SCRIPT O RAMA: 15  GUIONES GANADORES DEL OSCAR PARA LEER EN LÍNEA O DESCARGAR

Estrenamos nueva sección dedicada a la lectura de guiones cinematográficos. Y nada mejor para su estreno que presentarles una serie de guiones de las películas que han por el Oscar a lo largo de los años. Si alguna de las películas en la lista les llegó al corazón, aquí hay una buena forma de profundizar en el análisis a partir del texto original y la interpretación que le dio el director correspondiente. También son útiles, por supuesto, para todos aquellos que quieren escribir guiones cinematográficos.

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Aquí les dejamos la lista completa con los links a los documentos.

Sunset Boulevard (Guión: Charles Brackett, Billy Wilder)

Película estadounidense de cine negro estrenada en 1950 y dirigida por Billy Wilder, también coautor del guion. El título original alude a la célebre avenida que atraviesa Los Ángeles y Beverly Hills, un lugar que en tiempos del cine mudo había albergado las mansiones de muchas estrellas de cine. Aparte de tal alusión, el título esconde un doble significado pues sunset en inglés significa ocaso, crepúsculo, y sugeriría decadencia. La película narra la historia de una antigua estrella del cine mudo: Norma Desmond (interpretada por Gloria Swanson), quien, incapaz de aceptar que sus días de gloria pasaron, sueña con un retorno triunfante a la gran pantalla, para el cual espera contar con la ayuda de Joe Gillis (William Holden), un guionista al que convierte en su amante. Otros intérpretes destacados son Erich von Stroheim, como el mayordomo de la estrella, y Nancy Olson. Varias figuras destacadas de Hollywood hacen cameos en la película: el director Cecil B. DeMille, la famosa columnista de cotilleos Hedda Hopper y tres celebridades del cine mudo, Buster Keaton, H. B. Warner y Anna Q. Nilsson. En el momento de su estreno, Sunset Boulevard recibió grandes elogios de la crítica. Fue nominada a once Premios Óscar, aunque ganó solamente tres. Hoy día es considerada un clásico, y a menudo se la cita como una de las obras más relevantes del cine estadounidense. En 1989 fue incluida en la primera selección de películas estadounidenses consideradas dignas de ser preservadas por el National Film Registry.

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On the Waterfront (Guión: Budd Schulberg)

Película estadounidense de 1954 del género de drama. Fue dirigida por el director griego-estadounidense Elia Kazan y escrita por Budd Schulberg. Está interpretada por Marlon Brando, Eva Marie Saint, Karl Malden, Lee J. Cobb y Rod Steiger, en los papeles principales. El filme cuenta la vida de los estibadores de los muelles neoyorquinos es controlada por un mafioso llamado Johnny Friendly. Terry Malloy es un exboxeador que trabaja para él y ha sido testigo y autor indirecto de alguna de sus fechorías. Cuando conoce a Edie Doyle, hermana de una víctima de Friendly, se produce en él una profunda transformación moral que lo lleva a arrepentirse de su vida pasada. A través de Edie conoce al padre Barrie, quien le anima para que acuda a los tribunales y cuente todo lo que sabe. Es considerada una de las mejores obras de Elia Kazan y ha sido incluida con frecuencia entre las mejores películas del cine estadounidense y preservada en el archivo de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.

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The Producers (Guión: Mel Brooks)

Película estadounidense de 1968 dirigida por Mel Brooks y protagonizada por Zero Mostel y Gene Wilder. Es considerada como la película con mayores recaudaciones de 1968, además de ser catalogada como una de las 10 más grandes comedias estadounidenses de todos los tiempos, de acuerdo a la publicación AFI’s 100 Years… 100 Laughs. Ganó el Óscar al mejor guion en 1969. La película narra la historia de un productor corrupto de Broadway (Mostel) quien, con la ayuda de un contable (Wilder), tímido y compulsivo, planea, hacerse ricos produciendo el mayor fracaso de la historia de Broadway. La obra se caracteriza por un sentido del humor irreverente apoyado en acentos exagerados, estereotipos homosexuales, personajes nazis y muchos chistes sobre el propio mundo del espectáculo. La película, la primera dirigida por Brooks —cuya serie, Superagente 86 (Get Smart), cocreado con Buck Henry, ya era un gran éxito televisivo de la época— estaba prevista originalmente con el título Springtime for Hitler (Primavera para Hitler), título utilizado en la película como título de la obra musical que producen.

