FILMOTECA: 10 GRANDES DIRECTORES DEL CINE ALEMÁN

La siguiente lista pretende enumerar a los cineastas alemanes más influyentes de todos los tiempos. Tratándose de la cinematografía alemana, una de las más importantes de siempre, la lista podría incluir más de diez realizadores, sin embargo creemos que hemos listado a los pilares fundamentales desde los inicios del cine mismo, hasta la época contemporánea.

10. Douglas Sirk (1897-1987)

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Claus Detlef Sierck, mejor conocido como Douglas Sirk, fue un cineasta alemán que es considerado como el rey del melodrama por sus imágenes recargadas y detallistas, de exagerada emotividad. Sin embargo, Douglas Sirk era un gran artesano capaz de rodar sólidas cintas en géneros como la comedia, el western y el musical. Triunfó en Alemania y cuando llegó a Hollywood describió mejor que nadie a la clase media estadounidense de la época. Siendo estudiante, trabajó como ayudante del Teatro Alemán de esta ciudad, uno de los más importantes. Fue nombrado director artístico de varios teatros en Bremen y Leipzig, puso en escena obras de Molière, Büchner y Strindberg, también Brecht y otros. Conoció a grandes directores teatrales como Max Reinhardt. Empezó a filmar películas, en 1935, y Detlef Sierck se convirtió en un afamado director alemán de la Ufa, la gran productora alemana, desaparecida tras el auge del nazismo. Hizo siete películas propias, algunas, como las citadas, de importancia en el desarrollo del sonoro y del cine de su país. Estuvo entre 1938 y 1939 en Francia y Holanda, donde trabajó en el cine. Luego llegó a Hollywood en 1939, reclamado por los Warner, que le pedían hacer de nuevo una de sus películas de éxito en Europa. Unos años después, en 1943, dirigió su primer filme estadounidense llamado “Hitler’s Madman”, y empezó a firmar como Douglas Sirk. A pesar del excelente recibimiento, dejó Estados Unidos por problemas de salud, y también porque no se encontraba a gusto en los años de la Caza de Brujas. Como tampoco quería regresar a Alemania, pues consideraba que seguían estando en el poder muchos de los que mandaban durante el nazismo, se instaló en Suiza. Desde entonces dedicó su vida al teatro, y regresó ocasionalmente a la gran pantalla con algún cortometraje.

Filmografía recomendada: Imitación a la vida, Sublime obsesión, La Habanera

9. Robert Wiene (1873-1938)

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Fue un importante director de cine mudo, integrante del Expresionismo Alemán, que al igual que muchos colegas, tuvo que exiliarse fuera en Hungría y París, tras de que el nazismo iniciara una persecución de artistas judíos o afines al judaísmo. Se le reconoce por ser el creador de la primera y más perfecta cinta Expresionista oficial, “Das Cabinet des Dr. Caligari” (1920), que primero había sido encomendada a Fritz Lang, pero que finalmente se ofreció a Wiene por contar con una formación teatral más amplia. La película reúne como ninguna otra los factores primordiales del Expresionismo: bizarros decorados y escenografía con formas puntiagudas, abstractas y caóticas, sombras y encuadres siniestros enfatizando la carga emocional de los personajes, y un brillante guión sirviendo como metáfora de los temores y desesperanza del pueblo alemán, el doctor Caligari representando al gobierno alemán, y su zombie asesino representando al pueblo oprimido.

