CINEFACTOS: CURIOSIDADES Y ANÉCDOTAS DE 20 DIRECTORES DE CULTO IV

A lo largo del año hemos realizado en Film Fellas Club una serie de recopilaciones de curiosidades para celebrar el cumpleaños de 60 directores. A continuación les presentamos la cuarta y última parte de este especial de cine. En esta ocasión nos centramos en los directores que cumplieron años en los meses que van de Octubre a Diciembre. Esperamos hayan disfrutado de este especial compilado, el cual muy pronto planeamos publicar a manera de libro o fanzine.

Denis Villeneuve

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El director de películas de culto como Prisoners, Enemy & Arrival, inició su carrera a comienzos de los años 1990, trabajando para Radio-Canada en el programa de televisión La course destination monde. Su próximo trabajo, el cortometraje REW-FFWD (1994), obtuvo un premio del jurado en el Festival Internacional de Cine de Locarno y en 1996 participó en la película Cosmos, dirigiendo el segmento “Technétium, Le”. Películas como su primer largometraje Maelström (2000) y Polytechnique (2009), le condujeron a realizar la increíble Incendies (2010), que le valió su primera – y hasta el momento única – nominación al Óscar como mejor película extranjera, en la categoría que compartió con Biutiful (México), Kynodontas (Grecia), Hors la loi (Argelia) y Haevnen (Dinamarca), siendo ésta última la vencedora. La nominación le ganó la atención de los estudios y ejecutivos, que le guió al punto de inflexión en su carrera: Prisoners (2013).

Buster Keaton

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El crítico de cine Geoff Andrew le considera no solo el mejor cómico del cine mudo sino el mejor cómico de la historia del cine, además de ser «unos de los mejores cineastas de todos los tiempos». Fue ganador de un Óscar honorífico en 1960, luego en 1996 Keaton ocupó el 7º lugar entre los 50 mejores directores de cine del listado de Entertainment Weekly, y en 1999 ocupó el puesto 21 de los mejores actores del cine clásico estadounidense del listado del American Film Institute 100 años… 100 estrellas, un listado elegido por las propias estrellas actuales del cine. Se caracterizó principalmente por su humor físico mientras mantenía un rostro inexpresivo en todo momento, lo cual le ganó su apodo, Cara de piedra. En España fue conocido artísticamente como Pamplinas o Cara de Palo. Al igual que sus contemporáneos, Keaton provino del vodevil. El apodo de Buster fue puesto por el ilusionista Harry Houdini, colaborador del padre de Buster, que, al verlo caer de una escalera, sin una sola herida a la edad de tres años, exclamó: «That was a real buster!»,

Los hermanos Lumiere

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Los hermanos Auguste y Louis Lumière nacieron en Besançon el 19 de octubre de 1862 y el 5 de octubre de 1864, respectivamente, en el seno de una familia de pequeños industriales, en una época en que la burguesía capitalista celebraba sus primeras victorias. Auguste era un muchacho tímido y retraído, más parecido a su madre, la parisina Jeanne Josephine Costille; Louis, por el contrario, era decidido y animoso. Sin duda, a éste le estaba reservado el llevar la iniciativa y la acción, mientras que Auguste parecía destinado al papel de comparsa sumiso y obediente. Siempre se mantuvieron muy unidos, al menos hasta el nacimiento del cinematógrafo; después, cada uno tomaría distinto camino. Louis se mantuvo al frente de la fábrica de Montplaisir. Ensayó el color y el relieve tanto en la fotografía como en el cine. Fue el primero en probar la «pantalla grande» y la «circular» o panorámica, anticipándose en casi sesenta años al «circorama» del director y productor cinematográfico Walt Disney. Auguste, por su parte, abandonó definitivamente la fotografía y el cine y se dedicó a cultivar la biología y la fisiología, disciplinas por las que mostró siempre una particular inclinación. En 1914 inauguró un gran centro de investigación en Lyon, los Laboratoires Lumière, con clínica incluida, en estrecha colaboración con un equipo de prestigiosos médicos.

