FILMOTECA: 10 PELÍCULAS QUE REVOLUCIONARON A HOLLYWOOD

La industria cinematográfica estadounidense ha tenido un profundo efecto en el cine alrededor del mundo desde inicios del siglo XX. Su historia se divide en ocasiones en cuatro períodos principales: la era muda, el cine clásico de Hollywood, el nuevo Hollywood, y el periodo contemporáneo (a partir de 1980). Pero para conocer un poco más a fondo como fue su evolución a continuación les presentamos una lista de 10 películas que marcaron un antes y un después dentro de la meca del cine. Ya fuera por cuestiones técnicas, narrativas o por la forma en que moldearon nuevas formas de producir películas.

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Toy Story (Dir. John Lasseter, 1995)

10Primer largometraje de Pixar, además de la primera cinta animada completamente con efectos digitales en la historia del cine. Toy Story provocó un gran impacto en la industria del cine con su innovadora animación por ordenador. Después del estreno de la película, varias industrias se interesaron en la tecnología utilizada en la película; por ejemplo, los fabricantes de chips gráficos se propusieron transformar los gráficos computacionales a imágenes similares a las animaciones presentes en el filme. Asimismo, varios autores compararon la película a una interpretación de Don Quijote, vinculándola con el humanismo. Adicionalmente, Toy Story dejó un legado con la famosa frase «Al infinito… ¡y más allá!» (pronunciada por Buzz Lightyear en la cinta), conduciendo a la producción de secuelas y software, entre otros productos.

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Sex, Lies, and Videotape (Dir. Steven Soderbergh, 1989)

09Película que influyó en la revolución del movimiento del cine independiente de principios de 1990. Fue la primera en cambiar la forma en que se percibía el cine independiente norteamericano dentro del festival de Sundance además de que abrió las puertas a otros filmes para volverse comercialmente viables. El film está lleno de simbolismos y a pesar de contar una historia sencilla con un guión más sencillo aún, (escrito por lo visto en apenas dos semanas); la riqueza de la película radica en el análisis de sus personajes, que representan las dudas y temores que podría sentir cualquier treintañero. 09 A

En 2006, Sexo, mentiras y video fue incorporada al Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos al ser considerada “cultural, histórica o estéticamente significativa”.

 

Jaws (Dir. Steven Spielberg, 1975)

08Prototipo de éxito cinematográfico veraniego, su estreno es recordado como un verdadero hito en la historia del cine. Fue la producción más taquillera de la historia del cine hasta 1977, año en que se estrenó Star Wars. Ambos filmes fueron el punto de partida del sistema de negocio del Hollywood moderno, que gira en torno a películas de acción o aventura basadas en premisas sencillas, que se estrenan en verano rodeadas de grandes campañas publicitarias y en muchas salas de cine para intentar asegurar su éxito entre el público. “Tiburón” demostró que se podían obtener más beneficios de un estreno cinematográfico simultáneo en muchas salas y respaldado por una amplia campaña publicitaria en televisión, que de los hasta entonces habituales estrenos lentos y escalonados en los que las películas llegaban a nuevos mercados con demasiado tiempo de diferencia. El método perfeccionado para el lanzamiento de esta producción es el que impera en Hollywood desde entonces. La película fue un verdadero hito porque dio inicio a una nueva estrategia comercial de los estudios de Hollywood basada en intensivas campañas publicitarias que incluían numerosos anuncios televisivos, en el lanzamiento de una completa mercadotecnia asociada a los filmes y en el estreno simultáneo de las películas en miles de salas de cine, muchas de ellas situadas en los nuevos centros comerciales de las afueras de las ciudades.

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Easy Rider (Dir. Dennis Hopper, 1969)

07Considerada un hito de la contracultura de 1960 y un paradigma fundamental en la historia del cine de su país y del mundo. Es una de las precursoras de la producción independiente, desde el momento de su estreno se convirtió en referencia para toda una generación de motociclistas y simpatizantes de la contracultura estadounidense. Su inesperado éxito llevó a su director a un relativo estrellato que no administró bien, pues como modesta producción independiente, fue una de las más taquilleras de esos años, recaudando 100 veces más de su coste inicial.

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Su importancia histórica es indiscutible y se convirtió en uno de los precedentes y principal propulsor del nuevo cine estadounidense que se hizo en la década de 1970. La banda sonora, con temas de Byrds, Steppenwolf, The Band y Jimi Hendrix, que cedieron los derechos de las canciones (caso único e inaudito en la historia del rock) es igualmente importante, pues la misma contribuye a crear el tono libertario del filme además de que es considerada la primera película de la historia en usar música de rock.