Filmografía recomendada: El gabinete del Doctor Caligari, Raskolnikow, One Night in Venice

8. Wim Wenders (1945)

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Es un director, guionista, fotógrafo, productor, actor y documentalista, adscrito a la corriente del Nuevo Cine Alemán, con una fructífera carrera que le ha merecido los mayores premios en los Festivales más prestigiosos del mundo como son Venecia, Cannes y Berlín, y en la que además se ha aventurado en el terreno de los comerciales y haciendo videos musicales para Talking Heads y U2. Después de que no logró entrar a la IDHEC, escuela de cine en París, se matriculó en la Universidad de cine y televisión de Munich, donde se entrenó con numerosos cortometrajes. Si bien sus temas son distintos de película a película, puede reconocerse un común denominador visual: la escenificación poética, ambientes que definen el estado anímico de los personajes por encima del drama gratuito o diálogos forzados. Recientemente ha declarado que está comprometido con el cine en 3D.

Filmografía recomendada: El amigo americano, Paris, Texas, Cielo sobre Berlín

7. Ernst Lubitsch (1892-1947)

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Fue un director de cine judío-alemán, nacido en Alemania, naturalizado ya en 1933 estadounidense, a donde había emigrado. Su versatilidad como cineasta fue notable; dominando la comedia, el drama, la tragedia, la farsa o el espectáculo. Estudió Lubitsch en el instituto Sophien de Berlín, pero desde adolescente hizo funciones teatrales. A los 16 años empezó a trabajar como actor (aunque ayudaba a su padre). Es más, sin alcanzar los veinte años, comenzó a actuar en el teatro de Max Reinhardt desde 1911 (el Deutsches Teather); y ya hizo con esa compañía el papel de Wagner del Fausto, que circuló con la compañía por Londres, París y Viena. En 1912 entró en el cine como atrezzista del Bioscope. En 1913 creó un personaje cómico judío para diferentes cortometrajes que escribió y dirigió. Desde 1914 hasta 1922, rodó cerca de cincuenta filmes de distinto metraje. Hizo su primer viaje a Estados Unidos en 1921, y asistió al rodaje de “Las dos huérfanas” de Griffith. En Estados Unidos continuó luego una brillante carrera, tanto en cine mudo como en sonoro, desde 1922. Destacaría especialmente en el género musical, y lo mejor de su obra serán las películas de comedia. Fue supervisor de la Paramount, lo que aprovechó para ofrecer su primera oportunidad a jóvenes promesas que huían de Europa ante el antisemitismo nazi, como Billy Wilder y Otto Preminger. Formó parte del modelo star-system de Hollywood. Una vez en Estados Unidos, se consagró con la llamada comedia refinada de la que se le considera fundador. En este mismo subgénero (dentro de la comedia americana clásica), dirigió la famosa sátira contra la absurda rigidez soviética “Ninotchka” (1940), y más tarde la mordaz sátira antinazi “Ser o no ser” (1943). Su obra se ha caracterizado por un modo irónico especial, el llamado «toque Lubitsch», que usaba no solo para saltarse la censura, sino también para complicar la trama, para divertirse, para hacer ambiguas las situaciones. “Nos hemos quedado sin Lubitsch”, le dijo Billy Wilder a William Wyler en su funeral. “Peor aún, nos hemos quedado sin las películas de Lubitsch”, replicó éste. Por desgracia, tenía razón y ya no se hacen películas como las suyas.

Filmografía recomendada: Ninotchka, Ser o no ser, La viuda alegre

6. Rainer Werner Fassbinder (1945-1982)

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Fue un director, productor, guionista, actor, y uno de los principales representantes de la corriente “Nuevo cine alemán”, activa entre 1962 y 1982. Es conocido por haber desarrollado una prolífica cinematografía en un periodo de tiempo relativamente corto, unas cuarenta películas para cine y televisión en tan sólo 15 años, además de involucrarse en la edición, la fotografía y la música de sus propios trabajos. Su ritmo acelerado y fructífera creatividad hubieran continuado de no ser porque falleció de una sobredosis de barbitúricos a los 37 años, lo que sumado a su ya famoso sórdido estilo de vida, lo convirtió en el director maldito de su generación. Este frenesí estaría incluido en su estilo visual y tematico, que varió de la vanguardia tipo Godard con “Love is colder than death” (1969), al western con “Whity” (1971), al melodrama con “The marriage of María Braun” (1979), sólo por mencionar algunos ejemplos de su destreza.

