FILM LESSONS: LOS 25 APUNTES ESENCIALES DEL CINEMATÓGRAFO DE ROBERT BRESSON

Notas sobre el cinematógrafo, publicado en 1975, es un compendio ordenado cronológicamente de pensamientos, reflexiones, y apuntes sobre el oficio de cineasta, recopilados en forma de citas por el propio Robert Bresson desde 1950 a 1974. En el libro, el director francés da cuenta de su cosmovisión sobre lo que significa hacer cine (no confundir con el teatro fotografiado). Estos apuntes le servían al director en ocasiones de punto de partida o de destino para comentar ciertas películas. Y esperamos que tal vez a ustedes también les sirva para ver al cine de una nueva forma o para realizar un cine que se salga de la norma y busque llevar a esta forma de arte más allá de sus fronteras actuales. En esta ocasión los invitamos a que sigan los hipervínculos (textos subrayados) que les dejamos arriba para que puedan descargar el libro y vean una entrevista con el reconocido cineasta. bresson_2

  1. Cinematógrafo, arte militar. Preparas una película como se prepara una batalla.
  2. No filmar para ilustrar una tesis o para mostrar a hombres o mujeres limitados a su aspecto externo, sino para descubrir la materia de la que están hechos. Alcanzar ese ‘corazón’ que no se deja atrapar ni por la poesía, ni por la filosofía, ni por la dramaturgia.
  3. Filmación. Colocarse en un estado de ignorancia y de curiosidad intensas, y no obstante ver las cosas antes.
  4. Si una imagen, contemplada aparte, expresa algo nítidamente, si conlleva una interpretación, no se transformará al contacto con otras imágenes. Las otras imágenes no tendrán ningún poder sobre ella y ella no lo tendrá sobre las otras imágenes. Ni acción, ni reacción. Es definitiva e inutilizable en el sistema del cinematógrafo
  5. Lo auténtico del cinematógrafo no puede ser ni lo auténtico del teatro, ni lo auténtico de la novela, ni lo auténtico de la pintura.
  6. Mi film nace primero en mi cabeza, muere en el papel, lo resucitan las personas vivas y los objetos reales que utilizo, que mueren en el celuloide pero que, colocados en un cierto orden y proyectados sobre una pantalla, se reaniman como flores en el agua.
  7. Lo real llegado a la mente ya no es real. Nuestro ojo demasiado pensante, demasiado inteligente.
  8. Un pequeño tema puede servir de pretexto a combinaciones múltiples y profundas. Evita los temas demasiado vastos o demasiado alejados, donde nada te indica cuándo te extravías. O bien toma sólo aquello que podría pertenecer a tu vida y que concierne a tu experiencia.
  9. Montar una película es enlazar a las personas unas con otras y con los objetos a través de las miradas.
  10. Los intercambios que se producen entre imágenes e imágenes, entre sonidos y sonidos, entre imágenes y sonidos, dan a las personas y a los objetos de tu película su vida cinematográfica y, por un fenómeno sutil, unifican tu composición.
  11. Monta tu película a medida que la filmas. En ella se forman núcleos a los que se aferra todo el resto.
  12. Filmación. Tu película debe parecerse a la que ves cuando cierras los ojos.
  13. Dos clases de realidad. 1. Lo real en bruto registrado tal cual por la cámara; 2. Lo que llamamos real y que vemos deformado por nuestra memoria y por falsos cálculos.
  14. Que se sienta el alma y el corazón de tu película, pero que se haga como labor de las manos.
  15. Ahonda en tu sensación. Mira lo que hay dentro. No la analices con palabras. Tradúcela en imágenes hermanas, en sonidos equivalentes. Cuanto más neta sea más se afirma tu estilo. (Estilo: todo lo que no es técnica.)
  16. Que los sentimientos causen los acontecimientos. No a la inversa.
  17. La facultad de aprovechar bien mis recursos disminuye cuando su número aumenta.
  18. Un sonido nunca debe acudir en auxilio de una imagen, ni una imagen en auxilio del sonido (…) La imagen y el sonido no tienen que prestarse ayuda, sino que han de trabajar cada uno a su vez por una suerte de relevo.
  19. Asegúrate de haber agotado todo lo que se comunica por medio de la inmovilidad y el silencio.
  20. Los gestos que ellos, tus modelos, repitieron maquinalmente veinte veces, una vez lanzados a la acción de tu película, se los apropiarán. Las palabras que aprendieron con la punta de la lengua encontrarán, sin que su pensamiento intervenga, las inflexiones y el canto propios de su verdadera naturaleza. Manera de recuperar el automatismo de la vida real. (No se tiene ya en cuenta el talento de uno o varios actores o estrellas. Lo que importa es cómo te aproximas a tus modelos, cuánto de virgen o de desconocido consigues extraerles.)Ahonda en tu sensación. Mira lo que hay dentro. No la analices con palabras. Tradúcela en imágenes hermanas, en sonidos equivalentes. Cuanto más neta sea más se afirma tu estilo. (Estilo: todo lo que no es técnica.)
  21. Filmar es ir a un encuentro. Nada en lo inesperado que no sea secretamente esperado por ti.
  22. La imagen no tiene un valor absoluto. Imágenes y sonidos deberán su valor y su poder sólo al uso que tú les asignes.
  23. Tu imaginación apuntará menos a los acontecimientos que a los sentimientos, queriendo siempre que éstos sean lo más documentales posible.
  24. Es necesario que tu película despegue. La hinchazón y lo pintoresco le impiden levantar el vuelo.
  25. Tu película tendrá la belleza o la tristeza o etcétera propias de una ciudad, un campo, una casa, y no la belleza o la tristeza propias de la fotografía de una ciudad, un campo, una casa.

Editor: Jonás Axel

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