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The Sting (Guión: David S. Ward)

En plena depresión en los Estados Unidos, dos estafadores de poca monta roban por casualidad una importante cantidad de dinero a un correo de un importante jefe mafioso, Doyle Lonnegan (Robert Shaw). En venganza, decide neutralizarlos. Por suerte, uno de ellos escapa, Johnny Hooker (Redford), quien acude a Chicago para solicitar la ayuda de un amigo del fallecido, Henry Gondorff (Newman). Allí, junto a Gondorff, y con la ayuda de una pandilla de estafadores profesionales, prepararán un elaborado plan («el golpe») que vengará al compañero muerto. Extraordinaria película que ganó siete Oscar y contó con la interpretación de la emblemática pareja de los actores y galanes Paul Newman y Robert Redford. El film no pierde ritmo en ningún momento y gracias al fabuloso y sorprendente guión, acompañado de un toque de humor y una notable ambientación, la historia resulta muy, pero que muy entretenida. Y la química entre los dos actores es inmejorable como ya demostraron en la también fascinante Dos hombres y un destino. Para la posteridad han quedado las saltarinas notas del piano de Scott Joplin, mítica estrella del estilo Ragtime.

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Chinatown (Guión: Robert Towne)

Película estadounidense de cine negro-dramática de 1974 dirigida por Roman Polanski y protagonizada por Jack Nicholson, Faye Dunaway y John Huston. El filme cuenta la historia del detective Gittes, especializado en divorcios, recibe la visita de la esposa de Mulwray, el jefe del Servicio de Aguas de la ciudad, que sospecha que su marido la engaña. Al mismo tiempo, Gittes descubre que los agricultores acusan a Mulwray de corrupción por su negativa a construir un pantano que paliaría la sequía que sufren. Poco después, el escándalo salta a la prensa, pero la cosa se complica cuando una mujer se presenta en el despacho de Gittes con una sorprendente revelación. La película ganó el Oscar al Mejor Guion Original y fue candidata a 10 premios más. Desde su estreno es considerada simultáneamente como un film clásico y de culto. Forma parte del AFI’s 10 Top 10 en la categoría de “Películas de misterio”.

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Dog Day Afternoon (Guión: Frank Pierson)

La película está basada en hechos reales ocurridos en 1972. El póster de la película describe la película con las siguientes frases: “El atraco tenía que haber durado diez minutos. Cuatro horas más tarde el banco era un circo. Ocho horas más tarde era la emisión en directo más importante de la televisión. Doce horas más tarde era historia. Y todo es completamente real”. Excelente recreación de un robo bancario producido en Brooklyn en 1972. Hay que tomar en cuenta que estaba en la memoria colectiva de la población americana la revuelta en la prisión de Attica de 1971 en la ciudad de Nueva York, en la que varios prisioneros demandaban mejores condiciones de vida, tomaron el control de la cárcel y Rockefeller dio la orden de volver a tomar el control del penal y en este suceso fallecieron 29 personas. La película trata de expresar como encaran un asalto a un banco tres sujetos aficionados, no pierden esa inocencia durante el transcurso del film y hacen que uno como espectador trate de colocarse en el lugar de los protagonistas. El guionista merece capítulo aparte, consigue un equilibrio genial entre nerviosismo, acción, interacción, drama y cierto toque humorístico, perfecto trabajo que sin abandonar sus pretensiones de entretenimiento, lanza un par de buenos puñales al poder de la información mediática y a su capacidad para fabricar becerros de oro de usar y tirar, para satisfacer a unas masas igualmente despiadadas.

