CINEFACTOS: CURIOSIDADES DE 11 PELÍCULAS DE CULTO QUE CUMPLEN 40 AÑOS DE HABERSE ESTRENADO

De galaxias muy muy lejanas pasando por una fiebre de sábado por la noche y películas de terror surrealista japonesas hasta pesadillas salidas de la mente de David Lynch. Estas son algunas curiosidades y anécdotas de 11 películas que se estrenaron en 1977 y que actualmente son consideradas de culto por el legado que dejaron en la cultura cinematográfica.

00

Star Wars

Según George Lucas, Star Wars fue inspirada por diversas obras tales como Beowulf y el Ciclo artúrico —sobre las cuales sentó los orígenes del mito— así como por varias religiones (abrahámica, confucionismo, sintoísmo y taoísmo). Originalmente, quería partir de los seriales de Flash Gordon de los años 1930. Sin embargo, recurrió a la película La fortaleza escondida de Akira Kurosawa y al libro El héroe de las mil caras de Joseph Campbell, ante los derechos protegidos de dicho cómic. 01Respecto a semejanzas con estas y otros elementos multimedia, la película muestra rasgos en común con Buck Rogers y Flash Gordon, mismos que pueden identificarse en el conflicto existente entre los rebeldes y las tropas imperiales, los efectos de transición en las escenas y el texto deslizable con el que inician Star Wars y su franquicia.

Igualmente, La fortaleza escondida fue otra de sus inspiraciones mayoritarias, algo que resulta perceptible en algunas expresiones características; por ejemplo, los dos campesinos pleitistas del filme de Kurosawa evolucionaron a las formas robóticas de C-3PO y R2-D2, mientras que la jerarquía de una familia japonesa en La fortaleza escondida es parecida estructuralmente a las fuerzas imperiales de Star Wars. No obstante, no sólo esta película influyó en La guerra de las galaxias, puesto que Yojimbo, del mismo director, sirvió también de inspiración. Las principales comparaciones radican en que varios hombres amenazan al héroe (fanfarroneando entre sí sobre cómo son buscados por las autoridades), en las escenas finales (un brazo que es amputado por una espada) y en el ofrecimiento a Mifune de «veinticinco ryōs al completar la misión», una promesa muy similar a a la que recibe Han Solo de «dos mil ahora, más quince mil cuando lleguemos a Alderaan». starwarsLa afección de Lucas por las películas de Kurosawa pudo haber influido en su decisión de visitar Japón en los años 1970, provocando a su vez que algunos pensaran que el término «jedi» provenía de «jidaigeki» (drama japonés, que usualmente refiere a películas de samuráis).

Otra alusión literaria hace hincapié en la descripción del planeta Arrakis, en la obra Dune (ganadora del premio Nébula en la categoría «Mejor novela de ciencia-ficción») de Frank Herbert, que sería puntualizada con el planeta Tatooine.

Algunas otras identidades de Star Wars residen en los guiños de inferencia a otras películas clásicas del género, tales como 2001: A Space Odyssey de Stanley Kubrick —la escena en la que una nave espacial cubre la parte superior de la pantalla, refiere a la secuencia inicial de la astronave interplanetaria Discovery 1. Dicha cinta influiría de muchas formas distintas en la apariencia de Star Wars. rawImageExisten también ciertas coincidencias con El mago de Oz de Victor Fleming. Por ejemplo, los jawas son muy parecidos a los munchkin —enanos nativos de Munchkinland en los libros de Oz redactados por L. Frank Baum. Además, los personajes principales se disfrazan como soldados de las tropas enemigas, mientras que la secuencia donde Obi-Wan muere, dejando únicamente su túnica vacía en el lugar, es prácticamente igual a aquella donde la malvada bruja del este se derrite en Oz. En otros ámbitos, y aunque es de color dorado y pertenece al género masculino, el androide C-3PO está inspirado en el robot Maria de Metrópolis, dirigida por Fritz Lang. Sus zumbidos emitidos nacerían a partir de los ruidos metálicos de The Tin Man, uno de los protagonistas de El mago de Oz

