LA ERA DEL CINEMATÓGRAFO: LAS DIRECTORAS PIONERAS DEL SÉPTIMO ARTE (Segunda Parte)

Realizar y escribir una investigación acerca del impacto que la mujer ha tenido a lo largo de la historia del séptimo arte puede llegar a ser algo bastante complicado, ya que desgraciadamente a pesar de que se sabe que las mujeres han tenido una importante influencia en la realización del cine desde su nacimiento (ya fuera como guionistas, directoras, productoras, editoras o actrices) hasta la fecha no existen suficiente información que permita tener un mapa general sobre cómo ha sido el desarrollo de este impacto dentro de la industria cinematográfica mundial. Todavía quedan bastantes espacios vacíos para conocer bien en qué momentos de la historia surgieron cierto tipo de mujeres cineastas dentro de los géneros, modalidades o nacionalidades cinematográficas. No hay claridad sobre en qué momento surgió la primera cineasta africana, argentina, iraní o asiática. Pero lo cierto es que siempre ha habido mujeres trabajando en el séptimo arte y por ello esta semana presentamos la segunda parte de nuestro especial de cine dedicado a conocer a las directoras pionera del séptimo arte. En esta ocasión nos centramos en conocer un poco más a fondo el impacto que diversas directoras tuvieron dentro de ciertos géneros cinematográficos además de en algunos países. Esperamos que esto motive a otros a comenzar nuevas investigaciones sobre el impacto de la mujer en la historia del cine. Por nuestro lado, esperen muy pronto una nueva entrega dedicada a los otros ramos del cine en donde las mujeres también dejaron una importante huella.

Margaret J. Winkler, la maestra de la animación del cine mudo (1895-1990)

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Fue una de las figuras claves en la historia de la animación muda, teniendo un rol crucial en las historias de Max y Dave Fleischer, Pat Sullivan, Otto Messmer y Walt Disney. Fue además la primera mujer en producir y distribuir películas animadas. Winkler comenzó su carrera como secretaria personal de Harry M. Warner, uno de los fundadores de Warner Brothers. Durante la época muda, Warner Brothers se dedicaba exclusivamente a la distribución de películas, y Harry Warner era el hombre que hacía los tratos. En 1917, Warner Brothers comenzó a distribuir dibujos animados con los derechos del estado de Mutt and Jeff en Nueva York y Nueva Jersey. Warner se impresionó con el talento de Winkler, y cuando Max y Dave Fleischer (dueños de Out of the Inkwell Films) le llevaron su serie “Out of the Inkwell”, se la dio a Winkler y la ayudó a crear su propia compañía distribuidora, Winkler Productions, bajo la base de derechos del estado. En 1922, obtuvo de Pat Sullivan (de Pat Sullivan Productions) los derechos del gato Félix. Este hecho la consolidó como una de las mejores distribuidoras de animación en el mundo. A final de ese año los Fleischer, enardecidos por el éxito de Winkler, la dejaron para crear su propia compañía distribuidora, Red Seal Pictures. Aunque la ayudó en su negocio, Pat Sullivan pronto se convirtió en una pesadilla para Winkler. Los dos discutían con frecuencia. En septiembre de 1923 llegó la renovación de su contrato, y sus demandas poco realistas significaron que Winkler Pictures tuvo que sobrevivir sin su mayor estrella. Entonces, Winkler se interesó por un trabajo piloto del animador Walt Disney titulado “Alice’s Wonderland”. Winkler estaba intrigada con la idea de usar imágenes de una niña real en un mundo de dibujos animados, por lo que firmó un contrato de un año con Disney a pesar que el estudio que hizo el dibujo animado, Laugh-O-Gram Films, estuviera en bancarrota. Disney creó un estudio nuevo, Disney Brothers (el primer estudio de animación en Hollywood, que pronto cambió su nombre a Walt Disney Studio) y fue capaz de cumplir los términos del contrato bajo la tutela de Winkler, quien había insistido en editar todo Alice Comedies por sí misma. Una de las sugerencias fue incluir un personaje parecido al gato Félix llamado Julius. Esta fue probablemente la gota que hizo rebosar el vaso, por lo que Pat Sullivan firmó un contrato con la distribuidora rival Educational Pictures en 1925. En 1924, Margaret contrajo matrimonio con otro distribuidor, Charles B. Mintz, quien había trabajado para ella desde 1922. Luego de tener su primer hijo y de haberse retirado del negocio, le entregó la compañía a Mintz.

