CINEFACTOS: CURIOSIDADES Y ANÉCDOTAS DE 20 DIRECTORES DE CULTO VOL. III

A inicios de años en las redes sociales de Film Fellas Club hicimos una recopilación de curiosidades para celebrar el cumpleaños de 40 directores que celebraban su nacimiento dentro de los meses de Enero a Mayo. A continuación les presentamos la tercera parte de esta recopilación pero que en esta ocasión se centra en los directores que cumplieron años en los meses que van de Junio-Septiembre. Esperemos y la disfruten, ya que muy pronto presentaremos el vol. 4 y 5, y como siempre los invitamos a que sigan los hipervínculos para conocer más acerca de estos directores.

Ken Loach

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Reconocido cineasta británico y maestro del realismo social, ha decidido colgar en youtube su filmografía para que los usuarios puedan disfrutarla de forma gratuita. Sixteen Films, su productora, ha gestionado un canal en el portal de vídeo en el que pueden encontrarse sus títulos más famosos. Pero lejos de colgar sólo sus primeros títulos, Ken Loach ha incluido en su canal otras cintas como ‘Sólo un beso’ (2004), que recibió el Premio del Jurado Festival de Cine de Berlín, fue elegida Mejor película Europea Premios César y se llevó el Premio del Público Festival de Valladolid. Otras como ‘Agenda oculta’ (1990) -un thriller político que ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes- y ‘Riff Raff’ (1991) -también ganadora del premio, reflejando la realidad de la clase obrera en el Reino Unido-, completan este repaso gratuito por su filmografía.

Robert Rodríguez

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En 2015, Rodríguez realizó el filme “100 Years: The Movie You Will Never See”, una obra de ciencia ficción, escrita y protagonizada por John Malkovich, la cual será estrenada el 18 de noviembre de 2115. El argumento de la misma es desconocido, no obstante se publicaron en noviembre de 2015 tres teaser trailers, cada uno con una visión diferente del año 2115. Una que muestra un futuro distópico en una Tierra en ruinas y abandonada, otra con una urbanización extremadamente avanzada tecnológicamente, y la tercera en medio de una invasión donde los ciborg se han hecho con el control del planeta, aunque las tres visiones se desarrollan con las mismas acciones y diálogos. Para evitar posibles filtraciones, la película fue almacenada (junto a una botella de Louis XIII, el patrocinador del filme) en una caja fuerte especial con un cierre temporal que se abrirá automáticamente el 18 de noviembre de 2115, día en el que se cumplirán 100 años de la finalización de su producción. Para tal evento, se enviaron mil entradas para el preestreno de la misma en esa fecha a mil personas alrededor de todo el mundo, con el propósito de que éstas sean legadas y sean sus futuros descendientes los que puedan visionarla en una presentación exclusiva que se celebrará en el Domaine du Grollet en Cognac, Francia.

Billy Wilder

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Escribió 60 guiones durante su carrera y dirigió 26 películas, siendo nominado en 21 ocasiones a los Óscars. Las 6 estatuillas conseguidas por este maestro del cine fueron: “El apartamento” (mejor guión original, mejor película y mejor director); “Días sin huella” (mejor director y mejor guión adaptado); y “El Crepúsculo de los Dioses” (mejor guión adaptado). Dirigió su última película en 1981, “Aquí, un amigo” (Buddy Buddy). Murió 21 años más tarde, a la edad de 95 años en su residencia de Beverly Hills. Además de una magnífica filmografía y un estilo único para hacer cine, Billy Wilder nos dejó también algunas frases memorables: “Lo más importante es tener un buen guión. Los cineastas no son alquimistas; no se puede convertir un excremento de gallina en chocolate”.

Paul Thomas Anderson

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Para filmar “The Master”, Anderson eligió el 70mm, un formato que no era ya utilizado en el medio cinematográfico. En los años 60, sirvió para numerosas películas como “Lawrence de Arabia” (1962) de David Lean o “2001: Una Odisea del Espacio” (1968) de Stanley Kubrick. Al principio, Paul Thomas Anderson no pensaba rodarlo en 70mm, pero después de diferentes pruebas, se convenció: “Este formato da una imagen de una nitidez fantástica (…) Los objetos parecían antiguos sin dar el aire de ser caducos o de formar parte de una reconstrucción de época”, explica. Si esto no fuera suficiente, Paul Thomas Anderson quería que la copia del trabajo coincidiese con el corte de Avid, así que sus editores tuvieron que montar la película a mano para que coincidiera con la edición digital.