Saturday Night Fever

El guion está basado en un artículo publicado el año anterior en la revista New Work Magazine titulado “Ritos tribales del nuevo sábado en la noche”. Esta película no sólo fue un éxito en taquilla, sino que impulsó el movimiento Disco por todo el mundo convirtiéndose en un fenómeno sociocultural que cambió drásticamente el estilo de vida por aquella época. En la película se sugiere un estilo diferente de vivir la vida a través de tópicos de la cultura Disco, como la forma de vestir (uso de plataformas, camisas de cuello en V, pantalones de campana) y el baile, influenciando enormemente a la generación de la década de 1970, por lo que no es difícil ver las raíces de este estilo aún vigente en la cultura pop. También destaca el papel de los DJs y los decorados, muy luminosos gracias al uso de la Disco ball, estrobers y pistas de luces. En plena efervescencia disco es destacable la banda sonora de la película, interpretada por varios cantantes de la década de 1970, donde destaca principalmente la aportación de los Bee Gees. Con unos 30 millones de copias vendidas es frecuentemente considerada como la mejor banda sonora de todos los tiempos. Hasta el estreno de El guardaespaldas, en 1992, fue la banda sonora más vendida de todos los tiempos, pero aún hoy ninguna otra banda sonora ha logrado posicionar al mismo tiempo cinco canciones en el Top 10 de Billboard.

02

Annie Hall

En una primera primera versión de Annie Hall, la película iba a tratar sobre un asesinato. En esta, un profesor de filosofía aparecía muerto, aparentemente por suicidio. Pero dado que la idea del suicidio no encajaba con su filosofía, su amigo y alumno Alvy comenzaría una investigación sobre su asesinato ayudado una mujer a la que acababa de conocer, Annie. La idea fue desechada por lo que finalmente se convirtió en una de sus películas más icónicas, pero la historia del profesor de filosofía sería retomada para ‘Delitos y faltas‘, mientras que la parte del asesinato se convertiría en el argumento principal de su comedia Misterioso asesinato en Manhattan en 1993.

03

Fue tal el material rodado para la película Annie Hall que dio lugar a un primer montaje de cuatro horas, posteriormente reducido. En una de las escenas eliminadas, los protagonistas se cruzaban por las calles de Manhattan con el propio diablo quien les proponía una visita guiada al infierno a través de un ascensor. En dicho infierno descendían a lo largo de diferentes niveles donde se cruzaban con personajes célebres hasta llegar a una última puerta donde entre llamas aparecía el presidente Nixon. Huelga decir que esta misma idea fue empleada veinte años después, en una de sus últimas grandes películas, Desmontando a Harry.

Eraserhead

Lynch abandonó un proyecto en el que estaba trabajando llamado Gardenback y se dedicó de lleno a; Eraserhead. La película tardó seis años en ser filmada debido a que nadie se interesó por financiar el proyecto. Lynch aprovechó la ayuda dada por el American Film Institute de Los Ángeles, lugar donde desarrollaba sus estudios de cinematografía, para financiar la película.

04

Sin embargo, este dinero resultó insuficiente, por lo que tuvo que recurrir a familiares y amigos, como Jack Fisk, su amigo de la infancia, que estaba casado con la actriz Sissy Spacek. Ambos le ayudaron a financiar la película. Durante el largo rodaje, tuvieron que pararlo en varias ocasiones por motivos económicos y Lynch se dedicó a trabajos esporádicos como vender periódicos. En 1974 se reanudó el proyecto, pero en condiciones más duras. Por aquella época Lynch, divorciado y sin hogar, vivió sin autorización en el cuarto de Henry. Lynch llama a la película su “Historia de Filadelfia”, refiriéndose al hecho de que quiso reflejar los temores y la ansiedad que experimentó cuando vivió en dicha ciudad.

Close Encounters of the Third Kind

05El filme fue un proyecto tras el que Spielberg llevaba mucho tiempo. A finales de 1973 ya había acordado con Columbia Pictures la filmación de una película de ciencia ficción. Aunque sólo Spielberg recibió los créditos del guion, fue asistido en la creación del mismo por Paul Schrader, John Hill, David Giler, Hal Barwood, Matthew Robbins y Jerry Belson.

Tres años después del estreno cinematográfico de 1977 con una versión de 132 minutos fue editado de nuevo como Close Encounters of the Third Kind: The Special Edition, el cual contenía escenas adicionales entre las cuales destaca el final extendido cuando el protagonista ve el interior de la nave, con una duración de 137 minutos. Una tercera edición fue lanzada en 1998 para video doméstico, la Versión del Director, la cual cuenta con algunos ajustes y en donde se elimina el final extendido. Esta versión tiene una duración de 135 minutos.

e3883f789dfc0bde00f18e1369f31a0b

Cabe mencionar que Close Encounters of the Third Kind contó con la presencia en pantalla del reconocido investigador norteamericano J. Allen Hynek que apareció en un breve cameo. Por su parte, François Truffaut interpretó a un personaje que emulaba a otro famoso investigador del fenómeno: Jacques Vallée. Los controladores aéreos que vemos en la película, son reales. La película popularizó la tipología de los extraterrestres conocidos como Grises. En la primera aparición de la nave madre puede verse al androide R2-D2 de cabeza en una de las secciones de la nave.