Leontine Sagan, la primera directora sobre la sexualidad (1889-1974)

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Fue una actriz y directora teatral austríaca. Sagan hizo sus primeros estudios con Max Reinhardt. Su primer y más conocido film fue “Mädchen in Uniform” (1931). Dicho film tenía un reparto exclusivamente femenino y retrataba una relación lesbiana entre una profesora y una alumna. El film estaba basado en la novela homónima de Christa Winsloe y fue censurado en repetidas ocasiones. Se dice que Eleanor Roosevelt, ayudó para lograr que le fuera revocada la censura a este film. Con el tiempo se llego a convertir en una producción de culto entre la comunidad lésbica, por ser es una obra maestra del cine por la manera delicada y sensual con la que aborda el deseo femenino por otras mujeres. Luego de este film el más conocido de su autoría, trabajó en Inglaterra durante un tiempo con Alexander Korda, para luego mudarse junto a su esposo a Sudáfrica donde fundó el teatro Nacional de Johannesburgo. Sagan falleció en Pretoria, Sudáfrica, a los 85 años de edad.

Tressie Souders, la primera directora afroamericana del cine (1897-1995)

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Directora de cine mudo que nació en Frankfort, Kansas. Era el única hija de Robert Souders y Leuvenia Ann Bryant, nativos afroamericanos de Kentucky que emigraron a Kansas, muy probablemente como resultado de la migración masiva de los afroamericanos desde el sur al viejo Oeste americano debido a la Exoduster movimiento. Después de graduarse, viajó a Kansas City, Missouri, donde se empleó como empleada doméstica en casas particulares, un trabajo que llevaría a cabo la mayor parte de su vida laboral. Hasta el día no se sabe cómo fue que Tressie Souders se metió en el negocio de cine, aunque algunas investigaciones determinan que probablemente comenzó su carrera al involucrarse dentro de un floreciente movimiento de cine realizado por afroamericanos en el área metropolitana de Kansas City a partir de 1919 y continua través de la década de 1920. Fue 1922 que la prensa afroamericana la nombro como la primera directora afroamericana. Su película, “A Woman’s Error” fue distribuido por diversas estado de E.U. pero casi de manera clandestina. Souders no sólo dirigió sino que produjo y escribió el guión de la película.

Leni Riefenstahl, la directora innovadora del cine documental y propaganda

(1902-2003)

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 Fue una actriz, fotógrafa y cineasta alemana, célebre por sus producciones propagandísticas del régimen de la Alemania nazi. Nacida en el seno de una familia luterana protestante, se crió junto a su hermano Heinz, quien más tarde murió en la Segunda Guerra Mundial. Una artista y nadadora talentosa, se interesó en el baile durante su infancia, tomando clases de baile y participando en interpretaciones por toda Europa. Después de ver un cartel promocional de la película de 1924, Der Berg des Schicksals (La montaña del destino), se sintió inspirada en trabajar como actriz pero fue la película de Eisenstein “El acorazado Potemkin”, la que le hizo decidir dedicar su vida al cine. Poco a poco, arriesgando su persona en escenas difíciles y su dinero en la producción de films, labró una reputación con la que estuvo a punto de llegar a Hollywood. Entre 1925 y 1929, actuó en cinco películas exitosas. En 1932, decidió intentar dirigir con su propia película, llamada La luz azul. En la década de 1930, dirigió El triunfo de la voluntad y Olympia, por las que recibió aclamación mundial. Críticos consideran que son dos de las películas propagandísticas más impresionantes y técnicamente innovadoras que jamás se hayan hecho. Pero, su participación en Triumph des Willens dañaría significativamente su carrera y reputación después de la guerra. La naturaleza exacta de su relación con el líder del partido nazi, Adolf Hitler, sigue siendo tema de debate, aunque se sabe que existió amistad. Fue arrestada al finalizar la guerra, pero clasificada como «compañera de ruta» y no fue asociada con los crímenes de guerra. A lo largo de su vida, negó saber sobre el Holocausto y ganó cerca de cincuenta juicios de difamación. Además de dirigir, escribió una autobiografía y varios libros sobre el pueblo nuba. Murió de cáncer el 8 de septiembre de 2003, a la edad de 101 años, y fue enterrada en el München Waldfriedhof. Fue elogiada póstumanente por su conjunto de obras y sigue siendo una de las directoras de cine más aclamadas.