Filmografía recomendada: Las amargas lágrimas de Petra von Kant, Todos nos llamamos Alí, El matrimonio de María Braun

5. Leni Riefenstahl (1902-2003)

Leni Riefenstahl bei Dreharbeiten

Fue una actriz, fotógrafa y cineasta alemana, célebre por sus producciones propagandísticas del régimen de la Alemania nazi. Nacida en el seno de una familia luterana protestante, se crió junto a su hermano Heinz, quien más tarde murió en la Segunda Guerra Mundial. Una artista y nadadora talentosa, se interesó en el baile durante su infancia, tomando clases de baile y participando en interpretaciones por toda Europa. Después de ver un cartel promocional de la película de 1924, Der Berg des Schicksals (La montaña del destino), se sintió inspirada en trabajar como actriz pero fue la película de Eisenstein “El acorazado Potemkin”, la que le hizo decidir dedicar su vida al cine. Poco a poco, arriesgando su persona en escenas difíciles y su dinero en la producción de films, labró una reputación con la que estuvo a punto de llegar a Hollywood. Entre 1925 y 1929, actuó en cinco películas exitosas. En 1932, decidió intentar dirigir con su propia película, llamada La luz azul. En la década de 1930, dirigió El triunfo de la voluntad y Olympia, por las que recibió aclamación mundial. Críticos consideran que son dos de las películas propagandísticas más impresionantes y técnicamente innovadoras que jamás se hayan hecho. Pero, su participación en Triumph des Willens dañaría significativamente su carrera y reputación después de la guerra. La naturaleza exacta de su relación con el líder del partido nazi, Adolf Hitler, sigue siendo tema de debate, aunque se sabe que existió amistad. Fue arrestada al finalizar la guerra, pero clasificada como «compañera de ruta» y no fue asociada con los crímenes de guerra. A lo largo de su vida, negó saber sobre el Holocausto y ganó cerca de cincuenta juicios de difamación. Además de dirigir, escribió una autobiografía y varios libros sobre el pueblo Nuba. Murió de cáncer el 8 de septiembre de 2003, a la edad de 101 años, y fue enterrada en el München Waldfriedhof. Fue elogiada póstumamente por su conjunto de obras y sigue siendo una de las directoras de cine más aclamadas.

Filmografía recomendada: Olympia, El triunfo de la voluntad, La victoria de la fe

4. Fritz Lang (1890-1976)

Fritz Lang bei Dreharbeiten

Aunque en realidad es de nacionalidad austriaca fue un realizador, guionista, productor y actor, perteneciente a la corriente alemana de Cine Expresionista, que también desarrolló su carrera en la creciente industria norteamericana, trasladando elementos del Expresionismo para fundar junto con otros directores migrantes, las bases del Film Noir. Quizá fue por crecer en un entorno católico de judíos conversos que se interesó en temas como la ambigüedad moral y la angustia de ser, sin dejar de mencionar que sus oscuras películas pudieron ser influidas por su participación en la Primera Guerra Mundial, donde fue herido hasta tres veces. Son dos las películas reconocidas no sólo como sus obras maestras personales, sino del cine mundial: “Metrópolis” (1927), una colosal cinta de ciencia ficción distópica, siendo la película más cara hasta aquella fecha, y que hoy es una de las tres películas consideradas patrimonio de la humanidad por la UNESCO, y “M” (1931), que algunos citan como el primer trabajo Noir oficial.

