FILM LESSONS: 15 CONSEJOS DE MARTIN SCORSESE PARA HACER CINE

Martin Scorcese conoce el arte del cine por dentro y por fuera. Pocos directores exploran géneros diferentes de la manera como lo hace Scorcese, que van desde “Goodfellas” hasta adaptaciones de periodos como “The Age of Innocence”.

Él es uno de los directores más conscientes de sí mismo y de su alrededor y sin duda le queda mucha vida a su carrera, por lo que su asesoramiento no debe ser ignorado. Sus películas han ganado 75 nominaciones al Oscar consiguiendo 20 victorias. Aquí están 15 consejos de cine del hombre proclamado por Roger Ebert como “The American Fellini.”

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  1. Como espectador, creo que cuando son más personales, las películas duran más. Puedes verlas una y mil veces, mientras que con un filme más comercial, quizás te aburras a los dos visionados.
  2. El cineasta tiene la obligación de contar la historia que quiere contar, lo que implica que hay que saber de qué diablos estás hablando. Cómo mínimo, tienes que conocer los sentimientos, las emociones que estás intentando transmitir. Eso no quiere decir no puedas explorar, pero sólo puedes hacerlo en el contexto donde se sitúa la historia.
  3. Tal vez descubras que el gran problema de los cineastas jóvenes es que no tienen nada que decir e, invariablemente, que sus películas son poco claras o muy convencionales, o están dirigidas a un mercado bastante comercial. Así que me parece que lo primero que uno tiene que preguntar si quiere hacer una película es: ¿Tengo algo que decir? Y no tiene por qué ser algo literal que pueda expresarse con palabras. A veces, quieres comunicar simplemente un sentimiento, una emoción. Con eso basta. Y, créeme, ya resulta bastante difícil.
  4. Considero que distinguir entre os directores, por una pare, y los cineastas, por otra. Lo directores –y pueden sobresalir en su trabajo- son gente que sólo interpreta el guión, que simplemente lo convierte en imágenes a partir de las palabras. En cambio, los cineastas son capaces de adoptar el material de otra persona y conseguir que, a pesar de todo, se entrevea una visión personal.
  5. Hay que saber adónde vas y hay que tenerlo plasmado en papel. El guión es lo más importante, aunque tampoco hay que convertirse en un esclavo del guión, porque si el guión lo es todo, simplemente te pones a fotografiar el guión. El guión no lo es todo; lo que es todo es la interpretación, la interpretación visual de lo que tienes en papel.
  6. La principal lección sobre la cinematografía que he aprendido es que consiste en una tensión entre saber exactamente lo que quieres y ser capaz de cambiarlo en función de las circunstancias o sacar partido de algo más interesante.
  7. Trata a todos por igual en el set de filmación.
  8. Elaborar un plan de rodaje teórico incluye la ubicación de la cámara y decisiones sobre quién aparece en el fotograma y quién no.
  9. Si desconoces la historia a contar ve y experiméntala.
  10. Tienes que saber lo que es importante, lo que no puede cambiarse y debes luchar por ello. Pero no hay que tozudo, no debes negarte a todo lo que genere un cambio, porque si lo haces, no permites que se perciba la vida que existe alrededor de la cámara y del plató. Y eso se nota en la película.
  11. ¿Existe una gramática en la cinematografía, igual que existe una gramática en la literatura? Bueno, claro que la hay, y nos la han dado en dos ocasiones. Como dijo Jena-Luc Godard, hemos tenidos profesores importantes en la historia del cine: D.W. Griffith, en el ámbito del cine mudo, y Orson Welles, en el ámbito sonoro. Así que, por supuesto, existen reglas básicas. Pero, incluso hoy, la gente sigue batallando con nuevas formas de contar de historias mediante el cine y siguen usando las mismas herramientas (planos de apertura, planos medios, planos cerrados), aunque no necesariamente con el mismo propósito. Y la yuxtaposición de esos planos en el proceso de montaje es lo que está creando nuevas emociones, o dicho de forma más precisa, una nueva manera de comunicar al público determinados sentimientos. En muchos sentidos, la gramática del cine está a disposición de todos. Cualquiera puede probar una nueva manera de yuxtaponer planos para contar una historia.
  12. Con frecuencia, me parece que mucha gente que no sabe realmente cómo rodar, simplemente se limita a colocar a dos personas en la lejanía, las hace caminar hacia la cámara y lo filma con un objetivo largo. Así puede conseguirse fácilmente, pero, en mi opinión, siempre parece que a la imagen le falta un rumbo.
  13. En realidad, la dirección de actores no entraña ningún secreto. Me refiero a que depende del director. Algunos directores consiguen grandes interpretaciones con actores, aun siendo muy fríos con ellos, muy exigentes e, incluso, desagradables en ocasiones. Personalmente, me tienen que gustar los actores con los que estoy trabajando y trato de darles toda la libertad posible para que las escenas cobren vida.
  14. Algunos directores hacen películas exclusivamente para el público. Otros, como Steven Spielberg o Alfred Hitchcock, las hacen para el público y para ellos mismos. En cuanto a mí, bueno, yo hago películas para mí.
  15. Hay muchos tipos distintos de errores que creo que un director debe evitar a toda costa. El primero que me viene a la mente es la redundancia: hacer ver el tema de la película una y otra vez, ya sea de manera emocional o intelectual.

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Editor: Jonás Axel

Texto de introducción: Angéla Rodriguéz

Texto: Laurent Tirard

Fuente: Lecciones de cine

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