Ida Lupino, la maestra del cine negro y social (1917-1995)

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Fue una actriz y directora cinematográfica angloestadounidense. En los años 50’s en Estados Unidos, comenzó a dirigir “Never fear”, convirtiéndose en la única mujer directora cinematográfica en Hollywood durante esta época. Su debut en el teatro fue cuando tan sólo contaba diez años. En los Estados Unidos, apareció en Sueño de amor eterno (Henry Hathaway, 1935) pero su primer éxito fue “En tinieblas” (William Wellman, 1940). Contrajo matrimonio con Louis Hayward el 16 de noviembre de 1938. En 1949, fundó junto a su marido Collier Young Emerald Films, una sociedad de producción independiente, que se convertiría en The Filmmakers. Produjeron ocho películas de bajo presupuesto. Su experiencia como Filmmakers acabó cuando fracasó Private Hell 36 (Don Siegel, 1954). Tras una suspensión a finales de los años cuarenta, Lupino se interesó por el trabajo detrás de la cámara. Su primera dirección llegó en 1949, cuando Elmer Clifton sufrió un ataque cardiaco y no pudo finalizar “Not Wanted”, filme que dirigía para Filmways, la compañía fundada por Lupino y su marido, Collier Young, para rodar películas de bajo presupuesto. Lupino finalizó el film y después siguió dirigiendo sus propios proyectos, convirtiéndose en la única mujer directora cinematográfica en el Hollywood de la época. Tras cuatro filmes “femeninos” acerca de temas sociales – incluyendo “Outrage” (1950), una película sobre la violación – Lupino dirigió su primera película importante, “The Hitch-Hiker” (1953), siendo ella la primera mujer en dirigir un filme de cine negro. También dirigió un capítulo de la serie La Dimensión Desconocida, titulado “Las máscaras” (1964). Lupino siguió actuando en las décadas de 1950, 1960 y 1970, y su actividad como directora en esos años fue encaminada casi exclusivamente a producciones televisivas como Alfred Hitchcock Presents, The Twilight Zone, Have Gun Will Travel, The Donna Reed Show, Gilligan’s Island, 77 Sunset Strip, The Investigators, The Ghost & Mrs. Muir, The Rifleman, Batman, Sam Benedict, Bonanza, Los Intocables, El fugitivo, y Bewitched. Desde enero de 1957 a septiembre de 1958, Lupino protagonizó junto a su marido, Howard Duff, la comedia de la CBS Mr. Adams and Eve. También participaron, en 1959 como ellos mismos, en uno de los episodios de Lucy-Desi Comedy Hour. Hacia el final de su carrera Lupino participó como artista invitada en numerosos programas televisivos, teniendo lugar la última en 1978. Se retiró a los sesenta años de edad. Lupino a menudo bromeaba diciendo que si ella era la “Bette Davis de los pobres” como actriz, como directora era el “Don Siegel de los pobres”. En 1952 Lupino recibió la invitación para ser la “cuarta estrella” de la productora televisiva Four Star Television, junto a Dick Powell, David Niven y Charles Boyer, tras la marcha de la misma de Joel McCrea y Rosalind Russell.