Suspiria

El guion fue escrito por el propio Dario Argento y Daria Nicolodi, su entonces pareja sentimental, y se basa en una experiencia personal de la propia madre de Nicolodi, que, al parecer, residió en su infancia en un siniestro internado relacionado con una secta ocultista.6 Otra fuente de inspiración (que cobraría relevancia en la secuelas) es el poema en prosa “Levana y Nuestras Señoras del Dolor”, perteneciente a la obra Suspiria de Profundis de Thomas de Quincey.

06

A la hora de definir el aspecto formal del film, Argento se inspiró en Blancanieves y los siete enanitos que, según ha confesado, encontraba en su niñez especialmente terrorífica. De hecho, en su empeño por conseguir una textura de color similar a la de este film, Argento no dudó en recurrir al por entonces ya obsoleto Technicolor.

Suspiria es deudora también del expresionismo alemán, que siempre ha reconocido admirar Argento, algo apreciable en elementos como el antinatural uso del color, en el tratamiento de las sombras y el contraluz o en el lo barroco y artificioso de los elementos escenográficos, destinados a provocar el asombro e incomodidad del espectador y potenciar la atmósfera del film.

The Hills Have Eyes

07Según el escritor / director Wes Craven, The Hills Have Eyes se inspiró en la historia de Sawney Bean, el jefe del clan escocés salvaje que asesinó y canibalizó a numerosas personas durante la Edad Media. Craven escuchó la historia del clan Bean, y notó que la carretera cerca de donde vivían se creía que estaba embrujada porque la gente seguía desapareciendo mientras viajaba por ella. Él adaptó la historia para ser en cambio un grupo de la gente salvaje en el oeste americano, y las colinas tienen ojos nació.

A pesar de que puede parecer relativamente tímido por los estándares modernos, la gravedad gráfica de la película le valió una calificación de X (lo que ahora llamamos NC-17) de la MPAA, lo que significaba que algunos recortes debían hacerse. Según Locke, imágenes significativas fueron removidas de la escena en la que Papa Júpiter (James Whitworth) mata a Fred (John Steadman), la escena en la que Pluto (Michael Berryman) y Mars (Lance Gordon) aterrorizan al remolque y la confrontación final con Papá júpiter

Hausu

vlcsnap-2010-02-10-01h19m11s143Producida por Toho, “Hausu” fue un total éxito en Japón, pero durante su desarrollo parecía destinada al fracaso total. Para empezar, ninguno de los directores vinculados a esta productora quería realizarla, esto no solo ocurrió con la dirección también la música paso por varias manos. La película tuvo tan mala fama desde el principio, que ningún actor conocido japonés quería trabajar en ella, así que Nobuhiko Obayashi (quien seria finalmente el director) escogió a varios actores publicitarios con muy poca experiencia.

El guión de la película, que nada tiene que ver con la idea original (querían realizar una adaptación japonesa de tiburón), viene de la hija de Obayashi, que durante una conversación comento que todas las películas que se hacían eran siempre desde el punto de vista de un adulto y eso causaba que fueran aburridas. ”Los adultos solo piensan en cosas que conocen…y eso hace que sean aburridas, como cualquier adulto”…..tras oír esto Obayashi decidió plasmar muchas de las ideas de su hija en el guión.

“Hausu” se autorizo después de que Toho sufriera varias perdidas por películas con guiones “estándares”, así que decidió arriesgar. Sin storyboard, ni orden, se rodó durante 2 meses, insertando escenas imaginadas a ultima hora y con un par de desnudos un poco gratuitos. Kimiko Ikegami ("Gorgeous")Muchos de los efectos especiales, se puede decir también, que fueron experimentados e ideados durante el rodaje sin ninguna planificación, inclusive varios de estos no se pudieron comprobar hasta la finalización del rodaje, por lo que no sabia muy bien como iba quedar.

Al final, la crítica especializada no acogió muy bien la película, pero en cambio el publico la amo. Muchos años después, en el 2009, llego a estados unidos cosechando increíbles criticas y alabanzas, llegando a ser comparada con películas como “Rocky Horror Picture Show” y “Suspira”.

New York, New York

La canción New York, New York, hoy considerada un clásico, fue compuesta expresamente para esta película recreando el sonido de décadas atrás. Es cantada en la película por Liza Minnelli, quien la sigue ofreciendo actualmente en sus conciertos y se ha convertido en su canción característica, usada en su voz para inaugurar varios eventos en Nueva York y reconocida mundialmente por la calidad de la interpretación.