Guillermo del Toro

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En 1987, estudió con el legendario artista del maquillaje Dick Smith (Amadeus, The Exorcist) y pasó al menos 10 años en diseño de efectos especiales de maquillaje, de hecho durante este tiempo fundó Necropia, su propia empresa enfocada a efectos especiales. Posteriormente, sería cofundador del Festival de Cine de Guadalajara y creador de la compañía de producción Tequila Gang. Sin embargo, en 1998 su padre fue secuestrado, por lo que decidió trasladarse al extranjero; actualmente vive en Los Ángeles. Antes de irse, y con el propósito de financiar su primera ópera prima (Cronos), hipotecó su casa, vendió su auto y se endeudó con un banco. En 2009 Guillermo del Toro debutó como escritor al verse publicada su primera novela: Nocturna, primer volumen de la Trilogía de la Oscuridad (Nocturna, Oscura y Eterna), escrita conjuntamente con Chuck Hogan y que trata de un virus que transforma a las personas en vampiros.

Ed Wood Jr. 

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Tras servir en la Segunda Guerra Mundial (donde años después confesó haber combatido vistiendo ropa interior de mujer), se estableció en Hollywood en 1948, lugar en el que empezó a actuar en obras de teatro a la vez que intentaba encontrar productores dispuestos a financiar sus proyectos. Ed comenzó a trabajar y escribió, produjo, dirigió y co-protagonizó su primera película: Crossroads of Laredo, también llamada The streets of Laredo, una especie de western de treinta minutos al que Ed pretendía añadir música después, lo que finalmente nunca hizo. A finales de los años 1940 encontró trabajo en los estudios Universal y trabó amistad con Lou Costello, Tony Curtis y Danny Kaye. Siguió realizando pequeños trabajos y se enamoró de una muchacha rubia llamada Dolores Fuller. Dolores actuaría después en dos películas de Ed Wood, Jailbait y Glen o Glenda. Tras varios intentos fallidos, finalmente conoció a Alex Gordon, con quien escribió algunos guiones de bajo nivel y que finalmente le ayudó a conocer a Béla Lugosi, famoso actor de películas de terror durante los años 1930, entre cuyos papeles cabe destacar el de Drácula y que ya en su etapa crepuscular y tras hacerse amigo de Ed, participaría en sus primeras películas. El primer film importante de Wood fue Glen o Glenda, un docudrama semi-autobiográfico, fue el debut cinematográfico de Ed en 1953 y la única película no producida por el mítico director. En ella se trataba el controvertido tema del travestismo, en una época en la que este tema no estaba muy de actualidad.

Satoshi Kon

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Satoshi Kon se inmortalizó como un ícono del anime japonés, pero no pudo huir de su propia realidad: el cáncer de páncreas le arrebató, a sus 46 años, la oportunidad de seguir mostrando su genialidad en el séptimo arte. Satoshi sabía que moriría. El 18 de mayo de 2010 el director nipón supo, por voz del médico, que 180 días sería el máximo lapso para soportar el cáncer que ya hacía metástasis calándole en los huesos. La muerte de Satoshi fue sorpresiva para su público, que inesperadamente conoció la enfermedad que el director sufrió luego de que él mismo publicara una carta de despedida en su web konstone.s-kon.net, en la que agradeció a sus seguidores la confianza y respaldo, además de explicar su acercamiento a la muerte. Aunque no existe una traducción oficial en inglés o en español de la última carta de Satoshi, algunas interpretaciones rondan en la web donde rememoran el legado del artista nipón y se destacan los párrafos más emocionales y cruciales con los que el director se despidió.

Danny Boyle

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Tras obtener atención internacional por la película Trainspotting esperó ganar un contrato de producción con algún estudio importante de Estados Unidos, pero la única oferta realizada fue para el cuarto filme de Alien. Usando financiamiento británico Boyle y Hodge realizaron A Life Less Ordinary, pero debido a que no había mucho presupuesto no tuvo estrellas importantes ni localizaciones atractivas, lo cual se tradujo en un fiasco de taquilla. Fue Ewan McGregor quien aconsejó a Boyle el adaptar la novela de culto The Beach, pero luego descubrió que el estudio quería una estrella más costosa y contrató a Leonardo DiCaprio sin consultar a Boyle, quien ya le había prometido el protagónico a McGregor. Los medios británicos y los tabloides armaron un circo de esta situación antes de que Boyle le pudiese explicar a McGregor lo que había sucedido y por lo que durante muchos años no trabajaron juntos de nuevo, hasta que se anunció la realización de Trasinpotting 2.