J.J. Abrams

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Cuando era pequeño, su mayor ídolo no era un músico o un actor, sino el artista de maquillaje Dick Smith, conocido por su trabajo en El padrino o El exorcista. Un día estaba esperando a que su padre llegase al aeropuerto cuando reconoció a Smith y se armó de valor para ir a saludarle. Su ídolo fue muy amable y le regaló una copia autografiada de la revista Cinefantastique donde salía en portada. Además de esto, cabe mencionar que el primer trabajo de J.J.Abrams fue como compositor del filme de Don Dohler, “Nacido en la noche”. Tenía sólo 16 años. Es posible que el talento le venga de familia, ya que su padre es un productor de televisión, su madre es productora ejecutiva y su hermana es guionista.

Krzystof Kieslowski

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Cuando era niño, Kieslowski, quería ser bombero. De hecho, poco después de finalizar el primer ciclo de estudios, ingresó en la escuela de bomberos pero algunos meses más tarde la abandonó con la intención de volver a estudiar. En 1957, se inscribió en la Escuela de Cine y Teatro de Łódź. A fines de los años 1980, realizó para la televisión una de sus obras más importantes: Decálogo, un filme basad en la estructura de los Diez Mandamientos. Al respecto de la obra, Kieslowski dijo en una entrevista: “Yo no creo en Dios, pero mantengo una buena relación con él”. Este comentario improvisado típico e irónico con el tema de su fe, desmiente la absoluta seriedad con la cual Kieslowski investiga el asunto de Dios y la existencia humana ante Dios, de la fe y la esperanza, así como de la ética cristiana, en su serie El Decálogo.

Ingmar Bergman

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Con genuina curiosidad profesional, Ingmar Bergman llegó un día a examinar uno de los tres modelos utilizados para dar vida a Bruce, el tiburón de la película que hizo célebre a Spielberg. La foto fue tomada en el back lot del estudio de cine Universal meses después del rodaje, cuando la película ya se había convertido en un gran éxito, por el fotógrafo John Bryson, especialista en retratar celebridades. La dedicatoria, que se puede leer bajo las fauces del escualo, dice: “To Ingmar from his admirer John Bryson”, es decir, “Para Ingmar, de su admirador John Bryson” La foto pertenecía a la colección personal de Bergman y tras su muerte fue vendida en una subasta. ¿Es posible que existiese una afinidad entre dos artistas tan distintos? En 2002, Berman le contó al crítico de cine Jan Aghed: “Entre los directores actuales, estoy por supuesto, impresionado por Spielberg y Scorsese, y por Coppola, aunque parece haber dejado de hacer películas, y por Soderbergh, todos ellos tienen algo que decir, son apasionados, tiene una actitud idealista respecto al proceso cienmatográfico.” Por su parte, Spielberg ha dicho, con respecto a Bergman “Siempre lo he admirado, y me gustaría ser tan buen director como él, pero sé que eso nunca va a ocurrir. Su amor por el cine casi me hace sentir culpable.”

Wong Kar-wai

48Nacido en Shanghái, emigró a los cinco años a Hong Kong. Proveniente de la China Continental y hablando sólo mandarín y dialecto shanghainés, pasó por un difícil periodo de adaptación al cantonés que se habla en Hong Kong, por lo que pasaría horas en los cines junto a su madre. Después de graduarse de la Universidad Politécnica de Hong Kong como diseñador gráfico en 1980, se enroló en el Curso de Capacitación en Producción organizado por la Television Broadcasts Limited (TVB) de Hong Kong y se volvió guionista de televisión a tiempo completo. A mediados de los 80, trabajó como guionista/director para The Wing Scope Co. y para la In-gear Film Production Company, las casas productoras del destacado actor/productor Alan Tang. El actual estilo artístico y nostálgico de Wong tomó forma durante su aprendizaje con Alan Tang Kwong-Wing, quien invertiría en la primera película dirigida por Wong, As Tears Go By (1988). La carrera de Wong despegó cuando dirigió “Días salvajes” (1990), a pesar de perder millones de dólares invertidos por Alan Tang.