 

Shadows (Dir. John Cassavetes, 1959)

06Película de bajo presupuesto, ópera prima de Cassavetes, realizada dentro del marco del Nuevo cine estadounidense. Originalmente no había sido filmada para ser exhibida, sino para que los actores analizaran su trabajo. Algunos críticos de cine consideran el film como el punto culminante del Nuevo cine estadounidense, y que ésta, como muchas de las películas de John Cassavetes, canaliza una forma de liberación, de angustia y de expresión. El film fue rodado en 16mm por Cassavetes, quien carecía de experiencia previa, sin un guión determinado, esencialmente improvisado, y con actores amateurs, estudiantes pertenecientes a su taller de interpretación; no costó más de 40.000 dólares; la leyenda sostiene que parte de la financiación del film fue obtenido a través de las aportaciones realizadas por los oyentes de un programa de radio.

06 AFilmada en la mega urbe neoyorquina, con un estilo naturalista, en exteriores reconocibles (Central Park, Broadway o el MoMA), con unos protagonistas negros, lo cual por aquel entonces era no sólo sorprendente sino excepcional. En definitiva, con el pretexto del racismo, valiéndose de unas formas cinematográficas frescas innovadoras para la época, (quizás producto de su propia inexperiencia), Cassavetes muestra unos personajes que, presentados en su vida cotidiana, se nos revelan provistos de las máscaras que los ocultan, tal vez incluso para sí mismos, creando con todo ello una obra viva, moderna y libre que supo conectar con el espíritu de su tiempo, y que ha logrado conservar este estatus aun a pesar del transcurso del mismo.

 

Citizen Kane (Dir. Orson Welles, 1941)

05Considerada como una de las obras maestras de la historia del cine, siendo particularmente alabada por su innovación en la música, la fotografía y la estructura narrativa. Los estudiosos de las películas y los historiadores consideran a “Citizen Kane” como el intento de Welles de crear un nuevo estilo de producción cinematográfica estudiando varias formas de hacer películas y combinándolas todas. Aunque técnicamente no inventó nada, usó y sintetizó todos los recursos existentes hasta entonces de manera magistral. El aspecto técnico más innovador de Citizen Kane es el extenso uso de una gran profundidad de campo. Otro método poco ortodoxo usado en varias escenas de la película es la forma en la que los planos contrapicados se emplean para mostrar los techos al fondo. Desde que las películas se empezaron a rodar principalmente en platós y no en exteriores durante la era del sistema de estudios de Hollywood, fue imposible grabar en un ángulo que dejase ver los techos porque los decorados carecían de ellos. En algunos casos, el equipo de Welles cubría el decorado de muselina para producir la ilusión de una habitación con un techo corriente, mientras los micrófonos boom se escondían sobre la tela. Una de las técnicas narrativas usadas en Citizen Kane es dar saltos en el tiempo y el espacio a través del montaje. Usando el mismo escenario tras un corte, pero cambiando la ropa y el maquillaje de los actores, Welles da a entender que la nueva secuencia ocurre en el mismo sitio, pero mucho tiempo después de la anterior. Por ejemplo, en la escena del desayuno, Welles explica el fracaso del primer matrimonio de Kane en cinco secuencias; lo que en realidad ocurre durante 16 años, él lo condensa en dos minutos de película. La película también destaca por el acertado uso de una fotografía en claroscuro influida por el expresionismo alemán, así como por el notable uso de los movimientos de cámara y el empleo de grúas como dollys y travellings.

Un éxito entre la crítica, Citizen Kane fracasó en recuperar su coste en la taquilla. La película cayó en el olvido poco después, pero su reputación mejoró, primero, con la crítica francesa y, sobre todo, después de su reestreno estadounidense en 1956.

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Snow White and the Seven Dwarfs (Dir. 1937)

04Primer largometraje de animación producido por Walt Disney y el primero incluido en el canon de Clásicos Disney. Contrariamente a lo que a menudo se afirma, no es el primer largometraje de animación de la historia del cine, que se le atribuye al argentino Quirino Cristiani por su película “El apóstol” (1917). De todas maneras, Snow White and the Seven Dwarfs eclipsa a sus predecesores debido al impacto que suscitó en el público tanto de Estados Unidos como internacional.

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Considerado por muchos como una obra maestra, la película marca una nueva etapa en el terreno de la animación por las innovaciones técnicas y artísticas desarrolladas para esta película. Forma parte de la lista AFI’s 10 Top 10, liderando la categoría de animación.