Spike Jonze

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Antes de llegar al cine Adam Spiegel, mejor conocido como Spike Jonze  trabajó en tiendas BMX y participó como fotógrafo en diversas publicaciones. Aficionado al monopatín y a la bicicleta, fue requerido por el grupo Sonic Youth para rodar un videoclip de una de sus canciones, punto de partida para que Spike se convirtiese en autor de videoclips musicales de prestigio trabajando además de con Sonic Youth con REM, Bjork, Beastie Boys o Weezer. Además de esto, Jonze fue fundador de la revista Dirt, una publicación revolucionaria dedicada (entre otras cosas) al mundo de las bicicletas BMX y que tocaba todos los temas relacionados a la  cultura callejera (solidificada después en colectivos como Beautiful Loosers, el grupo de artistas unidos en Nueva York bajo el manto del skate y el grafiti),y que después generaría revistas como Big Brother (junto a Steve Rocco) o el legendario programa televisivo Jackass.

Sam Raimi

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Sam Raimi empezó a aficionarse por la realización a los 13 años, gracias a una primitiva cámara de vídeo que tenía un amigo suyo. Hasta la edición de The Evil Dead, había grabado unos 30 films de prácticas. El más célebre entre su pandilla fue The Happy Valley Kid: The Story of a Sudden Driven Mad, la historia de un universitario que es humillado por sus compañeros y vejado por su novia hasta volverse loco y acabar con todos ellos. En 1978, filmó un cortometraje de 32 minutos llamado Within the Woods; protagonizado por sus amigos, de la universidad de Míchigan; Bruce Campbell y Ellen Sandweiss. Esta considerada una precuela de The Evil Dead. Los pases de dicha prueba, el poderoso corto Within The Woods, provocaron los más agudos aullidos de terror entre los asistentes. Un sólido apoyo por parte de la crítica y el permiso de varios exhibidores para poder pasar el corto ayudaron a consolidar la validez del proyecto. Como resultado, el director empezó a trabajar inmediatamente en el largometraje.

Peter Jackson

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En 1995, Jackson realiza un falso documental titulado “La verdadera historia del cine”, obra que es considerada por muchos como una película de culto, tanto por su contenido, como por el fenómeno que se generó en su estreno en la televisión neozelandesa. Este caso puede ser comparado de manera significativa con la dramatización radiofónica de Halloween que hizo Orson Welles el 30 de octubre de 1938 de “La guerra de los mundos” de H. G. Wells. La audiencia creyó que las imágenes y los testimonios incluidos en el documental eran ciertos, que realmente Colin McKenzie era un pionero en el cine y el inventor del cine sonoro y del color. Esto fue posible gracias a que el documental se proyectó ante un público de Nueva Zelanda totalmente ajeno a la verdadera realidad, cuya población creyó que tenía un nuevo héroe nacional. El fenómeno llegó a tal punto que la prensa de Nueva Zelanda propuso que se construyera una estatua de Colin McKenzie. Los días siguientes al estreno, los directores se vieron obligados a aclarar en televisión que el contenido era totalmente ficticio, que no buscaban directamente el escándalo, ni siquiera como forma de promoción, sino jugar con los géneros. Junto con el co-director Costa Botes, Jackson ha reunido uno de los falsos documentales más interesantes del género popularizado por primera vez por “This is Spinal Tap”.

Martin Scorsese

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Martin Scorsese pertenecía a una familia de la clase trabajadora; su padre era planchador de pantalones. De hechos, sus padres sicilianos fueron el tema de su documental “Italianamerican”, y realizaron numerosas apariciones en las películas de su hijo como actores secundarios. Durante varios años, su madre trabajó como la proveedora oficial de comida en todas las producciones de Scorsese, mientras su padre trabajaba en el departamento de vestuario. En la película “Goodfellas”, Scorsese dijo que nadie planchaba cuellos como su padre lo hacía. También cabe aclarar que gracias a sus padres, Scorsese pudo superar la grave adicción a la cocaína que tuvo durante varios años. De hecho durante ese periodo de su vida, su padre se encargo de ayudarlo a salir de varias deudas monetarias que tenía con el banco. Fue en esta misma época que Scorsese realizó “Raging Bull”, película que en ese momento Scorsese consideraba como su última obra cinematográfica. La película no alcanzó ningún éxito de público, pero afianzó nuevamente a Scorsese en el podio de los realizadores más poderosos del panorama norteamericano, a la vez que de los más arriesgados, en pleno momento de crisis, con los estudios radicalizando sus ideas y con los autores en estado de sospecha tras los fracasos de directores como Michael Cimino y Francis Ford Coppola. Recuperado por tanto de sus adicciones, Scorsese empezó la nueva década con una película votada la mejor de la década de 1980, por la revista británica Sight and Sound.