Maya Deren, la pionera del cine underground (1917-1961)

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Nació en Kiev, Ucrania, con el nombre de Eleanora Derenkowsky, pero desarrolló su carrera profesional en Estados Unidos. En 1922 después de una serie de pogromos antisemitas y por las simpatías de su padre por León Trotsky, la familia voló a Siracusa, Nueva York. El padre acortó el nombre familiar a “Deren” poco tiempo después de llegar a Nueva York. Se unió al cuerpo de psiquiatras en el “State Institute for the Feeble-Minded” en Siracusa. Su madre se mudó a París para estar con su otra hija, mientras ella asistía a la “League of Nations School” en Ginebra, Suiza desde 1930 hasta 1933. En 1928, se hizo ciudadana de los Estados Unidos de América. Deren comenzó sus estudios de grado en la Universidad de Siracusa, donde se une a la “Trotskyist Young People’s Socialist League”. A través de la liga de jóvenes socialistas conoce a Gregory Bardacke, con quien se casaría más tarde a la edad de dieciocho años. Después de graduarse en 1935 se mudó a la ciudad de Nueva York. Ella y su esposo se volvieron protagonistas de varias causas socialistas en la ciudad. Se la considera la madre de cine underground en Estados Unidos. Lo significativo de su aporte es que toda su carrera corre en paralelo a la apertura de nuevas vías para el cine de vanguardia. Su obra sirvió de bisagra entre las artes plásticas y el cine. Maya Deren fue la primera directora de cine estadounidense que visitó institutos y universidades para dar a conocer el cine experimental. Para comprender el conjunto de su obra, es necesario considerar los tres pilares fundamentales de su formación artística: En primer lugar, desde 1941 se formó con la bailarina, coreógrafa y antropóloga Katherine Dunham, que popularizó las danzas afrocubanas y afrocaribeñas y escribió una tesis sobre las danzas de Haití. Maya Deren analizó y filmó durante tres años su trabajo en Haití. En segundo lugar, la influencia de Galka Scheyer, marchante de arte y profesora. Ella fue quien introdujo a Maya Deren en ciertos elementos de psicoanálisis junguiano y la inspiró en el trabajo de ciertos arquetipos universales: el mar, la mitología griega, referencias al cuerpo humano, etc. La tercera influencia de Deren será el cineasta de origen checo Alexander Hammid, su segundo marido, quien la introdujo en las técnicas cinematográficas. La autora definía sus propias obras con el término “películas de cámara”, puesto que sus películas aspiran a llegar a un público no muy amplio, a un público intimista. No aspira a exhibirse en los grandes cines, pero tampoco a la marginalidad. Sus circuitos serán las universidades, museos, etc. todo lo que estaba en manos del arte pero a lo que el cine no había accedido todavía. En 1943, adoptó el nombre de Maya Deren y en ese mismo año comienza a hacer una película con Marcel Duchamp “The witche’s cradle” la cual nunca se terminó y están disponibles las partes grabadas sin editar. En ese momento su círculo social incluía a André Breton, Duchamp, John Cage y Anaïs Nin.

Shirley Clarke, la cineasta del cine experimental (1919-1997)

14 Formada como bailarina, Shirley Clarke se inició filmando a unos bailarines en Dance in the sun, 1953, con Daniel Nagrin, Bullfight, 1955, y A Moment in Love, 1957, con Anna Solokow, Un niño en los jardines de París (In Paris Parks, 1954), la construcción de un inmueble (Skyscraper, 1958), o los puentes de Nueva York, con sobreimpresiones (Bridges-Go-Round, 1959). Realiza La conexión (The Connection, 1962). Fundadora junto a Mekas, del New American Cinema Group (28 sept. 1960). Su película siguiente, The Cool World (1963), presenta a jóvenes neoyorkinos que caen en la delincuencia, en Portrait of Jason (1967), es un bello ejemplo de cine directo. Participó también en la película de Agnes Varda Lion’s Love en 1969, desde entonces trabajó sobre todo para cadenas de televisión por cable. En la década de 1970 y principios de 1980, Clarke experimentó con un rendimiento de vídeo en directo, volviendo a sus raíces como bailarina. Ella formó el colectivo Teepee Video Space Troupe en su penthouse del Hotel Chelsea. Este grupo incluía a artistas de vídeo Andy Gurian, Bruce Ferguson, Stephanie Palewski, Dee Dee Halleck, Vickie Polan, Shrider Bapat, la hija de Wendy Clarke Clarke, y muchos otros. Esta compañía también fue pionera en la experimentación vídeo grabado, instalación y documentación. En 1985, realizó Ornette: Made in America.