09Inicialmente la duración de New York, New York iba a ser de cuatro horas y media; pero el director Martin Scorsese hizo una versión con 155 minutos y posteriormente, otra con 136 minutos.

Durante las filmaciones, Martin Scorsese incentivó a que el elenco improvisase en diversas escenas del film.

Robert De Niro aprendió a tocar el saxofón poco antes del film, para dar mayor veracidad a su personaje; a pesar de eso, el sonido que se hace en la película no es tocado por él, fue doblado por su compañero de elenco Georgie Auld.

new-york-new-yorkUna mujer, que es observada por Robert De Niro danzando con un marinero en el metro, es Liza Minnelli usando una peluca.

En 1981, la secuencia musical Happy Endings fue restaurada e incluida en una nueva versión del film, que dura 163 minutos. Esta restauración costó 350 mil dólares.

Ese oscuro objeto del deseo

En esta su última película, Buñuel vuelve a mostrar con un sentido del humor corrosivo la frustración que representa un amor no compartido y el peso que tienen en nuestro mundo la educación cristiana y la sociedad burguesa. El mejor ejemplo de esta frustración está en el símbolo que representa la lencería de Conchita, que pasa de ser un objeto erótico a transformarse en cinturón de castidad indestructible.

Uno de los aspectos más originales de Buñuel en esta película es el hecho de que escogiera para representar el papel de Conchita a dos actrices distintas, Carole Bouquet y Ángela Molina.

10En febrero de 1977, recién comenzado el rodaje, tuvo que prescindir de Maria Schneider como protagonista y retomó la idea de unir a dos actrices en el mismo personaje. Las pruebas realizadas a una debutante Carole Bouquet, de 19 años, y a Ángela Molina, de 21, que ya había trabajado en varias películas y rodaba con Jaime de Armiñán, fueron satisfactorias.

Si bien parece que cada actriz representa una faceta distinta de la personalidad de Conchita, una tímida y angelical y otra más racial, resulta confuso el momento y, sobre todo, el porqué de la aparición de una u otra, formulándose toda suerte de teorías que pretenden explicar el hecho.

Alucarda, la hija de las tinieblas

Está basada en Carmilla, novela corta de 1872 escrita por Sheridan Le Fanu. Narra la historia de dos huérfanas que viven en un convento católico y se ven enfrentadas a una posesión diabólica. A pesar de ser una película mexicana, fue originalmente filmada en inglés, como se puede evidenciar en los diálogos de los actores.

Alucarda aborda temas tan controversiales como el satanismo, el asesinato, la posesión infernal, el exorcismo, las orgías y el lesbianismo, todo envuelto en la religión. Esto hizo que haya sido una película controversial y duramente criticada en la época de su estreno. Debido a su violencia extrema, escenas de sacrilegio y perversidad en torno a la religión y la moral, la película se ha convertido en referente de los fanáticos del horror gótico.

Luego de su estreno en enero de 1978 en México, nunca recibió mucha atención por parte de la audiencia y la crítica, sin embargo a través de los años se le ha tomado atención. El columnista Michael Weldon de la guía psicotrónica del vídeo se refirió a la película como “La más fuerte, imaginativa y visual desde “The Devils” de Ken Russell.” El reconocido director mexicano Guillermo del Toro también ha expresado su aprecio por la película y por otros trabajos cinematográficos del director Juan López Moctezuma. De hecho, la película también ha sido comparada con  El Exorcista de William Friedkin (1973), ya que Alucarda fue estrenada pocos años después de ambas películas y comparte una trama similar con las mencionadas. También se pueden apreciar similitudes con Carrie, de Brian de Palma (1976).

11

Editor: Jonás Axel

Investigación: Dorian Iktum & Samuel López

Fuente: La voz en off, Cineol, SensaCine, The House of Whispers, Mental_floss, Wikipedia.

Anuncios

Responder

Introduce tus datos o haz clic en un icono para iniciar sesión:

Logo de WordPress.com

Estás comentando usando tu cuenta de WordPress.com. Cerrar sesión / Cambiar )

Imagen de Twitter

Estás comentando usando tu cuenta de Twitter. Cerrar sesión / Cambiar )

Foto de Facebook

Estás comentando usando tu cuenta de Facebook. Cerrar sesión / Cambiar )

Google+ photo

Estás comentando usando tu cuenta de Google+. Cerrar sesión / Cambiar )

Conectando a %s