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Network (Guión: Paddy Chayefsky)

Un análisis sobre el poder de la televisión, que retrata un mundo competitivo donde el éxito y los récords de audiencia imponen su dictadura. Howard Beale, veterano presentador de un informativo, es despedido cuando baja el nivel de audiencia de su popular programa. Sin embargo, antes de abandonar la cadena, en una reacción inesperada, y ante el asombro de todos, anuncia que antes de irse se suicidará ante las cámaras, pegándose un tiro en directo. Este hecho sin precedentes provoca una gran expectación entre los televidentes y los propios compañeros de Howard. La película fue galardonada con cuatro Premios Óscar: al mejor actor principal (Peter Finch), con carácter póstumo; a la mejor actriz principal (Faye Dunaway), a la mejor actriz de reparto (Beatrice Straight), y al mejor guion original (Paddy Chayefsky). En 2000, fue seleccionada para ser preservada como parte del National Film Registry (Registro Fílmico Nacional) de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, por ser “cultural, histórica y estéticamente significativa”. En 2002, fue admitida en el Salón de la Fama de la Producers Guild of America (Asociación de Productores Estadounidense) por ser una de las películas que “ha establecido un nivel de calidad perdurable para el espectáculo estadounidense”. En 2006, el guion de Paddy Chayefsky fue votado por la Writers Guild of America, East (Asociación de Escritores Estadounidense, zona Este) como el octavo mejor guion para una película de todos los tiempos, un puesto ligeramente superior a uno otorgado por el American Film Institute (Instituto de Películas Estadounidense) diez años antes (decimonoveno). En su reseña de la película para el New York Times, Vincent Canby calificó al filme como “escandaloso… brillante y cruelmente divertido, una comedia estadounidense actual que confirma la posición de Paddy Chayefsky como un nuevo escritor satírico mayor de Estados Unidos” y una película cuyos “puntos de vista perversamente distorsionados de cómo la televisión se ve, suena, y, en efecto, es, conforman el cardiograma satírico del corazón oculto de la televisión.” En tanto, en una reseña escrita después de que la película recibiera los premios Óscar, Roger Ebert la llamó una “película sumamente inteligente y bien actuada que intenta conseguir demasiado, que ataca no sólo a la televisión sino también a la mayoría de las demás enfermedades de los 70” aunque “lo que sí logra lo hace tan bien, se ve tan claramente, es presentado de manera tan imperdonable, que Network sobrevivirá a muchas películas aún más prolijas”.

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Annie Hall (Guión: Woody Allen)

Una de las más célebres películas dirigidas por Woody Allen. Se hizo acreedora al Óscar a la mejor película, al mejor director, al mejor guión original y a la mejor actriz principal (Diane Keaton), en 1978. La cinta es un relato sobre un comediante neurótico neoyorquino, Alvy Singer (Allen), y su compañera sentimental, Annie Hall (Diane Keaton), tan neurótica como él. Comienza con su primer encuentro y nos cuenta la historia de su relación afectiva a lo largo de los años, a modo de documento sobre el amor en los años 1970. Se dice que la historia habla de la ruptura real entre Allen y Keaton, quienes fueron pareja en la vida real. Se trata de una comedia romántica protagonizada por Diane Keaton y por el propio Woody Allen. Con un guion que ha sido imitado, parodiado y homenajeado a lo largo de los años, el cineasta se da el lujo de jugar con las reglas cinematográficas: sus personajes le hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo, digresiones y hasta una secuencia de animación parodiando la cinta animada de Walt Disney “Blancanieves y los siete enanitos”. Forma parte del AFI’s 10 Top 10, en la categoría “Comedia romántica”.

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Pulp Fiction (Guión: Quentin Tarantino)

Película estadounidense de 19941 dirigida por Quentin Tarantino, quien coescribió el guion con Roger Avary. Su nombre deriva de la literatura pulp. Está protagonizada por John Travolta, Uma Thurman, Bruce Willis y Samuel L. Jackson, entre otros. Debido a sus eclécticos diálogos, su combinación irónica de humor y violencia, y sus múltiples referencias cinematográficas a la cultura pop, que fueron tan utilizadas posteriormente, influyó en la forma de hacer cine. Tarantino escribió el guion de Pulp Fiction a finales de 1992 en un apartamento de Ámsterdam, donde no había teléfono ni fax; de vuelta a Los Ángeles, contó con la ayuda de Linda Chen, secretaria del guionista y director de cine Robert Towne, que le ayudó a mecanografiarlo y así de esta manera ser más fácil moverlo entre los productores de Hollywood.Se estrenó en mayo de 1994 en el Festival de Cine de Cannes, donde consiguió la Palma de Oro. Luego fue galardonada con el Globo de Oro al mejor guion y obtuvo siete candidaturas en la 67ª edición de los Premios Óscar, si bien solo ganó el Óscar al mejor guion original. Asimismo, recibió más de cuarenta premios internacionales y otras tantas nominaciones.

