FILMOTECA: LOS FILMES PIONEROS DE LA HISTORIA DEL CINE

Del nacimiento del cine como entretenimiento, pasando por la evolución del lenguaje y los géneros cinematográficos, hasta la llegada del sonido y el color. Estos son los filmes que marcaron un antes y un después en la manera de ver y hacer películas.

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Como siempre los invitamos a que sigan los hipervínculos (palabras subrayadas) para que conozcan todavía más acerca del cine y su historia además de que en esta ocasión, algunos vínculos los llevarán a las películas.

“Becky Sharp” (Dir. Rouben Mamoulian, 1935) 

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Obra que aunque es poco conocida a nivel popular ha pasado a la historia por ser la primera película en usar la técnica del Technicolor en su fotografía, que consistía en crear una película separada para cada uno de los tres colores primarios. Antes incluso de la invención del cine, el público podía ver imágenes proyectadas y en color en los espectáculos de Linterna mágica pero no fue hasta la aparición del Technicolor como procedimiento de coloreado que el cine volvió a evolucionar como arte y entretenimiento. El filme se logró posicionar como uno de los más importantes a color en su época y en la historia (ya que ya había otros filmes a color antes) gracias al éxito que tuvo al momento de estrenarse.

“The Jazz Singer” (Dir. Alan Crosland, 1927) 

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Primera película comercial parcialmente rodada con sonido y diálogos sincronizados, que utilizó el sistema sonoro “Vitaphone” (grabación de sonido sobre un disco). A partir de ese momento, el cine cambia de manera radical. El filme se convirtió en un hito histórico y punto de referencia del cine, ya que la mayoría de la gente asocia esta película con el advenimiento del cine sonoro (aunque Don Juan (1926), una película muda de John Barrymore, también tenía una banda sonora sincronizada realizado por la New York Philharmonic y efectos de sonido que utilizan el sistema Vitaphone). Habría quedar claro que esta película no era la primera película sonora, ni la primera película de ‘walkie’ o la primera película musical pero la forma en que fue vendida por el uso del sonido la colocaron como el filme sonoro más exitoso de su época. Obtuvo un Premio Oscar honorífico por revolucionar la industria del cine.

“Bronenósets Potiomkin” (Dir. Serguéi M. Eisenstein, 1925)

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 El acorazado Potemkin significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. Tras la genialidad de Griffith en el trabajo de escala de planos, Eisenstein observa otra función que puede realizar la cámara y el montaje al trabajarlo de manera semiótica, lo que da como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata. Surge también aquí el héroe colectivo, la tipificación de los personajes, la inserción del arte futurista y del cubismo en la composición de las escenas y los encuadres, actores desconocidos, escenarios reales, junto a ese tono de epopeya popular, de canto épico, a modo de ópera revolucionaria (especialmente, en la versión sonorizada en 1950). Todo ello, pues, adquiere un carácter lírico emocionante, subrayado por un ritmo dinámico que provoca el entusiasmo –no tanto ideológico como artístico– del espectador cultivado. El propio Eisenstein lo explica de la siguiente manera: “La película está trabajada como un todo orgánico en el que cada uno de sus elementos funciona en pos de una composición que mantiene en su núcleo lo particular en función del todo. Cada una de las partes en que se puede dividir la cinta, es funcional en un nivel superior de lectura, es decir, en la generalidad. Por otra parte el patetismo (pathos), mientras que la sucesión y cambio constante en las cualidades de la acción generan en el espectador una emoción que lo lleva a realizar mediante un proceso psicológico, una reflexión intelectual de acuerdo al tema propuesto”. A partir de aquí el lenguaje cinematográfico y el montaje evolucionan para dar paso a un nuevo tipo de cine que hasta el día de hoy se sigue haciendo.

“Nanook of the North” (Dir. Robert J. Flaherty, 1922)

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 Está considerado como el primer documental de la historia. Muchos expertos lo rechazaban como tal porque Nanook, el esquimal no presenta una de las características consideradas fundamentales en este género: la neutralidad. No obstante, contemporáneas discusiones en la materia parecen haber llegado al consenso sobre la incoherencia de este argumento. Se trata de una obra capital dentro de la Historia del cine, que narra las duras condiciones de vida de una familia esquimal, en tierras donde aún la civilización no ha posado su moderna mano. Es importante añadir que por aquel entonces no existía el género documental, no se distribuía comercialmente, así que este título es pionero en este campo.

“Das Cabinet des Dr. Caligari” (Dir. Robert Wiene, 1920)

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Con este legendario filme se podría decir que fue la llegada de los movimientos cinematográficos además de que su estética influiría en futuros géneros cinematográficos. La cinta es considerada la primera película expresionista de la historia y una de las películas alemanas más influyentes además de que es citada como la primera que introdujo la vuelta de tuerca en el cine. Destacan los decorados distorsionados, que crean una atmósfera amenazante, por lo que es considera una de las mejores películas de terror de todos los tiempos. De igual forma, el manejo de la luz y la sombra marcan el inicio de la utilización de la iluminación como una parte fundamental del lenguaje cinematográfico. Además de todo lo anterior se podría decir que es la primera película de la historia que trata al cine como un arte.

