FILM LESSONS: 15 CONSEJOS DE FRANCIS FORD COPPOLA PARA LOS ESTUDIANTES DE CINE

Del guion y el proceso de adaptación pasando por la evolución del lenguaje cinematográfico hasta el futuro del cine. A continuación les presentamos una recopilación de consejos y lecciones que el maestro del cine, Francis Ford Coppola, ha dado a estudiantes de cine.  

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Sin lugar  a dudas el cine no sería lo mismo sin el legendario Francis Ford Coppola, cineasta y empresario que ha ganado cinco premios Oscar además de haber dirigido alguno de los más icónicos filmes de la historia como Apocalypse Now o El Padrino; pero es más, él es el Padrino. Es un patriarca. Tiene ese aire de hombre sabio, cansado, que ha vivido, sentido y soñado mucho. Tiene la bondad de un abuelo generoso que malcría a sus nietos y la severidad del que impone respeto con su sola presencia. Por eso es sorprendente saber que tan importante figura del séptimo arte, se considere a la fecha un estudiante más de cine. Así es, el gran Francis Ford Coppola aún es un aprendiz del proceso de realización cinematográfica, y por ello no se ve apto para dictar clases o dar clases magistrales. Pero eso no significa que se niegue a dar consejos a los aspirantes a cineastas. De hecho en algunas ocasiones ha visitado escuelas de cine como la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños en Cuba o la New York Film Academy para acercarse a los alumnos y charlar con ellos sobre el quehacer fílmico. De estas charlas y/o entrevistas han llegado a salir varias reflexiones y consejos interesantes sobre el proceso de hacer películas. Razón por la cual a continuación les presentamos una recopilación de estos consejos de cine que el director, Francis F. Coppola, ha dejado a perpetuidad y que estamos seguros van ser de ayuda para todo aspirante de cine.

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Como creador debes apostar por obras personales, únicas.

La idea de que un artista se haga rico es algo nuevo porque antes con ganar para comer era suficiente. Haced películas personales porque ese es el milagro del arte, y el arte tiene que tener riesgo, que es lo que le hace bonito.

Hacer una película es reinventarse uno mismo.

El arte ha sido enlatado y constantemente reinterpretado y nos ha traído a un tiempo en que todo está procesado. Mi teoría es que algo se ha perdido al enlatarla. Cuando los pintores hacían retratos debían representar a la persona frente a ellos. Luego apareció la fotografía y lo hizo de una manera más eficiente. Los pintores se sintieron libres entonces para poner en sus cuadros sus impresiones, sus percepciones sobre las personas que pintaban. Puede ser igual con el cine. Antes había que preparar todo, ensayar todo y luego filmarlo con una determinada visión, y el espectador ve el tiempo del editor, la noción del director, la caracterización de los actores. Quiero experimentar con la mezcla del cine y la televisión, haciendo cine en vivo, sin cortar, sin montar, editando en vivo, mezclando ambos lenguajes y usando las técnicas de ambos. El resultado solo puede parecerse a sí mismo.

El arte no siempre da de comer.

Yo tengo otro trabajo. Hago películas. Nadie me dice qué hacer. Pero el dinero que gano viene de la industria del vino. Trabaja y levántate a las 5 de la mañana a escribir tu guión. Quizás, en la nueva era, el arte sea gratuito. Quizás aquellos que dicen que podrían descargarse música y películas gratis no están equivocados. Me odiarán por esto, pero ¿quién dice que el arte debe costar dinero? Y, en consecuencia, ¿quién dice que los artistas deben hacer dinero?

Cuando filmes una película, trata siempre de descubrir cuál es su tema central en una o dos palabras. Ese será el corazón del filme.

Te ayudará a tomar decisiones. Siempre supe cuál era el tema en mis películas. En The Godfather era la sucesión. En The Conversation, la privacidad. En Apocalypse Now, la mortalidad. La razón por la que resulta importante es porque la dirección de cine principalmente se sustenta en la toma de decisiones diaria. ¿Pelo largo o pelo corto? ¿Con barba o sin barba? ¿Vestido o pantalones? Muchas preguntas para las que no siempre se tiene respuesta…sin embargo, saber cuál es el tema central siempre ayuda.