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Fargo (Guión: Ethan & Joel Coen)

El filme es protagonizado por Frances McDormand como una jefe de policía de Minnesota que investiga homicidios sucedidos después de que un endeudado vendedor de automóviles (William H. Macy) contrata a dos criminales (Steve Buscemi y Peter Stormare) para que secuestren a su esposa y de esta forma obtener el dinero del rescate de su suegro (Harve Presnell). La película se ubica dentro de los géneros suspenso, policíaco, comedia negra y neo-noir. Se estrenó en el Festival de Cannes 1996, donde Joel Coen ganó el premio al mejor director y la película estuvo nominada a la Palma de Oro. Fargo fue un éxito tanto crítico como comercial y recibió siete candidaturas a los Premios Óscar, incluyendo a la mejor película, y se llevó dos estatuillas, la de mejor actriz para McDormand y la de mejor guion original para los Coen. Además consiguió otros galardones, incluyendo el Premio BAFTA a la mejor dirección. En 2006, la película se consideró «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y fue introducida para ser preservada en el National Film Registry, logrando ser uno de los seis filmes en haberlo conseguido en su primer año de elegibilidad. En 1998, el American Film Institute la nombró una de las cien mejores películas estadounidenses de todos los tiempos.

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The Usual Suspects (Guión: Christopher McQuarrie)

La película, con un presupuesto de 4 millones de dólares, no fue muy bien recibida en las salas de cine durante su lanzamiento, formando parte de la lista de «Las películas más odiadas por Roger Ebert», pero fue atractiva para muchos seguidores del género de crimen/drama y es considerada una película de culto. En definitiva, ni el tiempo ha hecho estragos en ella, ni su guión ha perdido pese a los clones, ni está sustentada por puros trucos de desarrollo, pues el conjunto se comporta con una firmeza y esplendor enormes, siendo la narración una de sus mayores armas, y sus interpretaciones otra gran dote, que hacen de esta obra una de las más prolíferas para el género en el que se enmarca, además de un film con el empuje suficiente para no verse apagado en un sólo instante, ofreciendo un gratísimo entretenimiento a la vez que un apabullante comecocos. Una delicia para los sentidos.

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Lost in Translation (Guión: Sofia Coppola)

“Lost in Translation” es uno de esos raros títulos que dividen a los aficionados al cine; están los que lo odian y estamos los que lo adoramos. Y no es difícil averiguar el porqué. No es ésta una película asequible, de fácil consumo. Incluso, podría decirse que durante gran parte de su metraje no ocurre nada (al menos, nada concreto, visible). Sofia Coppola nos sumerge, a su manera, en el breve y desesperado encuentro entre dos individuos perdidos en un lugar extranjero; no saben quiénes son ni qué están haciendo, pero siguen adelante; la realizadora sitúa la cámara frente a estos personajes sin pedirles que hagan nada especial, para que los observemos y los comprendamos tal como son, en escenas íntimas, para que respiremos su mismo aire, sintamos su misma soledad y desorientación. Esto evidentemente es lo que molesta a sus detractores. Creen que falta más movimiento, más velocidad, una historia más definida, sin tanto espacio ni silencio. Pero precisamente ahí es donde reside su encanto.

