BINGE WATCHING: 10 PELICULAS DE LA SALA DE ARTE DE CINEPOLIS KLIC QUE NO TE PUEDES PERDER

Son cada vez más personas las que buscan alternativas a la oferta comercial de los cines. Por ello, la cadena mexicana Cinépolis inauguró hace unos años la llamada Sala de Arte, un espacio permanente para la exhibición de producciones fílmicas dirigidas a un público cinéfilo más exigente La programación películas de esta sala pasan por un proceso cuidadoso de selección, así como cintas participantes en los festivales que apoya la cadena, como Ambulante, Tour de Cine Francés, el Festival Internacional de Cine de Morelia y el Festival Internacional de Cine de Monterrey.

Lo bueno de todo esto, es que este espacio también se convirtió en una de las categorías de la plataforma streaming de Cinepolis, la conocida y todavía casi recién llegada Cinepolis Klic, Tazón por la cual en esta ocasión para Binge Watching nos sumergimos en esta Sala de Arte y nos topamos con gran selecciones de películas, de la cuales seleccionamos algunas para que ustedes disfruten en un maratón de cine.

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LA NARANJA MECÁNICA (Dir. Stanley Kubrick, 1970)

Sinopsis: Alex, el pandillero del sombrero de copa, tiene su propia manera de divertirse y lo hace ocasionando tragedias a otras personas. La versión futurista de Stanley Kubrick, basada en la novela de Anthony Burgess, forma el arco dinámico de esta película que nos muestra la transición de un miserable amoral, a un ciudadano adecuado al que le lavaron el cerebro.

¿Por qué verla? Kubrick mezcla de una manera estremecedora, imágenes inolvidables, música sorprendente y lenguaje fascinante utilizado por Alex y sus compañeros. “Naranja Mecánica” fue muy controversial en su estreno, pero ganó el premio de Mejor Película y Mejor Director de los críticos de Nueva York al igual que cuatro nominaciones al Oscar, incluyendo Mejor Película. Su arte es tal, que todavía nos seduce, nos impacta y nos mantiene cautivos.

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BARRY LYNDON (Dir. Stanley Kubrick, 1975)

Sinopsis: ¿Cómo puede un muchacho irlandés, sin expectativas, volverse parte de la nobleza inglesa del siglo XVIII? !Para Barry Lyndon la respuesta es: como se pueda! Su ascenso al poder de los privilegiados es el tema de esta versión suntuosa de Stanley Kubrick basada en la novela de William Makepeace Thackeray.

¿Por qué verla? Kubrick se inspiró en las obras de arte de la época para hacer una película arrebatadora y satírica, ganadora de cuatro; Premios de la Academia. El vestuario y los escenarios fueron hechos de acuerdo a los diseños de la época y se desarrollaron unos lentes especiales para filmar las escenas interiores y exteriores con luz natural. ¿Cuál fue el resultado? Barry Lyndon es una película novedosa que muestra un período de la historia como ninguna otra película.

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A SERIOUS MAN (Dir. Ethan & Joel Coen, 2009)

Sinopsis: Irreverente y audaz. Una más de los inseparables hermanos Coen. Los directores ganadores al Oscar, Joel y Ethan Coen vuelven a sus raíces cómicas con esta original y enigmática historia sobre la búsqueda de un hombre ordinario para convertirse en un hombre serio. El profesor de física Larry Gopnik no puede creer lo que pasa en su vida: su esposa lo deja por su mejor amigo. Su hermano desempleado no se marchara de su apartamento. Alguien amenaza su carrera. Sus niños son un misterio y su vecina lo atormenta tomando el sol desnuda en su jardín. Luchando por adquirirle sentido a todo esto, Larry consulta a tres rabinos distintos y sus respuestas lo conducen a un viaje complicado entre la fe, la familia y la mortalidad que, los críticos llaman como “¡seriamente imponente!”

¿Por qué verla? Filme desconcertante, atípico, que se cierra de la misma manera oscura con que se abre, Un hombre serio viene a demostrar, después de Sin lugar para los débiles y de Quémese después de leerse, hasta qué punto el cine de los Coen todavía tiene caras ocultas para descubrir. A Serious Man es maravillosamente rara, desoladamente cómica y una película minuciosamente fascinante. Por debajo del desalentador humor hay preguntas serias acerca de la fe, la familia, la mortalidad y la mala fortuna.

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DOG DAY AFTERNOON (Dir. Sidney Lumet, 1975)

Sinopsis: En una tarde calurosa de Brooklyn, dos fracasados deciden robar un banco. Sonny es el autor intelectual, Sal es su acompañate. El resultado es un desastre total, al cual llega la policía, la muchedumbre, cámaras de televisión y hasta un repartidor de pizzas. El “bien planeado” golpe se ha convertido en un circo.

