberg, fanático de la película francesa La Jetée (1962). Kosberg persuadió al director del filme, Chris Marker, de vender el proyecto a Universal Pictures, sentando las bases para una película de ciencia ficción de mayor duración. La compañía accedió de mala gana a adquirir los derechos para hacer una versión de la película y contrató a David y Janet Peoples como guionistas. El productor Charles Roven eligió como director a Terry Gilliam porque consideró que su estilo era perfecto para la trama no lineal y los temas relacionados con los viajes en el tiempo en Doce monos. Gilliam había abandonado en ese entonces un proyecto de adaptación al cine de Historia de dos ciudades cuando firmó el contrato para dirigir la película. La película es también la segunda en la que Gilliam no escribió o colaboró en el guion. Aunque prefiere dirigir sus propios guiones, fue cautivado por el «guion [tan] intrigante e inteligente. La historia es desconcertante. Habla del tiempo, la locura y la percepción de lo que el mundo es o deja de ser. Es un estudio de la locura y los sueños, de muerte y renacimiento, ambientado en un mundo que está destruyéndose». Llevó más tiempo de lo esperado a Universal Studios autorizar el rodaje de Doce monos, pese a que Gilliam tenía dos estrellas (Pitt y Willis) y un presupuesto de 28,5 millones de dólares (bajo para un filme de Hollywood de ciencia ficción). Como la producción anterior de la compañía, Waterworld (1995), había sido un fracaso comercial, Gilliam se vio obligado a convencer a Willis de reducir su paga. Debido al éxito de su producción anterior con Universal Studios, Brazil (1985), Gilliam recibió el derecho de final cut. El gremio de escritores de Estados Unidos fue escéptico en cuanto a la inspiración recibida de La Jeteé y Chris Marker.

Lee el guion

Lee el guion de La Jeteé

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THE MATRIX (Guión: Hermanas Wachowski, 1999)

Argumento: La película plantea que en el futuro, casi todos los seres humanos han sido esclavizados, tras una dura guerra, por las máquinas y las inteligencias artificiales creadas. Estas los tienen en suspensión, y con sus mentes conectadas a una simulación social que representa el final del siglo XX, Matrix. Los seres humanos son usados por las máquinas para obtener energía, y los pocos humanos descendientes de los que no cayeron en las redes de los robots o que han sido liberados de Matrix, viven en la ciudad Sion. Desde allí, una pequeña flota de naves se mueve por el subsuelo, entrando de forma clandestina a Matrix y tratando de liberar cada vez a más personas conectadas, buscando a aquellos que intuyen que algo no es correcto en el ilusorio mundo en que viven. Algunos de los capitanes de estas naves, como Morfeo (Laurence Fishburne), creen que hay alguien en Matrix que es El Elegido, la persona que acabaría con la guerra, con las máquinas, según una antigua profecía. Morfeo se fija en Neo (Keanu Reeves), un pirata informático que vive atrapado en Matrix sin saberlo, creyendo que él puede ser el elegido. Neo es liberado gracias a la acción de Trinity (Carrie-Anne Moss), miembro de la tripulación de Morfeo, pero a la vez es perseguido por unos programas de Matrix, los agentes, liderados por Smith (Hugo Weaving), que pretenden acceder a los ordenadores de Sion gracias a la traición de otro subordinado de Morfeo, Cypher. Los agentes consiguen capturar a Morfeo, y Neo es forzado a rescatarle arriesgando su vida. Al final de la primera película Neo se revela como El Elegido y acaba con Smith.

Comentarios del guión: En la historia original de los hermanos Wachowski, las máquinas no capturaban a los humanos para emplearlos como fuente de energía, sino para usar sus cerebros como procesadores. Pero los ejecutivos de turno consideraron que eso era demasiado raro para el público, así que obligaron a cambiar el guión… Y con ello motivaron un error científico de aúpa: un cuerpo humano genera al día unos 100 watios de potencia, cantidad que apenas basta para encender una bombilla, y cuya mayor parte se va en mantener el calor y las funciones vitales. La idea de que un ejército cibernético quiera emplear a la humanidad como fuente de energía es, siendo generosos, poco práctica.