Terry Gilliam

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No pensó en el cine como en algo más que entretenimiento hasta los 14 o 15 años, al ver una película de Kubrick (Palacio de Gloria) durante una de las sesiones de sábado matinée en los cines locales. Viendo este filme sobre la injusticia y la absurdidad de la guerra, descubrió que las películas podían ser algo más que mero entretenimiento, que el cine tenía poder, algo que decir y que valía la pena escuchar; una auténtica epifanía para el joven Gilliam. Sentía una especial admiración por Méliès, por su tendencia a crear un cine similar a un “juego”, introduciendo recursos para engañar al espectador. De alguna forma se sentía identificado con su trabajo. También sentía una gran afición por el dibujo, y una especial admiración hacia Disney, sobre todo por sus parques temáticos, por poseer un mundo propio con sus propias jerarquías y serie de normas. Leía muchos cómics, le gustaban las ilustraciones clásicas, las caricaturas y tiras cómicas de los periódicos. Entre sus preferencias destacaba especialmente la publicación MAD, un cómic por aquel entonces, que se volvería MAD Magazine unos años después con tal de sortear el Comics Code (1954), fruto de aquel período de revolución contracultural estadounidense germinado durante los años 50 que culminaría con la nueva visión socio-política de los años 60. Este cómic le marcaría de por vida, dando forma al particular imaginario y estilo humorístico, satírico y sarcástico de Terry Gilliam que más adelante incorporó a Monty Python. En esas viñetas, Gilliam descubrió el trabajo de Harvey Kurtzman, cuyo estilo contestatario e irreverente, a la par que fidedigno a la reconstrucción histórica de los eventos mostrados, le serviría como modelo en su trayectoria personal. Como el mismo Gilliam declaró: “Era muy importante para mi que la cosa oliera y apestara correctamente”.

Alfonso Cuarón

74

En el CUEC realizó un cortometraje llamado “Vengeance is mine”; la creencia popular dice que fue expulsado de ésta escuela debido a que el cortometraje estaba en inglés, cosa que resulta falsa. Cuarón no fue expulsado de la institución, sino que él decidió dejarla debido a que no recibió la autorización para que pudiera comercializar su cortometraje. Al poco tiempo comenzó a trabajar como empleado conserje en el Museo Nacional de Arte y luego como asistente de dirección en “Nocaut” (de José Luis García Agraz), entre otros filmes. Dirigió algunos episodios de la serie de suspenso de Televisa, La Hora Marcada. Fue en esta época cuando conoció a Guillermo del Toro). De hecho, Guillermo se acercó a Cuarón y le dijo “Tú te robaste la historia de Stephen King”, Cuarón contestó “Sí”, a lo que Del Toro agregó “¿Y por qué si la historia de King era tan buena, tu episodio es tan malo?”… Fue así como se hicieron amigos.

Ridley Scott

73

Su estilo eleva la importancia de la experiencia sensorial (visual, sonora, auditiva) en un filme. El cine de Scott utiliza a la iluminación, fotografía, creación de ambientes y sincronía con la música y el sonido como “actores” adicionales que contribuyen a la experiencia total del espectador. Esta característica puede ser percibida en los más de 2000 anuncios de televisión que Scott ha dirigido. Sus primeros filmes (especialmente Los duelistas, Alien, y Blade Runner) proporcionan al espectador una experiencia completa donde las escenas son recordadas no solamente por los actores que intervienen o por momentos específicos del guion, sino por el ambiente recreado en ellas. Se le consideró desde entonces como un visionario del cine. Ridley Scott fue el primero en utilizar comercialmente la denominación “Director’s Cut” (‘montaje del director’) para una obra que el director reedita para el público y en la que se aprecian diferencias con la versión estrenada originalmente.