¿Por qué verla? Aquí, una historia que a priori no merecería mucho más de un artículo puntual en la prensa, sirve de base a un triplete genial de dirección-interpretación-guión. Pacino y el director Sidney Lumet, colaboradores en “Serpico”, hacen equipo nuevamente en este extravagante suspenso cómico que obtuvo seis nominaciones al Premio de la Academia, incluyendo Mejor Película y ganó el Oscar; al Mejor Libreto de Frank Pierson. El guionista merece capítulo aparte, pues consigue un equilibrio genial entre nerviosismo, acción, interacción, drama y cierto toque humorístico, perfecto trabajo que sin abandonar sus pretensiones de entretenimiento, lanza un par de buenos puñales al poder de la información mediática y a su capacidad para fabricar becerros de oro de usar y tirar, para satisfacer a unas masas igualmente despiadadas.

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CADA QUIEN SU CINE (Dir. Varios, 2007)

Sinopsis: Película de aniversario realizado en la ocasión de los 60 años del Festival de Cannes. 33 cineastas de 25 países, realizaron cada uno un cortometraje de 3 minutos acerca del tema de la sala de cine. Los directores que colaboraron son: Abbas Kiarostami; Aki Kaurismäki; Alejandro González Iñárritu; Atom Egoyan; David Cronenberg; Elia Suleiman; Gus Van Sant; Hsiao-hsien Hou; Jean-Pierre y Luc Dardenne; Ken Loach; Lars von Trier; Manoel de Oliveira; Ming-liang Tsai; Nanni Moretti; Raúl Ruiz; Raymond Depardon; Roman Polanski; Takeshi Kitano; Walter Salles; Wim Wenders; Wong Kar-wai; Zhang Yimou.

¿Por qué verla? Todas las historias cuentan con un nexo común, que es el hecho de tener como trasfondo una sala de cine, con una temática que obviamente está relacionada con lo cinematográfico y desde la que a veces se homenajean ciertos títulos memorables de la historia del séptimo arte, se hacen alusiones directas al Festival de Cannes, recuerdan actores o directores, o se intenta recrear el sentido más profundo de la relación del espectador con el cine, algo que desde varios cortometrajes se consigue transmitir. El conjunto de todos los cortos se presenta liviano, meramente entretenido y no demasiado original. Destacan las realizaciones de Takeshi Kitano, Nanni Moretti, Iñárritu, Zhang Yimou, Youssef Chamine, Tsai Mine, Lars von Trier, Gus Van Sant, Roman Polanski, Wong Kar-Wai (que posteriormente hizo la película My Blueberry Nights basándose en su cortometraje). Un buen entretenimiento con un total de unos 111 minutos de duración aproximada, recomendado para todos aquellos amantes del cine o fans de algunos de los realizadores que colaboran en el proyecto.

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AMELIE (Dir. Jean-Pierre Jeunet, 2001)

Sinopsis: La película narra la historia de la joven camarera Amélie Poulain, quien el mismo día que se entera que Lady Di fallece en un accidente de tráfico, descubre que en su baño hay una pequeña caja que contiene juguetes, fotografías y cromos que un niño escondió cuarenta años atrás, entonces decide buscarlo y entregarle la caja. Una vez hace la devolución de la caja y nota la positiva reacción de su dueño, Amélie tiene un nuevo propósito para su vida: lograr que las personas que están a su alrededor se sientan felices.

¿Por qué verla? El director Jean-Pierre Jeunet, siguiendo su costumbre, trabaja con un excelente guión repleto de personajes extravagantes y de situaciones que bordean en lo fantástico, pero que a toda costa se mantienen firmemente anclados en el entorno emotivo humano, lo que les confiere una especie de vida que los hace no sólo creíbles, sino hasta entrañables y, más importante, divertidos. De la mano con el guión van las perfectas actuaciones del elenco completo; desde la protagonista hasta el más pequeño papel; todos los actores logran situarse mentalmente en el mágico mundo visual de Jeunet. La narración es ágil y desenfadada, trepidante por momentos y con calmosa contemplación en otros, pero el argumento no es lo importante, y eso hace que a ratos se nos presente inconexa y deshilvanada, con anécdotas irrelevantes. El uso de la cámara con sus ritmos cambiantes y sus travelling acelerados, con sus localizaciones exageradas, el detallismo en los personajes y en los decorados, y la fotografía teñida de sepia -agresiva y provocadora- pueden dejarnos perplejos o insatisfechos, pero son elementos del lenguaje cinematográfico que nos meten en la fantasía de Amelie, que es lo fundamental.

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LISTEN TO ME MARLON (Dir. Stevan Riley, 2015)

Sinopsis: Con acceso exclusivo a su extraordinario archivo personal que incluye cientos de horas de audio grabado en el transcurso de su vida, este es el documental definitivo sobre Marlon Brando.

¿Por qué verla? Trazando su excepcional carrera como actor y su extraordinaria vida fuera de los escenarios y la pantalla con él mismo como su guía, la película explora a fondo las complejidades del hombre al contar la historia de forma única desde la perspectiva de Marlon, enteramente en su propia voz. No hay cabezas parlantes, ni entrevistados, sólo Brando sobre Brando y la vida.