Ana Mariscal, la primera directora de cine español (1923-1995)

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 Ana María Rodríguez-Arroyo Mariscal, conocida artísticamente como Ana Mariscal, es una actriz, directora y productora y considerada por muchos como una de las mejores directoras del siglo XX. Empezó su carrera como actriz y fue la protagonista de “Raza” (José Luis Sáenz de Heredia, 1941), película propagandística de la ideología política de Franco, que enlazó con muchos otros éxitos. En los años 50, crearía su propia productora, Bosco Films y comienza a dirigir sus propios guiones. Así, se convertía en una de las primeras mujeres españolas en dirigir películas. Entre sus títulos encontramos ‘Segundo López, aventurero urbano’ (1953), ‘Misa en Compostela’ (1954) o ‘El Camino’ (1963), película basada en la obra de Miguel Delibes sobre la vida rural de la Epaña de los 60 y la búsqueda de nuevos horizontes y con la que conseguiría un gran reconocimiento de la crítica.

Agnès Varda, la precursora de la Nouvelle Vague (1928)

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Directora y guionista belga nacida el 30 de Mayo de 1928 en Bruselas. Estudió Literatura e Historia del Arte en Paris. Muchas veces se la llama la abuela de la Nueva Ola, aunque no es miembro de la fraternidad de críticos que dieron origen a los Cahiers du Cinéma, que dio origen a este movimiento. Además de  ser una de las pioneras del cine feminista. Su primera película, “La pointe courte” (1954), fue estrenada cinco años antes que el primer filme de la Nueva Ola y realizada prácticamente sin ningún conocimiento académico o técnico de filmación. La película contó con la edición de Alain Resnais, que inicialmente se negó a participar dado que la técnica de la directora estaba muy cercana a las ideas que él estaba desarrollando. Desafortunadamente para la directora, esta sería la única película que realizaría durante los 1950 hasta que luego de los explosivos debuts de sus compañeros masculinos, tuvo la oportunidad de dirigir una nueva película con “Cleo from 5 to 7” (1962), que la introdujo como un talento en la escena internacional del cine. Más tarde se la encuadrará definitivamente en este movimiento, asemejándosela así a autores como Chris Marker, Marguerite Duras, Alain Robbe-Grillet, Jean Cayrol y Henri Colpi. Este grupo estaba fuertemente ligado al Nouveau roman, estilo literario que estaba posicionado políticamente en la izquierda. Varda estuvo casada con el director Jacques Demy desde 1962 hasta su muerte en 1990, en su película Jacquot de Nantes (1991) ella traza un relato de la infancia de Demy, y su duradero amor por el teatro y el cine. Varda le rindió homenaje también en “Les Demoiselles ont eu 25 ans” (1993) y “L’Univers de Jacques Demy” (1995). Sus películas, documentales y vídeo-instalaciones guardan todo un carácter realista y social. Toda su obra presenta un estilo experimental distintivo. En 1985 con la película Sans toit ni loi (Sin techo ni ley) obtuvo el León de Oro del Festival de Cine de Venecia y su biografía documentada en Las playas de Agnès el Premio César en 2009.

Sara Gómez, al primera directora cuba  de cine ficción (1942-1974)

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Era mujer y negra, pero esas características no fueron obstáculo para sumergirse en las aguas del cine. Todo lo contrario, Sara Gómez, la primera directora de cine del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos de Cuba (ICAIC), las convirtió en aliadas. Nació en la tradicional ciudad de Guanabacoa, a unos 5 km al sureste de La Habana Vieja. Mientras estudiaba en la escuela secundaria, cursó seis años de música en el Conservatorio Municipal de La Habana Amadeo Roldán. Mientras tanto también ejerció el periodismo en el periódico estudiantil Mella y en el semanario Hoy, Domingo. Tras terminar la escuela, en 1961 Sara Gómez pasó unos meses en la ciudad de Nueva York. En agosto de ese mismo año (1961) empezó a estudiar en el ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos). Al año siguiente (1962) realizó tres pequeños documentales para la Enciclopedia popular que dirigía el cineasta Octavio Cortázar (1935-2008). Después fue asistente de dirección de la cineasta belga Agnès Varda, de Tomás Gutiérrez Alea y de Jorge Fraga. Mientras desarrollaba su labor como asistente de dirección, inició su carrera en la dirección de documentales. Las temáticas fundamentales de su obra fueron la cultura popular y las tradiciones, la marginalidad, el racismo, el feminismo y la inclusión social de las mujeres. A principios de 1974 fue promovida en el ICAIC a directora de filmes de ficción, y comenzó su ópera prima, “De cierta manera”. En el transcurso de la filmación, el 2 de junio de 1974 falleció ―a la temprana edad de 31 años―a causa de un paro respiratorio provocado por uno de sus frecuentes ataques de asma,2 y la película tuvo que ser terminada por Tomás Gutiérrez Alea y Julio García Espinosa.