 

The Jazz Singer (Alan Crosland, 1927)

03Primera película comercial parcialmente rodada con sonido y diálogos sincronizados, que utilizó el sistema sonoro “Vitaphone” (grabación de sonido sobre un disco). A partir de ese momento, el cine cambia de manera radical. El filme se convirtió en un hito histórico y punto de referencia del cine, ya que la mayoría de la gente asocia esta película con el advenimiento del cine sonoro (aunque Don Juan (1926), una película muda de John Barrymore, también tenía una banda sonora sincronizada realizado por la New York Philharmonic y efectos de sonido que utilizan el sistema Vitaphone).

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Habría quedar claro que esta película no era la primera película sonora, ni la primera película de ‘walkie’ o la primera película musical pero la forma en que fue vendida por el uso del sonido la colocaron como el filme sonoro más exitoso de su época. Obtuvo un Premio Oscar honorífico por revolucionar la industria del cine. La secuencia más famosa es cuando Al Jolson (maquillado de negro) canta la canción “Aún no han oído nada” en alusión al descubrimiento del sonido en el cine.

 

The Birth of a Nation (Dir. D.W. Griffith, 1915)

01Punto de partida para el cine estadounidense, la cual fue pionera en la utilización y creación de un lenguaje cinematográfico que todavía domina el celuloide hasta el día de hoy. “El nacimiento de una nación” es uno de los grandes hitos de la historia del cine, y lo es porque David W. Griffith reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento (1915). Lo hace de una forma en que queda establecido un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad. La forma en que se establece el salto de eje, el uso de los primeros planos, la alternancia entre planos generales que permiten que el espectador comprenda y organice mentalmente el espacio donde transcurre la acción y planos cortos donde se aprecia el detalle constituyen la base del modelo de Griffith.

No obstante, el filme ha sido uno de los más polémicos por cuanto su argumento promueve abiertamente el racismo, apoya sin ambages la supremacía de la raza blanca y describe en sus escenas el supuesto “heroísmo” de los miembros del Ku Klux Klan. Pero, más allá de su ideología, hay que reconocer a Griffith el mérito de lograr que el cine abandonara la estética teatral. Así vemos cómo Griffith maneja la ficción según sus propios criterios artísticos; la cámara toma parte en los acontecimientos, la acción es fragmentada y el montaje se convierte en la base de la narración.

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The Great Train Robbery (Dir. Edwin S. Porter, 1903)

El primer gran éxito del cine estadounidense, así como el logro experimental más importante de su época. En sólo una docena de planos y casi diez minutos de duración (al menos en la versión restaurada por el British Film Institute), “Asalto y robo de un tren” plantea una historia completa con un desarrollo narrativo y una tensión dramática nuevas para el espectador de la época. 01 AEl interés y la novedad de este filme en relación con sus contemporáneos radica en su capacidad para articular un lenguaje audiovisual de forma coherente, es decir, introdujo el montaje como recurso cinematográfico. A ello contribuye el raccord entre los planos y las secuencias, como cuando se observa la continuidad de la dirección entre los planos B y C de la secuencia 4 (los ladrones salen del encuadre por la izquierda y entran por la derecha) o entre la sec. 4 y la 5 (en ambos casos el tren se mueve de derecha a izquierda). La inserción de las secuencias 6 y 7 en medio de la huida de los ladrones establece una acción paralela que proporciona tensión dramática al texto; tensión incrementada por la ralentización del ritmo mantenido hasta ese momento que supone la secuencia del baile. Por su parte, las imágenes de exteriores insertadas en ventanas en las secuencias primera y tercera otorgan realismo y desteatralización al relato. Los movimientos de cámara, aunque breves, muestran el interés en que sea el encuadre quien esté subordinado a la acción y no al contrario (como era entonces habitual), al mismo tiempo que dirigen la mirada del espectador en función de la acción dramática. A pesar de que el encuadre se mantiene en todo momento en plano general, la puesta en escena permite que los movimientos de los personajes otorguen dinamismo a la acción y varíe la escala. Además de esto, es considerado el primer western de la historia.

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Editor: Samuel López

Investigación: Jonás Axel

Bibliografía

100 Clásicos del cine, Blog de cine, Film Affinity, Fotogramas, 1001 Películas que ver antes de morir, Revista Cinemanía, 24 x segundos, Historia del cine mundial, EcuRed, Cinehistoria, Recursos Media Cine, Uhu Cine Educación, 35 Milímetros, Historia del Cine, Pensar en la historia del cine, Wikipedia, Cultura Colectiva, Historia del cine norteamericano, Moteros tranquilos toros salvajes, Historia del cine: Teoría y géneros cinematográficos.

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