07

LAS VÍRGENES SUICIDAS (Dir. Sofia Coppola, 2000)

Sinopsis: A mediados de los 70, en una tranquila comunidad de Michigan, viven las hermanas Lisbon, cinco adolescentes cuya belleza ha embrujado a un grupo de jóvenes vecinos. La cinta es el retrato de una zona residencial de blancos de clase media en la que la sofocante humedad del verano se convierte en la metáfora del ambiente claustrofóbico que generan unos padres aterrorizados ante la idea de que sus hijos se hagan mayores.

¿Por qué verla? No pueden negar que el debut cinematográfico de Sofia Coppola, Las vírgenes suicidas (1999), es una obra maestra. No era tarea fácil adaptar al cine un libro tan proteico y elegíaco como Las vírgenes suicidas. Traducir el punto de vista, polifónico y a la vez íntimo, de la primera persona del plural, no es un juego de niños, y Sofia Coppola lo ha hecho con la delicadeza y la inteligencia de un orfebre ultimando su obra definitiva. La estética, la banda sonora, la historia… Todos estos elementos se combinan para ofrecer un retrato evocador de la angustia y la soledad que sienten los adolescentes; del hecho de tener buen aspecto por fuera pero estar hecho un desastre por dentro.

08

DAZED AND CONFUSED (Dir. Richard Linklater, 1993)

Sinopsis: Esta película de culto aclamada por la crítica, escrita y dirigida por Richard Linklater, explora el último día de clases – y una noche desenfrenada – en la vida de unos estudiantes de secundaria en 1976. Con pipas de vidrio y pantalones oxford, macramé y anillos que cambian de color según el estado de ánimo, y con canciones de rock clásico de Aerosmith, Black Sabbath y KISS, este magnífico elenco de artistas prometedores nos entrega una película que perdura en el tiempo. 1976 fue una época que nunca olvidaríansi tan solo pudieran recordar…

¿Por qué verla? Al igual que hiciera George Lucas en “American Graffiti” veinte años antes, Linklater realiza un interesante retrato de una sociedad juvenil que queda aquí representada una gente despreocupada, sin más futuro que hacer novatadas, emborracharse, emporrarse o ligar. Pero lo cuenta alejándose de la típica comedia para quinceañeros, creando personajes tridimensionales, en los que nos podemos reflejar. A diferencia de en otras películas aquí todos se mezclan y se comportan de forma mucho más natural, la etiqueta no hace el personaje, sino que simplemente es un trazo más dentro de la personalidad de cada uno de ellos, lo que dota a la película de una frescura y naturalidad francamente inusual.

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AMADEUS (Dir. Miloš Forman, 1984)

Sinopsis: En 1781, Antonio Salieri era el compositor de la corte del Emperador José II, cuando Mozart llega a la corte. Salieri se aterra al descubrir que el don celestial que tanto ansía para sí, ha sido otorgado a esa criatura obscena y bufonesca. Loco de envidia, maquina la destrucción de Mozart valiéndose de todo medio posible, incluyendo el asesinato. ¿Logró Salieri silenciar a uno de los genios musicales más grandes del mundo? El misterio y la música siguen latentes.

¿Por qué verla? “Amadeus” es un drama humano, una epopeya de época y un glorioso homenaje a la música de Wolfgang Amadeus Mozart. El filme es una impresionante adaptación de la obra de Shaffer sobre la vida de W.A. Mozart, narrada a través de un Salieri -inmenso Murray Abraham- consumido por los celos artísticos ante el talento de su joven contemporáneo. Amadeus está plagada de momentos memorables de buen cine, que impacta y divierte al mismo tiempo, como la escena en que un Mozart agonizante y en la cama dicta a Salieri su famoso ‘Requiem’, mientras éste no da crédito a la música que aparece en su cabeza cuando traduce esas partituras mentalmente, que Mozart parece estar improvisando por lo fácil que le resulta escribirlas y el ritmo al que lo hace. El filme corría el riesgo de caer en el ridículo, pues presenta a Mozart como una criatura infantil, inmadura y que roza el retraso mental, por no decir que lo alcanza de lleno, por su comportamiento y su ya emblemática carcajada, pero este detalle sirve magistralmente a Milos Forman para justificar la envidia y la profunda ira que siente el personaje de Salieri, que en esos momentos es el músico preferido y más destacado de la corte. El cine tiene aquí el mejor retrato de uno de los más comunes de los sentimientos humanos: la admiración con espuma de envidia. Esta obra de arte ganadora de 8 Oscares en 1984, incluyendo Mejor Película, Mejor Actor, Mejor Director y Guion.

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Otras recomendaciones de Sala de Arte de Cinepolis Klic

La Gran Belleza, Detachment, American Splendor, Un filme socialista, La sal de la tierra, Adiós al lenguaje, Miller’s Crossing, Amor Índigo, Anomalisa, Tangerine.

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Editor: Jonás Axel

Fuente: Cinepolis Klic, Film Affinity, El Cultural, Blog de cine

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