Bela Tarr

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Tarr empezó a percatarse de su interés por la dirección cinematográfica con 16 años al realizar algunas películas de aficionados y, un poco más tarde, cuando trabajaba como conserje en la Casa de Cultura y Ocio nacional. La mayoría de sus primeros filmes fueron documentales, abordaban especialmente la vida de trabajadores y gente humilde o pobre de la Hungría urbana. Estos trabajos llamaron la atención de los Béla Balázs Studios (así llamados en honor al húngaro teórico del cine, Béla Balázs). Estos Estudios de cine, lo lanzaron en 1977 con su primer film, “Családi tűzfészek” (Nido familiar), cuando contaba con 22 años. Era en blanco y negro, como todo su cine. Tarr filmó la película en seis días, sin presupuesto, con actores no profesionales (participaron sólo por amistad y sin cobrar nada) en localizaciones muy originales. La película era fiel a los llamados “documentalistas” de la Escuela de Budapest, un estilo muy en boga en el momento en los Estudios Béla Balázs, alineándose con la corriente del socialismo-realismo en las pantallas. Varios de sus críticos encontraron influencias de John Cassavetes en este documental-ficción, aunque Tarr negó haber visto ninguna película de Cassavetes antes de haber rodado el filme.

Stanley Kubrick

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Durante el rodaje de “2001, Una odisea del espacio”, Kubrick estaba angustiado ante la posibilidad real de que los extraterrestres llegasen a la Tierra. Su miedo no era a los extraterrestres sino al hecho de que el primer contacto se produjese antes de que se estrenase su película. Además de esto, el director de arte, Ken Adam, pidió asesoramiento al famoso Stanley Kubrick sobre cómo iluminar el nuevo plató “007 Stage” que se estaba construyendo para la ocasión. Tras su reticencia inicial para evitar ser el centro de los chismes de Hollywood, Kubrick accedió a ir con Ken Adam en secreto a los Estudios Pinewood un domingo sin que nadie les viera. Y así fue como Kubrick estuvo vinculado a una producción del agente 007.

Felipe Cazals

Alfonso Cuarón y Felipe Cazals

Con motivo de la celebración de 40 años del estreno de la película “Canoa”, los cineastas Felipe Cazals y Alfonso Cuarón se reencontraron en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) del 2016, para establecer una charla sobre la importancia de esta historia en el cine nacional. Desde el Teatro Diana, el director de “Gravity” (2013) afirmó que el cine mexicano y sus generaciones, en particular las más jóvenes,  tienen una deuda muy grande con Felipe Cazals. “En mi caso particular, por Canoa porque fue un parteaguas en mi formación. Me confrontó con un cine mexicano que no conocía”. Tras la proyección especial Cazals y Cuarón iniciaron una plática para recordar las peripecias del rodaje de la cinta y la influencia que ésta ha tenido en los jóvenes desde su exitoso estreno en el antiguo Cine Roble. El realizador recordó que Canoa se estrenó cuando José López Portillo fue elegido como presidente del único partido. “En diciembre de ese mismo año Canoa ya estaba en cartelera y de alguna manera no cuadraba con el presidente único. La tragedia de Canoa seguía insistiendo que las cosas no estaban bien. No había posibilidad de discutir, ni existir justicia”, agregó.

Christopher Nolan

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Al igual que Steve Jobs, Christopher Nolan lleva casi la misma ropa cada día para no gastar energía eligiendo qué ponerse. Su uniforme es una chaqueta oscura sobre una camisa de vestir azul, unos pantalones negros resistentes y unos zapatos cómodos. Cuando hace frío, Nolan se pone un chaleco con el último botón sin abrochar. Además de esto, antes de que comience el rodaje de cada película, Nolan pasa dos semanas escribiendo la idea original con la vieja máquina de escribir de su padre.