El cine necesita experimentación.

El futuro es muy flexible cuando hablamos de cine. Si no podemos experimentar como los pioneros del cine, cómo vamos a conseguir que el cine evolucione, cómo van a ser las películas de nuestros nietos. Hacer cine sin riesgo como intentar tener hijos sin sexo. El riesgo es una parte importante del arte. A pesar de que la industria ahora no arriesga, que los productores se niegan a permitir al cineasta experimentar, si no lo hacemos estancaremos ese arte. Hay que hacer lo que uno quiere hacer, correr riesgos para innovar.

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A mí del cine me atrajo su componente mágico, yo quería crear en ese mundo.

La esencia del cine es la edición. Es la combinación de lo que puede ser imágenes extraordinarias de las personas en los momentos emocionales o imágenes en un sentido general, reunidos en una especie de alquimia.

Usa la improvisación como forma de acercar a los actores a sus personajes.

Cuando iba a rodar The Godfather sabía que Al Pacino, James Caan, Robert Duvall y John Cazale estaban nerviosos por conocer a Marlon Brando. Así que organice una reunión de improvisación. Les cite en un restaurante y les pedí que fueran hambrientos. Organice todo para tener una mesa privada, con decoración hogareña. Me senté en la cabecera de la mesa junto a Brando, a la derecha senté a Pacino y a Caan a la izquierda. Cazale y Talia Coppola servirían la comida. Lo que hice fue darles los elementos para facilitar que se metieran en sus papeles.

Si vas a adaptar una novela, no intentes meter todo en el guión.

Las novelas son muy largas y tienen muchos personajes. Cuando leas la novela, anota directamente sobre el libro lo que sientes, subraya las sensaciones fuertes. Verás que algunas páginas tendrán muchas notas, y otras quedarán vacías. Revisa tus notas, agrega más notas y observaciones. Verás cómo, naturalmente, algunas cosas te sobrarán (páginas, personajes que quizás puedes combinar). Una vez tengas claro qué usarás y qué no, puedes empezar el primer borrador de tu guión.

Copiar no es malo.

Una vez encontré un texto de Balzac donde hablaba de un joven escritor que había robado parte de su prosa. Lo que me emocionó fue que decía: ‘Fui tan feliz cuando este joven se inspiró en mí’. Porque eso es lo que queremos. Queremos que nos copien. No pueden robarnos, pero pueden tomar lo que les damos, darle su propia voz y, así, encontrar la suya.

Escucha a los demás y confía en ti.

No seas de esos directores que saben todo y no escuchan las opiniones de los demás. Tú tomarás las decisiones, pero recuerda que el cine es una colaboración. La mayor barrera para el artista es la falta de confianza en sí mismo. Confía en tu visión, dale tiempo a madurar. Sé paciente. Todos somos inseguros y odiamos instantáneamente lo que hacemos. No lo descartes, quizás mañana te des cuenta de que no era tan malo.

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El lenguaje cinematográfico siempre está evolucionando, debe evolucionar con él.

Hace cinco años, cuando salió Avatar, todos estaban encantados y decían que el 3D era el futuro del cine y pronto todas las películas se harían así. No creo que el futuro del cine sea el 3D, que por cierto no es un invento de este siglo, ya existía desde los cincuenta en filmes como La casa de cera. Hitchcock  también hizo una película con esa técnica. Creo que sí habrá un nuevo lenguaje cinematográfico, que ya se está componiendo, está naciendo hoy en lugares como la Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV). Lo que no ha cambiado son los temas que desde siempre han ocupado a los creadores, aunque se transformaran las formas de contarlos. Son las mismas cosas que les preocupaban a los grandes escritores de siglos pasados, y mucho antes que al cine, al teatro. El cine es un lenguaje joven, muy joven si lo comparamos con el teatro que tiene miles de años de antigüedad, pero los grandes temas son los mismos.

El futuro del cine en tres pasos.

Tras dedicarle algunas reflexiones al lenguaje del cine, Francis Ford Coppola apunta que su futuro está en la transformación de tres áreas: documental, tecnología y guion.