Kathryn Bigelow, la primera directora en ganar el Oscar (1951)

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Directora de cine, guionista y productora estadounidense, especialmente conocida por películas como Near Dark, Point Break y, la ganadora de seis Óscar, The Hurt Locker. Es la primera y única mujer en la historia que ha ganado el Óscar al mejor director y el premio al mejor director (“Directors Guild of America Award for Outstanding Directing–Feature Film”) del Sindicato de directores de Estados Unidos; ambos por The Hurt Locker. Hija de un directivo de una empresa de pinturas y una bibliotecaria. Estudió en la Universidad de Columbia, comenzó su carrera artística como pintora y algunas de sus obras fueron expuestas en el Whitney Museum de Nueva York. Fue miembro del grupo radical Art and Language y editó la revista teórica Semiotext. También fue agente de policía antes de dedicarse al cine. Kathryn Bigelow está considerada como una directora atípica, pues sus temas de interés pertenecen al cine de acción, bien sea bélico, futurista, thriller e, incluso, de terror. Sus películas no siempre han tenido el beneplácito de la crítica. Bigelow obtuvo reconocimiento en 1987 con el filme de terror Near Dark. Después, en 1991 dirige Point Break protagonizada por Patrick Swayze y Keanu Reeves, con la que tuvo éxito tanto de crítica como de público. Entre 1995 y 2002, Kathryn Bigelow realizó tres películas: Días extraños, El peso del agua y K-19, en donde dirigió a algunos de los actores más importantes de Hollywood, como Harrison Ford, Sean Penn, Juliette Lewis, Liam Neeson y Ralph Fiennes. Estuvo casada con James Cameron desde 1989 hasta 1991, y con él formó pareja artística en varias películas.

Lana & Lillys Wachowski, las primeras directoras transgénero (1965,1967)

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 Lana Wachowski (nacida como Laurence “Larry” Wachowski) y Lilly Wachowski (nacida como Andrew Paul “Andy” Wachowski), conocidas como las Hermanas Wachowski, son dos directoras de cine, guionistas y productoras estadounidenses, realizadoras de la trilogía “The Matrix”. Nacidas y educadas en Chicago, comenzaron su vida laboral con una carpintería mientras creaban cómics en sus ratos libres. Las hermanas afirman decantarse por relatar historias múltiples, eludiendo todo aquello predecible y aburrido. Lilly, quien es graduada del Emerson College, contrajo matrimonio con Alisa Blasingame en 1991. Mientras que Lana se casó en 1993 con Thea Bloom y, tras su divorcio en 2002, con la dominatrix Karin Winslow (alias Ilsa Strix, ex esposa del actor pornográfico transgénero, Buck Angel) en 2009. En una conferencia de prensa otorgada en el mes de septiembre de 2012 en el Festival de Cine Internacional de Toronto para el estreno mundial de Cloud Atlas, dio a conocer públicamente su cambio de sexo. Lana dijo: “Sentí cierta responsabilidad por la gente LGBT, y algunas personas me han pedido que sea más pública”. “Sabía que un día tendría que ser más pública y tuvimos que negociar cuándo ocurriría esto. Con esta película que habla sobre cómo transcender nuestro miedo y los límites del ‘otro’ de tantas maneras parecía bastante natural hacerlo ahora”, concluyó. El 8 de marzo de 2016, Lilly reveló, durante una entrevista al periódico LGBT de Chicago Windy City Times, que igualmente se declaraba una mujer transgénero.

Editor: Jonás Axel

Fuente: Blog de cine, 35Milímetros, Uhu, Mujeres en red, Wikipedia.

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