Filmografía recomendada: Metrópolis, M, el vampiro de Düsseldorf, Dr. Mabuse der Spieler

3. Werner Herzog (1942)

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Es un director, guionista, productor, documentalista y actor que, junto con Fassbinder y Wenders, lidera la generación de la corriente del Nuevo Cine Alemán. Suele considerársele como un autor que se ha desarrollado al margen del cine mainstream, con un enfoque intelectual, y en algunos casos hasta experimental, con películas que rompen la narrativa tradicional como “Fata Morgana” (1971), que parece estar hilada por imágenes azarosas. Aunque sus películas más clasicas han sido igualmente celebradas, en ellas no ha traicionado su vena outsider, retratando personajes fallidos, fracasados o anormales, en ambientes hostiles o adversos, como en su épica “Fitzcarraldo” (1982), o en su más intimista “Stroszeck” (1977). Alguna ocasión el maestro francés Francois Truffaut dijo de él que se trataba del mejor cineasta vivo en el mundo.

Filmografía recomendada: El enigma de Kaspar Hauser, Fitzcarraldo, Mi enemigo íntimo

2. Max Ophüls (1902-1957)

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Fue un director cinematográfico que trabajó en Alemania (1931–1933), Francia (1933–1940), Estados Unidos (1947–1950) y de nuevo en Francia (1950–1957), donde se encuentran sus restos. Empezó su carrera como actor teatral en 1919-1923 en Aquisgrán y trabajó en 1924 en Dortmund. Dos años después, Ophüls era ya director de creación en el famoso Burgtheater de Viena, dejando producidas más de doscientas obras, entre ellas El hombre amado por las mujeres, de Bernard Shaw, así como de Gogol, Büchner o su admirado Arthur Schnitzler, que al final de su vida recuperaría. En 1927 era primer director en Viena. Sin haber tenido una presencia tan constante en la crítica como otros directores, cuatro años antes de su muerte, miembros destacados de la llamada Nouvelle Vague se propusieron resituar la figura de Ophüls en el alto rango que merecía. François Truffaut, en sus elogios finales, decía que Ophüls «era para nosotros el mejor cineasta francés con Jean Renoir. La pérdida de un cineasta balzaciano, que se había convertido en el abogado de sus heroínas, el cómplice de las mujeres, nuestro cineasta de cabecera, es inmensa», y añadía que Ophüls «era sutil, cuando lo suponían torpe; profundo, cuando lo creían superficial, y puro, cuando lo motejaban de obsceno». Quizá dominado por su trayectoria artística, Ophuls impregnó todo su cine de una sensibilidad sorprendente, más allá del barroquismo o intimismo de los escenarios de cada película. Su cámara resultaba increíblemente fluida, se movía en una embriagante mezcla de travellings, picados, contrapicados y panorámicas, acariciando con sensualidad la textura del mundo atemporal en el que se movían sus personajes. Estos ingredientes, característicos de su estilo, se encuentran en la mayoría de sus obras, pero donde mejor logró expresarlos fue en las cuatro últimas películas que rodó tras su regreso a Francia.

Filmografía recomendada: La Ronde, Madame de…, Lola Montès.

1. Friedrich Wilhelm Murnau (1888-1931)

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Fue el director abanderado de la corriente alemana de Cine Expresionista, subcategoría de la corriente Expresionista artística que abarcó también música, pintura y literatura, en los años finales del siglo XIX y los primeros del siglo XX, y que trataba de mostrar la angustia por esta transición. En una primera etapa hizo estudios de Filología y Filosofía, tomando como influencias a Schopenhauer y Nietzche, hasta que Max Reinhardt, vanguardista director teatral de la época, lo descubrió actuando en una obra estudiantil y lo invitó a formarse en su academia, donde aprendería teatro y cine. “Nosferatu, eine Symphonie des Grauens” (1922), su filme más célebre, se convirtió en un hito del Expresionismo al reunir lo mejor de sus características: el delirio social, en este caso en un contexto gótico, los juegos contrapuestos de luz y sombra, la escenificación abstracta y la expresión más emotiva que intelectual de los personajes.

Filmografía recomendada: Nosferatu: Una sinfonía del terror, Fausto, Sunrise.

 

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