BINGE-WATCHING: 10 CLÁSICOS DEL CINE ALEMÁN, RUSO Y ESTADOUNIDENSE QUE SE PUEDEN VER GRATIS EN YOUTUBE

En esta ocasión, volvimos a darnos una vuelta por el catalogo de películas de cine mudo que Youtube tiene para ofrecernos y nos topamos con unas joyitas del cine, ya que por fin Einsenstein, Lang, Griffith y Wiene se suman al catálogo de la plataforma digital. 

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Así es desde Rusia, Alemania y Estados Unidos, estos son 10 clásicos del séptimo arte que todo cinéfilo debe ver antes de morir. Estos filmes son considerados unánimemente como grandes clásicos que se sobreponen al paso del tiempo y permanecen vigentes a pesar del paso de las tendencias. Estas obras continúan ofreciendo a sus espectadores una oportunidad de comprender la importancia del cine como arte y medio de comunicación

RUSIA

El Acorazado Potemkin (Dir. Serguéi M. Eisenstein, 1925)

Sinopsis: Basada en hechos reales ocurridos en 1905, narra como la tripulación del acorazado Príncipe Potemkin de Táurida se cansan del tratamiento vejatorio e injusto de los oficiales. El detonante de la situación es la carne podrida que éstos quieren que los marineros se coman. Con este motín comienza el reguero revolucionario por Odesa y toda Rusia.

¿Por qué verla? El acorazado Potemkin está considerada como una de las mejores películas de la historia del cine, una de las más estudiadas en las escuelas de cine por su técnica de montaje y una de las más influyentes de todos los tiempos. La cinta fue nombrada mejor película de la historia en la Exposición General de Bruselas de 1958. El acorazado Potemkin significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. Tras la genialidad de Griffith en el trabajo de escala de planos, Eisenstein observa otra función que puede realizar la cámara al inclinarla, lo que da como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata. Por otro lado, se trata de una película que refleja el espíritu de la época en que es realizada, y en la que todo elemento es utilizado como propaganda para la legitimación ideológica del régimen comunista, exaltando al hombre común, sobre todo al oprimido que decide romper sus cadenas. Una de las escenas más famosas en la historia del cine pertenece a esta película. Se trata de la escena de la escalera de Odesa, cuando los soldados disparan contra el pueblo inocente y los cosacos cargan a sablazos.

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Octubre (Dir. Serguéi M. Eisenstein, 1928)

Sinopsis: Con motivo del décimo aniversario de la Revolución de Octubre, esta es la tercera película más importante de Sergei Eisenstein, una maravillosa reconstrucción de los acontecimientos ocurridos desde Febrero hasta Octubre de 1917. Una película en la que, siguiendo la filosofía comunista, no había personajes principales.

¿Por qué verla? La habilidad de Eisenstein y su experiencia se ve en los rápidos movimientos y en el ritmo en el montaje, así como en la construcción de intensas secuencias que no fueron bien entendidas por las tempranas generaciones rusas. Muchos participantes de la revolución tales como los Guardias Rojos, soldados, marineros o personajes como Trotski y Lenin aparecen en el film, dando buena prueba de la fidelidad que pretende reflejar.

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Alexander Nevsky (Dir. Serguéi M. Eisenstein, 1938)

Sinopsis: Relato épico sobre el príncipe Alexander Nevsky, que defendió victoriosamente el norte de Rusia del ataque de los teutones: la batalla se libró sobre la superficie helada del lago Peipus. También tuvo que hacer frente a la invasión de Rusia por el ejército mongol dirigido por Gengis Khan.

¿Por qué verla? Filmada en una época en la que la Alemania nazi era una amenaza latente para la Unión Soviética, Alexander Nevski representaba como la firmeza y la solidaridad entre los pueblos rusos podía hacer frente al invasor, como ya lo había hecho siete siglos atrás. A destacar como Eisenstein contrapone el aspecto de los soldados alemanes, vestidos de blanco inmaculado y con un casco que no deja ver sus rostros, con el de los guerreros rusos, vestidos con tonos oscuros. O el orden marcial con el que combaten los soldados alemanes. Se suele acusar a la película de maniqueismo por detalles como éste pero, ¿acaso no eran los nazis los que proclamaban la pureza de la raza aria?