  • El Documental: Hablo del documental como género pero me refiero a las posibilidades expresivas de un híbrido entre este y la ficción, donde las fronteras son cada vez más flexibles. El documental ha evolucionado a un punto donde se pueden contar historias reales utilizando a veces el montaje que es característico de la ficción y de ahí resultan películas hermosas sobre los grandes temas humanos. Me gusta poner el ejemplo de la joven directora canadiense Sarah Polley y su película Stories we tell. Es un documental donde una familia expone al mundo sus relaciones y mientras avanza la historia se vuelve tan personal, que como espectador uno se siente extraño frente a la pantalla, como si fuera un intruso en la casa de esa familia. Creo que esa extralimitación es una de las claves para el futuro del cine.”
  • La Tecnología: El otro punto es la tecnología, que parece adelantarnos en todo sentido. Cuando surgió el cine, era silente y en blanco y negro. Luego aparecieron el sonido y las cámaras que filmaban en color. Con el paso de lo analógico al mundo digital aumentaron exponencialmente las posibilidades creativas de los cineastas, y hoy se puede crear todo un universo practicante de la nada, con solo una computadora. Me parece fundamental que una misma persona puede hacer toda su película, o al menos tenga las herramientas para eso; cualquiera puede editar en su computadora, mezclar sonido, grabar con su cámara. Hoy en las salas de cine no se ven largas cintas pegadas a mano, sino archivos digitales en proyectores digitales, que pueden ser modificados. Así, la película que se proyectó un lunes por la tarde podría no ser la misma que se pone el martes. Y la puede modificar cualquiera desde su ordenador. Eso puede hacer una película muy promiscua, pero también le puede aportar vida.
  • El Guion: Cuando los poetas, novelistas, guionistas escriben, lo hacen siempre sobre algo personal, aunque usen diferentes nombres y diferentes situaciones, escriben sobre sí mismos y sus familias y las personas que los rodean. El recontar esas experiencias es lo que luego se convierte en una ficción. Las novelas existen hace miles de años y su lenguaje está en constante reinvención. Antes se escribía solo desde el punto de vista del autor, luego desde el punto de vista de un personaje, luego aparecieron novelas que narraban desde diferentes puntos de vista y podías encontrar en dos capítulos consecutivos la percepción de dos personajes diferentes sobre una misma situación. Por eso creo que hay tanto por innovar ahí, en el guion. Es muy importante el punto de vista de quien nos cuenta una historia y esto puede innovar el cine.

Sé coherente contigo mismo.

Que tu trabajo sea siempre personal. Y nunca mientas. Si mientes, te descubrirás. Siempre descubrirán tus mentiras. Es muy importante que el artista no mienta, y más importante que no te mientas a ti mismo.

Nunca se termina de aprender.

El cine es producto de la experimentación, y es un arte joven comparada con las demás. Después de tantos años haciendo cine, aún continúo aprendiendo en el set. Vean muchas películas, porque se aprende mucho; y estudien, porque el aprendizaje es uno de los grandes placeres de la ida que no da problemas como el comer, que engorda, o el beber, que enferma.

¿Qué le dice a las nuevas generaciones de cineastas?

Puedes decidir ser director porque quieres ser famoso, tener mucho dinero, salir en los medios, tener prestigio o porque tienes algo que es muy personal pero a la vez tan grande que tienes que expresarlo, decirlo más allá de ti y arriesgarte a ser juzgado. Pero creo que antes debes decidir en tu corazón qué tan personal quieres ser, qué tanto de ti vas a compartir, o cómo vas a contar una historia que puede haber sucedido hace cientos de años y la traes al presente poniendo algo personal, adaptándola a tu visión, desde tu experiencia. Creo que el propósito del arte es iluminar la vida contemporánea. Mostrarle a otras personas que tienes emociones y que pueden ser las mismas que ellos tienen. Cada una de mis películas debe tener mucho de mí mismo, de mis experiencias, de la gente que conozco. Uno no puede hablar de algo que no conoce y aunque utilice actores y monte falsos escenarios, un director siempre hablará de sus experiencias, sus conflictos. El cine, el buen cine, es personal.

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Editor: Jonás Axel

Investigación: Samuel López

Bibliografía

Merca 2.0, Pantalla Adicta, El Mundo España, El Cine es Cortar, Esquire, Perfecto, La Prensa Perú.

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