“El apóstol” (Dir. Quirino Cristiani, 1917)

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Considerada como el primer largometraje de animación hecho en el mundo y el cual también fue una de las primeras sátiras políticas dirigida al entonces presidente de Argentina, Hipólito Yrigoyen. Es un filme del cual no quedan copias en la actualidad (aunque sí se conservan algunas pocas imágenes) ya que algunas se perdieron en un incendio en 1926, y otras al ser reciclado, como era habitual en la época, el celuloide para la fabricación de peines. Para realizar el filme, se utilizaron 58 000 dibujos3 en 35 mm (a razón de 14 cuadros por segundo), además de varias maquetas que representaban edificios públicos como el Congreso de la Nación Argentina, la Aduana de Buenos Aires y el edificio de Obras Sanitarias de la Nación, además de anegar las calles de la ciudad. Sin este filme, que revolucionó en su momento la manera de hacer cine animado (algo que se había dejado de hacer por un tiempo), no se podría entender el día de hoy la historia de la animación cinematográfica.

“The Birth of a Nation” (Dir. D. W. Griffith, 1915)

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 Película con la cual se dice nació el lenguaje cinematográfico tal y como lo conocemos ahora. Se considera un hito de la historia del cine porque David Wark Griffith reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento (1915). Lo hace de una forma en que queda establecido un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad: los planos son alternados y no siempre fijos, la cámara se puede desplazar, los planos y tomas pueden ser totales o parciales, etc. rompiendo definitivamente con el antiguo esquema cinematográfico donde una película podía ser la simple filmación de una función teatral común. La forma en que se establece el salto de eje, el uso de los primeros planos, la alternancia entre planos “generales” que permiten que el espectador comprenda y organice mentalmente el espacio donde transcurre la acción y planos “cortos” donde se aprecia el detalle constituyen la base del modelo de Griffith. No obstante, el filme ha sido uno de los más polémicos por cuanto su argumento promueve abiertamente el racismo, apoya sin ambages la supremacía de la raza blanca y describe en sus escenas el supuesto “heroísmo” de los miembros del Ku Klux Klan. Pero, más allá de su ideología, hay que reconocer a Griffith el mérito de lograr que el cine abandonara la estética teatral. Así vemos cómo Griffith maneja la ficción según sus propios criterios artísticos; la cámara toma parte en los acontecimientos, la acción es fragmentada y el montaje se convierte en la base de la narración.

“The Great Train Robbery” (Dir. Edwin S. Porter, 1903)

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Es considerada como una obra de arte en la historia del cine. En sólo una docena de planos y casi diez minutos de duración (al menos en la versión restaurada por el British Film Institute), “Asalto y robo de un tren” plantea una historia completa con un desarrollo narrativo y una tensión dramática nuevas para el espectador de la época (1903). El interés y la novedad de este filme en relación con sus contemporáneos radica en su capacidad para articular un lenguaje audiovisual de forma coherente; es decir, para superar la acumulación de escenas en beneficio de la sucesividad de las acciones. A ello contribuye el raccord entre los planos y las secuencias, como cuando se observa la continuidad de la dirección entre los planos B y C de la secuencia 4 (los ladrones salen del encuadre por la izquierda y entran por la derecha) o entre la sec. 4 y la 5 (en ambos casos el tren se mueve de derecha a izquierda). La inserción de las secuencias 6 y 7 en medio de la huida de los ladrones establece una acción paralela que proporciona tensión dramática al texto; tensión incrementada por la ralentización del ritmo mantenido hasta ese momento que supone la secuencia del baile. Por su parte, las imágenes de exteriores insertadas en ventanas en las secuencias primera y tercera otorgan realismo y desteatralización al relato. Los movimientos de cámara, aunque breves, muestran el interés en que sea el encuadre quien esté subordinado a la acción y no al contrario (como era entonces habitual), al mismo tiempo que dirigen la mirada del espectador en función de la acción dramática. A pesar de que el encuadre se mantiene en todo momento en plano general, la puesta en escena permite que los movimientos de los personajes otorguen dinamismo a la acción y varíe la escala. Es a partir de aquí que el montaje cinematográfico se vuelve narrativo.

“Le Voyage dans la Lune” (Dir. Georges Méliès, 1902)

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 Película muy popular en la actualidad, y la crítica de cine la reconoce como la más importante de las creaciones cinematográficas de Georges Méliès. Además es, en cierto modo, el primer filme de ciencia ficción de la historia del cine, además de una de las primeras obras cinematográficas en usar efectos especiales, vestuarios, escenarios y adaptar textos literarios al cine (en este caso De la Tierra a la Luna, de Julio Verne, y Los primeros hombres en la Luna, de H. G. Wells). La imagen de la cara de la Luna recibiendo el impacto de un cohete espacial disparado por una bala de cañón es uno de los planos más conocidos de la historia del cine.

“L’arrivée d’un train en gare de La Ciotat” (Dir. Auguste & Louis Lumière, 1895)

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 Aunque esto no fue el primer filme de la historia, el efecto sobre los espectadores de una locomotora que parecía salir de la pantalla fue enorme. La gente salió corriendo despavorida creyendo que el tren iba a atropellarlos, o al menos eso cuenta la historia. El aparato con el cual consiguieron semejante alboroto fue bautizado como Cinematógrafo, el cual junto a la proyección de este filme (y otros más) marco el día en que nació la cinematografía como negocio y entretenimiento.

Editor: Jonás Axel & Samuel López

Fuente: 35Míliemetros, Uhu, Blog de cine, Textos y Manifiestos del cine, Historia del cine.

 

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