Kevin Smith

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Fue co-productor ejecutivo para la película “El indomable Will Hunting” en 1998 ayudando a sus amigos Matt Damon y Ben Affleck a realizar su película y con el marketing de la misma. Después Damon y Affleck recibieron un premio de la academia por su guion, aunque los críticos alegan que Kevin fue el responsable del mismo, rumor que niega vehementemente. En “Jay & Silent Bob strike back” hay una referencia al hecho de que Smith les haya ayudado a promocionar el film. Cabe mencionar que, Smith también ha escrito también guiones de comic para Daredevil o Green Arrow. Escribió también un guioó para una película nueva de Superman, pero le hicieron dejar el proyecto cuando se rehusó a poner una idea del productor ejecutivo, la cual incluía un combate entre Superman y una araña gigante.

Alfred Hithcock

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En 1945 Alfred Hitchcock tuvo que explicar una de las reglas no escritas de Hollywood a Salvador Dalí: No, usted no puede verter hormigas vivas en Ingrid Bergman! Hitchcock se había acercado a Dalí en busca de ayuda con una secuencia de sueño en su próximo thriller, Spellbound, protagonizada por Bergman y Gregory Peck. El resultado fue, una de las secuencias más recordadas del cine y de vanguardia para su época. Pero no todo fue color de rosas, y la secuencia que originalmente iba a ocupar unos 20 minutos del film fue reducida, pero la magia quedo plasmada aun asi… Dos mentes enormes al servicio del cine, nada puede fallar. La escena clave en lo que al psicoanálisis se refiere, sería la famosa secuencia del sueño del personaje de Peck. Hitchcock y Hecht se las arreglaron para convencer a Selznick que contratara a Salvador Dalí para que realizara una serie de pinturas cuyas imágenes serían utilizadas para retratar el aproblemado inconsciente del protagonista. Aunque Selznick pensó que Hitchcock le pedía esto para obtener algo de publicidad extra, en si Alfred no estaba contento con la falta de claridad de las secuencias oníricas de Hollywood. “Quería transmitir el sueño con gran nitidez y claridad visual-más aguda que la película en sí”, recordó Hitchcock en su entrevista de 1962 con François Truffaut. “Quería Dali debido a la nitidez de su obra arquitectónica”. Pero las extrañas ideas surrealistas de Dalí, algunas de las cuales derivaban de “Un chien andalou” (1929) y “La Edad de Oro” (1930), los films que había diseñado en Paris con Luis Buñuel, llegaron a extremos desmesurados sobrepasando lo esperado por el productor e incluso el director.

Wim Wenders

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En 1985, había rodado una película singular, Tokio-Ga, sobre la vida del director japonés Yazujiro Ozu, el director con el que, dijo, más había aprendido en su vida. También rodó en Portugal, entre otros lugares, donde conoció al director Raúl Ruiz, e hizo films-homenaje a Michelangelo Antonioni y Nicholas Ray. En 1998 filmó, con un grupo reducido, “Buena Vista Social Club”, sobre un grupo de olvidados pero legendarios músicos cubanos, cuyas edades oscilaban entre los 60 y 80 años. Este documental registra el regreso a Cuba del músico estadounidense Ry Cooder, momento en el que se reúne con el vocalista cubano Ibrahim Ferrer y el resto de los músicos para grabar un álbum.

James Cameron

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El director, concibió la historia de “The Terminator” mientras estaba en Roma. De hecho se rumora, tuvo la idea debido a una pesadilla producida por la fiebre. En ella veía a un robot envuelto en una bola de fuego que lo perseguía para matarlo. Él le vendió los derechos a la productora Gale Anne Hurd, por sólo un dólar, a condición de que él mismo dirigiera la película. Terminator se convirtió en uno de sus mayores éxitos internacionales. En un principio Cameron no estaba interesado en trabajar con Arnold Schwarzenegger, a quien solo conocía por ‘Conan’ y lo consideraba un mal actor. Una cena con el antiguo culturista le hizo cambiar de opinión. Fue el propio Schwarzenegger quien, tras leer el guión le pidió a James Cameron interpretar el papel de villano, pues en un principio se pensó en él para dar vida al bueno de la película mientras que Lance Henriksen, actor fetiche de Cameron, había sido pensado para interpretar a Terminator.