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Iván el terrible. Parte I (Dir. Serguéi M. Eisenstein, 1944)

Sinopsis: Terribles fueron las luchas que Iván IV “el Terrible”, primer zar de Rusia, tuvo que sostener contra sus enemigos del interior y del exterior para crear un estado fuerte y moderno. En 1547, a los 17 años, Iván es coronado zar en la catedral de Moscú por el patriarca Macario. El apoyo de la Iglesia confirió al acto un prestigio sagrado que sería la base de la autocracia zarista. En el interior, para combatir a los boyardos (la poderosa aristocracia feudal rusa), creó la Oprichnina, milicia muy fiel, gracias a la cual los nobles fueron asesinados o deportados, y sus tierras confiscadas y distribuidas entre los miembros de esta milicia. Nacía así una nueva aristocracia, tanto feudal como de servicio, que sirvió ciegamente al zar y contribuyó a consolidar su poder. Una vez pacificado el país, el zar acometió una política expansionista hacia el sur (conquista de Kazán y Astrakán) y hacia el este (conquista de Siberia). La expansión hacia el norte, cuyo objetivo era encontrar una salida al mar Báltico, fracasó, en cambio, completamente.

¿Por qué verla? La película es especialmente reconocida por su uso de las sombras para representar visualmente las jerarquías de poder. Esto es especialmente palpable en la escena del trono, en la que la sombra de Iván domina la estancia y a todos los que le rodean, haciendo referencia a su poder político. Eisenstein también usó colores para representar a ciertos personajes, como por ejemplo Efrosinia, que viste, de acuerdo a su naturaleza malvada, siempre completamente de negro o, ya en la segunda parte, la escena del baile, que es en color, para mostrar la transición de Iván hasta convertirse en el terrible y para darle importancia. Durante la boda de Iván y Anastasia predominan los colores blancos, símbolo de pureza, y la comida es traída en bandejas con formas de cisnes blancos.

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Iván el terrible. Parte II: La Conjura de los Boyardos (Dir. Serguéi M. Eisenstein, 1946)

Sinopsis: Iván el Terrible vuelve a Moscú, donde los boyardos (nobles terratenientes rusos) siguen conspirando contra él y consiguen incluso el apoyo de la tía del Zar, que quiere ver a su hijo (un incapacitado mental) sentado en el trono y convertido en cabeza de la Iglesia rusa, la cual, mientras tanto, acusa a Iván de herejía. Pero el Zar se adelanta al complot urdido contra él y elimina a sus enemigos con astucia y terrible dureza.

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ESTADOS UNIDOS

El nacimiento de una nación  (Dir. David W. Griffith, 1915)

Sinopsis: El filme retrata las venturas y desventuras de dos familias amigas y que representan el norte y el sur de los Estados Unidos durante la Guerra de Secesión.

¿Por qué verla? El nacimiento de una nación es, debido a su técnica, una de las películas más famosas de la época del cine mudo y también una de las más polémicas por promover la supremacía de la raza blanca y describir el supuesto heroísmo de los miembros del Ku Klux Klan. Se considera un hito de la historia del cine porque David Wark Griffith reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento (1915). Lo hace de una forma en que queda establecido un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad: los planos son alternados y no siempre fijos, la cámara se puede desplazar, los planos y tomas pueden ser totales o parciales, etc. rompiendo definitivamente con el antiguo esquema cinematográfico donde una película podía ser la simple filmación de una función teatral común.

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Intolerancia (Dir. David W. Griffith, 1916)

Sinopsis: La película relata alternativamente cuatro historias de injusticia: la matanza de los hugonotes en Francia la noche de San Bartolomé de 1572, la pasión y muerte de Jesucristo, una huelga de trabajadores contemporánea y la caída de la Babilonia del rey Baltasar en el año 539 ante el ataque de Ciro II el Grande, rey del Imperio persa.

¿Por qué verla? El estreno de “El nacimiento de una nación” reportó a D. W. Griffith críticas a su ideología reaccionaria y racismo. Su respuesta inmediata fue la producción de Intolerancia, una visión de la conducta intolerante de la humanidad a través de la Historia y sus, siempre, terribles secuelas. Llevando hasta las últimas consecuencias la técnica del montaje paralelo, se podían seguir simultáneamente cuatro historias unidas por la figura de una madre meciendo la cuna de su hijo. A medida que avanzaba la narración se aceleraba el montaje aumentado el paralelismo entre todas ellas. Esta gran superproducción, cuyo primer montaje no estrenado duraba ¡8 horas!, no llegó a recuperar una inversión que se cifra en 12 millones de dólares de la época. Los costosos decorados de Babilonia acabaron pasto de las llamas en la secuencia del incendio de Atlanta “Lo que el viento se llevó”.