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Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Guión: Charlie Kaufman)

Película estadounidense de 2004, dirigida por Michel Gondry y con guion de Charlie Kaufman. La trama se centra en la historia de amor entre los inadaptados sociales, y ciertamente mezquinos, Joel Barish y Clementine Kruczynski, aunque esto es sólo una mera excusa narrativa para bucear sin oxígeno en las turbias aguas del transcurrir del tiempo, del egoísmo y la inseguridad humanas, de la soledad, y de la risa y la diversión como única válvula de escape a una cotidianidad irrespirable. Cotidianidad rota por el encontronazo entre dos seres opuestos que dará lugar a una nueva, e irrespirable, cotidianidad, en la que ambos se sentirán atrapados y perdidos. Charlie Kaufman, autor del guión, parece conocer todas las trampas, todos los resortes, de las relaciones de pareja, porque aquí damos un buen repaso a la realidad de enfrentarse cada día con alguien a quien amas y odias al mismo tiempo, a quien deseas y a quien rechazas. La idea original surgió una noche en 1998 cuando el director Michel Gondry cenaba en Londres con un amigo, el artista Pierre Bismuth. Esa noche, Bismuth propuso una idea provocativa: ¿qué pasaría si recibieras una carta avisándote de que habías sido borrado de la memoria de alguien y que no deberías intentar ponerte en contacto con esa persona? Esa idea se la presentó Michel Gondry a Charlie Kauffman y comenzaron a trabajar en el guión. Aún así, el filme se nutre del argumento de dos libros del escritor francés Boris Vian: La hierba roja y El arrancacorazones; la máquina para borrar los recuerdos y el tema de la memoria están desarrollados en ambos. Clémentine y Joël son los nombres de dos de los personajes de El arrancacorazones. El título original, Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Eterno resplandor de una mente inmaculada), está inspirado en un verso del extenso poema Eloisa to Abelard del poeta inglés Alexander Pope.

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Midnight in Paris (Guión: Woody Allen)

La historia se desarrolla en París, y cuenta las vicisitudes de una familia en viaje de trabajo así como de la pareja protagonista, Gil Pender (Owen Wilson), un exitoso pero desilusionado guionista de Hollywood y su prometida, Inez (Rachel McAdams), que se encuentran de vacaciones. Las diferentes experiencias vividas en la ciudad por este grupo de personas darán un giro a sus vidas. De manera similar a The Stonecutter, un antiguo cuento de hadas japonés, la historia puede considerarse un ejemplo de bucle extraño, es decir, de recursividad. Es una película escrita desde la fascinación, pero hay quien opina que es el colmo de la auto indulgencia de Allen. Un reproche a su vez cómodo y trillado, fácil de hacer a quien lleva cuatro décadas tocando los mismos temas, haciéndolo en el mismo tono, y poniéndolos en boca de personajes que solo cambian de aspecto y de nombre. La ironía es que incluso los que lo llaman “caduco” siguen al pendiente de su siguiente película, y en el fondo no esperan algo distinto de él. A nadie le irrita su indiferencia a la tecnología, que no haga una cinta política o con “enfoque ecológico”, ni espera que sus personajes respondan con “sí” o “no”. Si sus películas ya no son eje de la cultura cinematográfica, no es problema de las películas sino de la fugacidad de los ejes. Puede que el cine de Allen hoy esté en la periferia, pero es una coordenada que nadie se atrevería a ignorar. Si alguien dentro de cincuenta años filmara “Medianoche en París”, podría incluir a Allen en el grupo de los artistas que moldearon el mundo. Nosotros, mientras tanto, creemos más interesante discutir si esta película es mejor o anterior que la previa, para luego concluir que ninguna es tan buena como las de los años setenta y ochenta. Es la miopía del presente y una tara de la civilización.

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Her (Guión: Spike Jonze)

En ‘Her’, nos trasladamos a un futuro no muy lejando donde Theodore, un escritor solitario, adquiere un moderno sistema operativo diseñado para satisfacer todas las necesidades del usuario. Pronto, Theodore se sentirá atraído hacia dicho sistema operativo con voz de muer y comenzará una extraña relación sentimental con ella. Con su película ‘Her’, Jonze crea el espléndido anacronismo de una película romántica que hace reír y llorar y resulta cálida, totalmente dulce y completamente seria por todas partes. Es a la vez un brillante gag conceptual y un romance profundamente sincero, ‘Her’ es la improbable pero completamente creíble historia de amor de un hombre, que a veces parece una máquina, y un sistema operativo, que se parece mucho a una mujer viva.

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