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INTERSTELLAR (Guión: Michael Crichton, David Koepp con historia de Kip Thorne, 2014)

Argumento: Al ver que la vida en la Tierra está llegando a su fin, un grupo de exploradores dirigidos por el piloto Cooper (McConaughey) y la científica Amelia (Hathaway) emprenden una misión que puede ser la más importante de la historia de la humanidad: viajan más allá de nuestra galaxia para descubrir otra que pueda garantizar el futuro de la raza humana.

Comentarios del guión: Los hermanos Christopher y Jonathan Nolan escribieron el guion, que tuvo su origen en un borrador que Jonathan desarrolló en 2007. Este film está basado en las teorías del científico Kip Thorne, que también inspiraron el film Contact, de 1997. De hecho, el físico teórico Kip Thorne fue asesor científico de la película para garantizar que las representaciones de los agujeros de gusano y de la relatividad fueran tan precisas como fuese posible. «Para las representaciones de los agujeros de gusano y el agujero negro», dijo, «hablamos sobre cómo hacerlo, y luego me puse a trabajar en las ecuaciones que permitían el rastreo de los rayos de luz, ya que viajaban a través de un agujero de gusano o alrededor de un agujero negro, así que lo que ves está basado en las ecuaciones de la relatividad general de Einstein». Christopher Nolan estuvo inicialmente preocupado de que una representación científicamente exacta de un agujero negro no sería visualmente comprensible para el público y requeriría que el equipo de efectos alterara su apariencia haciéndola un poco menos realista. Sin embargo, Nolan encontró el efecto final comprensible, siempre que mantuviera perspectivas de cámara consistentes. «Lo que encontramos fue que siempre y cuando no cambiáramos el punto de vista demasiado, la posición de la cámara, pudimos conseguir algo muy comprensible».

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EX MACHINA (Dir. Alex Garland, 2015)

Argumento: Nathan, un programador multimillonario con fama de reclusivo, selecciona a Caleb, un joven empleado de su empresa, para que pase una semana con él en un lugar remoto en las montañas con el objetivo de que participe en un test en el que está involucrada su última creación: Ava, un robot-mujer en el que inteligencia artificial lo es todo.

Comentarios del guión: Las bases de la película Ex Machina se establacieron en la década de los 80’s cuando Garland tenía 11 o 12 años, luego de hacer algo de codificación en BASIC en un computador que sus padres le compraron, lo que estimuló su gusto por la tecnología a temprana edad. Las ideas posteriores provinieron de años de discusiones con un amigo experto en neurociencia, quien le afirmó que las máquinas nunca podrían demostrar sensibilidad. Intentando encontrar una respuesta en sí mismo, empezó a leer libros que abordaban este tema. Durante la preproducción de Dredd, mientras leía un libro de Murray Shanahan acerca de la consciencia y personificación, Garland tuvo una «epifanía no religiosa». Escribió y reservó la idea para concretarla posteriormente. Shanahan, junto con Adam Rutherford, llegaron a ser asesores de la película, y el ISBN de su libro es referido como mensaje oculto en la película. Otras inspiraciones provinieron de películas como 2001: A Space Odyssey y Altered States, y libros escritos por Ludwig Wittgenstein, Ray Kurzweil y otros. Queriendo total libertad creativa y sin necesidad de añadir secuencias de acción, realizó la película con un presupuesto lo más bajo posible

Lee el guion

Análisis del guión

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Editor: Jonás Axel

Investigación: Samuel López

Fuente: 1001 Películas que ver antes de morir, Cineol, Wikipedia, Blog de Cine, FilmAffinity, 100 Clásicos del cine, 35Milímetros

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