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ALEMANIA

El Gabinete del Doctor Caligari (Dir. Robert Wiene, 1920)

Sinopsis: Sentado en un banco de un parque, Francis anima a su compañero Alan para que vayan a Holstenwall, una ciudad del norte de Alemania, a ver el espectáculo ambulante del doctor Caligari. Un empleado municipal que le niega al doctor el permiso para actuar, aparece asesinado al día siguiente. Francis y Alan acuden a ver al doctor Caligari y a Cesare, su ayudante sonámbulo, que le anuncia a Alan su porvenir: vivirá hasta el amanecer.

¿Por qué verla? Caligari es considerada la obra por excelencia del expresionismo alemán, y por mucho el más famosos y bien considerado ejemplo de esta corriente. Mientras que otros filmes puramente expresionistas fueron hechos, Caligari aún tiene una gran influencia sobre otros directores alemanes, y muchos de los elementos expresionistas del filme – particularmente el uso de escenarios, luz y sombra para representar la psicología de sus personajes – se volvió prevalente en el cine alemán. El impacto de Caligari no sólo fue sentido en el cine alemán, sino también internacionalmente. Rotha y el historiador de cine William K. Everson escribieron que el filme tuvo un efecto a largo plazo en directores de Hollywood al igual que El acorazado Potemkin(1925).192 En su libro “El filme hasta ahora”, Rotha escribió que Caligari y Potemkin fueron los “dos más trascendentales avances en el desarrollo del cine”, y dijo que Caligari “sirvió para atraer hacia la audiencia cinematográfica a mucha gente que hasta ese momento consideraba al cine como una marca de agua de baja inteligencia”.

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Metropolis (Dir. Fritz Lang, 1927)

Sinopsis: En la megalópolis de Metrópolis la sociedad se divide en dos clases, los ricos que tienen el poder y los medios de producción, rodeados de lujos, espacios amplios y jardines, y los obreros, condenados a vivir en condiciones dramáticas recluidos en un gueto subterráneo, donde se encuentra el corazón industrial de la ciudad. Un día Freder (Alfred Abel), el hijo del todo poderoso Joh Fredersen (Gustav Frohlich), el hombre que controla la ciudad, descubre los duros aspectos laborales de los obreros tras enamorarse de María (Brigitte Helm), una muchacha de origen humilde, venerada por las clases bajas y que predica los buenos sentimientos y al amor. El hijo entonces advierte a su padre que los trabajadores podrían rebelarse.

¿Por qué verla? La trama distópica urbana futurista filmada por Fritz Lang, es considerada una de las grandes películas del cine expresionista alemán y de la historia del cine mundial. Metrópolis es uno de lοs pocos filmes considerados Memoria del Mundo por la Unesco (otros son los filmes documentales de los hermanos Lumière, Los olvidados, dirigida por Luis Buñuel de 1950 y El mago de Oz de Victor Fleming de 1939). Fue el primero en poseer esta categoría, amparado en la vívida encarnación de toda la sociedad, y la profundidad de su contenido humano y social.

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M, El Vampiro de Düsseldorf (Dir. Fritz Lang, 1931)

Sinopsis: Un asesino de niñas tiene atemorizada a toda la ciudad. La policía lo busca frenética y desesperadamente, deteniendo a cualquier persona mínimamente sospechosa. Por su parte, los jefes del hampa, furiosos por las redadas que están sufriendo por culpa del asesino, deciden buscarlo ellos mismos.

¿Por qué verla? Se trata de un estudio sobre una colectividad conmovida por un caso de criminalidad patológica. Se expone la tragedia interior de un obseso sexual y, consecuentemente, se procede a ejercer una corrosiva visión crítica de la sociedad dónde vive. Es irónico ver cómo el hampa y la policía tienen los mismos objetivos, por lo que se ha señalado su atisbo de un comportamiento criminal en el Estado alemán, como sucedió desde 1933. Su ambientación oscura comúnmente se interpreta dentro del pesimismo producto de la derrota alemana en la I Guerra Mundial, y también en una combinación orginal de aspectos del expresionismo y del nuevo realismo que estaba presente en la dramaturgia alemana. Cabe mencionar que M es la primera película hablada que rodó Lang, pasado un año desde que se incorporó al sonido al cine. Fue célebre por la interpretación de Peter Lorre, quien luego de esta participación quedó tipificado para personajes de villano, lo cual es ajeno a su versatilidad y a su calidad de actor. Su trayectoria en el exilio estadounidense fue destacada.

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Editor: Dorian Iktam

Fuente: 35 Milímetros, Wikipedia, 1001 Películas que ver antes de morir, El País

 

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