Los hermanos Coen

75

De niños, los hermanos pasaban gran parte de los inviernos viendo la televisión y desarrollaron un interés particular por películas antiguas de variadas procedencias y estilos, como por ejemplo cintas de Federico Fellini, Tarzán o comedias de Jerry Lewis. Mientras cursaba la educación primaria, Ethan empezó a escribir y demostró su capacidad temprana para el humor en una obra acerca del Rey Arturo. Los hermanos incluso comenzaron a escribir un diario titulado “The Flag Street Sentinel”, que vendían a dos centavos por copia y duró solo dos ediciones. Joel describió sus vidas durante esos años como «increíblemente mundanas». A pesar de dormir en la misma habitación, ambos hermanos no pasaban mucho tiempo juntos y en ciertas épocas asistían a diferentes escuelas. Ya durante su adolescencia, un amigo de los Coen llamado Ron Neter (quien más tarde se volvió productor) tuvo la idea de comprar una cámara para combatir el aburrimiento. Joel utilizó el dinero que ganaba cortando césped para comprar una Vivitar Super-8 usada. Poco tiempo después, los Coen comenzaron a realizar sus propios ramakes y películas propias de forma casera, incluyendo una titulada “Henry Kissinger: Man on the Go”. Uno de sus vecinos y amigo de la niñez, Mark Zimering  (conocido por los Coen como Zeimers) participaba como actor en las primeras producciones de los hermanos, como Zeimers in Zambezi (1970) (basada en The Naked Prey (1965) y Lumberjacks at Play (1971). Sus inicios en la industria del cine se remontan a principios de los años 1980, cuando Joel trabajaba como asistente de montaje en películas de terror de bajo presupuesto e Ethan colaboraba como guionista en la serie policiaca Cagney & Lacey. De hecho, Joel Coen fue asistente de montaje en The Evil Dead.

Woody Allen

76

Al principio de su carrera, los títulos de sus primeros trabajos sufrían con frecuencia cambios absurdos al ser estrenados fuera de su país. Destaca sobre todo su película de 1975, “Love and Death”, traducida en España con el título de “La última noche de Boris Grushenko”. España no era el único país en que esto ocurría. La película ‘El dormilón’ fue traducida en Francia con el nombre de “Woody y los robots” mientras que en Alemania se estrenó “Annie Hall” con el nombre de “El neurótico urbano”. Estos son solo algunos de los ejemplos que le llevaron a Woody Allen a incluir una cláusula especial en su contrato con la United Artist con la finalidad de evitar cualquier cambio en los títulos de sus obras cuando fuesen estrenadas en el extranjero. Otra curiosidad de Woody Allen es que el presupuesto medio de sus películas está fijado en unos 20 millones de dólares, una cifra ínfima en comparación con las titánicas inversiones de muchos filmes de actualidad, algunos de ellos causa de auténticas quiebras millonarias. Cuando el director neoyorkino se ha extralimitado del presupuesto asignado, la productora se ha limitado a descontarlo directamente de su sueldo. Woody Allen, quien cobra como director, guionista y, en su caso, como actor, percibe el sueldo marcado por el sindicato y un porcentaje de los ingresos en taquilla.

Jean-Luc Godard

77

Tras el estreno de Week End en 1967, y después de divorciarse de Anna Karina y casarse con la entonces estudiante anarquista Anne Wiazemsky, Godard decidió poner su cine al servicio del movimiento revolucionario que eclosionaba con el Mayo francés y, adherido a la ideología maoísta, abandonó sus métodos de trabajo anteriores. En mayo de 1968 el Festival de Cannes fue suspendido por la interrupción de las proyecciones que hicieron Godard, François Truffaut, Polanski y otros cineastas, en apoyo y solidaridad al movimiento estudiantil y obrero del Mayo francés. Ese año también dirigió One plus One, más tarde titulado Sympathy for the Devil, un documental que no sólo muestra cómo los Rolling Stones van dando forma a esta canción paso a paso, sino que también es un relato simultáneo de dos o tres discursos políticos y estéticos revolucionarios. Con el fin de diluir la propia autoría en un colectivo cinematográfico miliante, creó el Grupo Dziga-Vertov, como homenaje al cineasta soviético Dziga Vertov junto al estudiante de Filosofía Jean-Pierre Gorin, la actriz Juliet Berto y la propia Wiazemsky, entre otros, y muchos de sus filmes, que comenzaría a rodar en 16 mm, se nutrirían de influencias del cine de propaganda soviético. En sus propias palabras, eran «películas revolucionarias para audiencias revolucionarias» y se caracterizaron por una gran desconfianza en las imágenes «bellas», en beneficio de un sonido por veces hipertrofiado, y por un discurso netamente marxista, abandonando las historias de ficción para mostrar ensayos fílmicos de gran radicalidad.