Roman Polanski

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Por sus ancestros judíos, experimentó en carne propia los males de la Segunda Guerra Mundial ya que poco antes de dar comienzo el conflicto se mudó con sus padres de París a Cracovia (Polonia), creyendo que allí estarían más seguros; e instalarse en Polonia se convirtió en la primera, de muchas, desgracias de su vida. Durante la guerra perdió a su madre —católica, pero “clasificada racialmente” como judía por parte de padre— en el campo de concentración de Auschwitz, en algún momento de 1943, junto a otros familiares. Su padre pese a que estuvo también recluido dos años en el campo de concentración de Mauthausen-Gusen sobrevivió, convirtiéndose en uno de los pocos supervivientes polacos del Holocausto. Durante la guerra, Polanski sobrevivió al gueto de Cracovia y luego, tras vivir como un mendigo en la calle, logró escapar de los nazis haciéndose pasar por hijo católico en familias de acogida, primero los Wilk, en Cracovia, luego los Putek y los Buchala, en el pueblo de Wysoka, a partir de julio de 1943 y hasta la liberación por el Ejército Soviético en enero de 1945, tal y como relató el cineasta en sus memorias.

Werner Herzog

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Hasta la actualidad, Fitzcarraldo es considerada la película más notable en la historia de la Amazonía peruana e Iquitos, y también una de las mejores, según Herzog. La producción de la película fue realizada con muchas dificultades enteramente en la Amazonía peruana. Durante el rodaje había conflictos debido a las limitaciones técnicas, la tensión entre las culturas de la producción y los indios locales, y una incipiente enemistad entre Kinski y Herzog. Originalmente, la película tenía un elenco diferente, que incluía a Jason Robards y a Mick Jagger (de The Rolling Stones); pero Robards cayó enfermo de disentería y no pudo volver al rodaje. Todo lo que pasa es real; construcción a escala real de 2 barcos de 320 toneladas,  subida por la colina sin efectos especiales, los nativos quebrándose la espalda, el barco haciéndose pedazos por los rápidos, el fermentado y blanquecino brebaje que Klaus kinski (Fitzcarraldo) se traga, el destrozo de las localizaciones en pleno amazonas. Este film estuvo cargado de peligros hacia los protagonistas, tres de los cuales resultaron heridos.

Pedro Almodóvar

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Junto a su hermano Agustín Almodóvar, fundó la compañía El Deseo, en 1985. Ambos han producido todas sus películas y también a otros realizadores españoles y latinoamericanos como Alex de la Iglesia, Guillermo del Toro, Daniel Calparsoro, Andrés Wood, Mónica Laguna, Isabel Coixet, Lucrecia Martel, Dunia Ayaso y Félix Sabroso, Belén Macías, Miguel Gonçalves Mendes. Además de esto, Almodóvar es un personaje polifacético que ha escrito libros y que junto a Fabio McNamara formaron el dúo musical Almodóvar y McNamara, uno de los más míticos de la movida madrileña de los años 80. Ambos aparecen en la película Laberinto de pasiones.

Michelangelo Antonioni

Blow Up fue la primera película realizada por Antonioni fuera de Italia. Atraído por el movimiento del “Free Cinema” británico, con muchas similitudes con su cine, comenzó en Londres su particular travesía anglosajona con esta libre adaptación del relato “Las Babas del Diablo” del escritor argentino Julio Cortázar, a quien se le pago 4.000 dólares por los derechos del relato; finalmente la película se convirtió en el mayor éxito comercial y de crítica de Antonioni, recaudando 25 millones de dólares. Además fue admirado en todo el mundo, y especialmente en Japón y en Francia: fue entrevistado notablemente por Jean-Luc Godard, y Roland Barthes escribió un artículo sobre él en 1980, “Querido Antonioni”, que el cineasta agradeció. Y si esto no fuera suficiente, Ingmar Bergman y Michelangelo Antonioni, dos de los más importantes cineastas del siglo XX, murieron el mismo día: el 30 de Julio de 2007. Cabe decir que ambos cineastas admiraban la obra del otro.

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Editor: Jonás Axel

Fuente: El Economista, Wikipedia, Archivo007, Ecodiario, La filmoteca de San Joan, Datos Freak, Aullidos, El diario de Marko Ramius, Blog de cine, ArchDaily, Taringa, Wikipedia, Open Culture, SensaCine, Voz en off.

 

 

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