John Cassavetes

78

En 1954, Cassavetes se casó con la actriz Gena Rowlands, nacida en 1930, con la que trabajaría toda su vida, a poco de conocerla. Como señala su gran biógrafo, R. Carney, eran dos personas de carácter y de orígenes sociales muy diferentes (ella procedía de familia adinerada); ambos eran conflictivos y de valía; parte de sus vidas se reflejará en los filmes de John. Hacia 1956, comenzó a enseñar el “método” en talleres en Nueva York. Un ejercicio de improvisación le dio la idea para lanzarse a su primer largometraje, “Shadows” (1959). Cassavetes obtuvo los fondos de su familia y de sus amigos, así como del programa de radio Night People. Cassavetes fue incapaz de conseguir que ninguna distribuidora norteamericana lanzase Shadows, así que probó fortuna en Europa, donde consiguió el premio de la crítica en el Festival de Venecia. Los distribuidores europeos llevaron posteriormente la película a los Estados Unidos como si se tratara de una importación. Suele malinterpretarse el papel de la improvisación en las películas de Cassavetes. Sus filmes, con excepción de la primera versión de Shadows, tenían un sólido guion. Sin embargo Cassavetes permitía a sus actores llevar sus propias interpretaciones de los personajes a la escena. La escena en general estaba escrita, pero la actuación obviamente no. Cassavetes también era receptivo a la hora de tomar una nueva dirección, si el actor así se lo sugería.

Steven Spielberg

80

Durante su adolescencia, Spielberg se hizo aficionado a realizar películas de 8 mm con sus amigos. El primer corto lo rodó en el restaurante Pinnacle Peak Patio, en Scottsdale. En la película se incluía la escenificación de los restos de un accidente de tren preparado con su maqueta Lionel, LLC. En 1958, se convirtió en Scout y, para obtener la insignia del mérito, realizó un corto de 8 mm, de nueve minutos de duración, denominado “The Final Duel”.  Spielberg recordaba años más tarde en una entrevista el hecho: “Pedí al jefe de exploradores si podía contar una historia con la cámara de cine de mi padre. Dijo que sí, y yo tenía la idea de realizar un western. Lo hice y obtuve mi insignia de mérito. Así fue como empezó todo”. A los trece años, Spielberg ganó un premio por una película de guerra de 40 minutos llamada “Escape to Nowhere”, que se basaba en una batalla en el este de África. En 1964, a los dieciséis años, Spielberg escribió y dirigió su primera película independiente, una aventura de ciencia ficción de 130 minutos llamada “Firelight” (que más tarde inspiraría a Close Encounters of the Third Kind). La película, que contó con un presupuesto de 500 dólares, se proyectó en el cine local y logró recolectar 501 dólares, lo que generó una ganancia de un dólar.10 También hizo varias películas sobre la Segunda Guerra Mundial, inspiradas en historias de guerra contadas por su padre.

Walt Disney

79

Disney e Iwerks (quien acortó su nombre a Ub Iwerks) fundaron una compañía llamada «Iwerks-Disney Commercial Artists» en enero de 1920. Por desgracia no consiguieron demasiados clientes, y finalmente tuvieron que abandonar. Ambos fueron contratados por la empresa Kansas City Film Ad, en la que trabajaron en anuncios, realizados con primitivas técnicas de animación, para los cines locales. Disney estaba fascinado por las posibilidades de la animación. Pasó varios días en la biblioteca pública de Kansas City hojeando libros de anatomía y mecánica. Leyó también un libro de Eadweard Muybridge acerca de la animación. Aprovechó su tiempo en Film Ad experimentando con animación y técnicas cinematográficas. Incluso tomó prestada una de las cámaras de la empresa para experimentar en casa. Después de dos años en Film Ad, Disney creyó que había adquirido la experiencia suficiente como para emprender un nuevo negocio por su cuenta. En 1922 fundó la empresa Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada a realizar cortometrajes animados basados en cuentos de hadas populares y relatos para niños, como Cenicienta o El gato con botas. Entre sus empleados estaban Iwerks, Hugh Harman, Rudolph Ising, Carmen Maxwell, y Friz Freleng. Los cortos se hicieron famosos en la zona de Kansas City, pero sus gastos de producción excedían a los ingresos que proporcionaban. Tras crear su último corto —la mezcla de acción real y animación Alice’s Wonderland—, el estudio se declaró en bancarrota en junio de 1923. Disney decidió entonces trasladarse al floreciente centro de la industria cinematográfica, Hollywood. Vendió su cámara y obtuvo el dinero suficiente para un viaje de ida en tren a California. Dejó atrás a sus amigos y antiguos empleados, pero se llevó con él la película de Alice’s Wonderland.

Editor: Jonás Axel

Fuente: DeCine21, Disney Studio, Greatest Filmmakers of all time, Muy Insteresante, Tras la cámara, La Voz en Off, Wikipedia, El País, Biografías y vidas, 35Milímetros.

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