FILM LESSONS: LECCIONES DE CINE DE ALEJANDRO GONZÁLEZ IÑÁRRITU

El cine de Alejandro González Iñárritu (junto con el Cuarón y Del Toro) hizo que el mundo volteara hacia México. Fue el primer cineasta mexicano en ganar consecutivamente el premio al mejor director en los Oscar. Un prodigio formado en las salas de cine, la radio y la televisión. Su cine siempre llega a sorprender al público y en cada historia lo vemos probarse, experimentar y llevar un poco más allá la construcción de la narrativa fílmica, todo bajo una honesta que le caracteriza y que le hay permitido continuar teniendo una libertad autoral muy poco vista dentro del cada día más cerrado cine comercial. Para celebrar que este mes de agosto cumple 53 años y que es una de nuestras personalidades favoritas del séptimo arte a la cual le estamos dedicando el mes de agosto en nuestra sección de Close up. Aquí les dejamos una recopilación de sus mejores consejos, reflexiones y lecciones de cine que el director mexicano ha dejado para la posteridad y que sin lugar a dudas ayudarán a muchos en su camino hacia la realización cinematográfica.

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SOBRE HACER CINE

Hago películas que me gustan, pero siempre con la esperanza de que al público también le gustarán, de que compartiré mi felicidad con él. Pienso siempre en el público y haría cualquier cosa para conmoverlo, pero nunca hasta el punto de traicionar mi idea del filme. Quiero que al público le guste la película, pero yo tengo que ser el primero en amarla.

El cine debe ser la extensión de uno mismo. Un testimonio de nuestra experiencia vital incluyendo nuestras pocas virtudes y todas nuestras limitaciones.

A 01

Es necesario hacer un cine que explore varias realidades a la vez. Somos seres humanos, tenemos que ser capaces de ver todas las realidades posibles que se pueden presentar a partir de los personajes que representan su contexto. Quiero hacer un cine en el que todos se vean no importando su Dios o su país.

Yo creo firmemente en que el cine es una oportunidad de expresión humana y si eres fiel o eres honesto contigo y tus circunstancias de alguna forma -como todos nosotros somos únicos- tu visión será única.

SOBRE LA LABOR DEL DIRECTOR

Para que uno pueda ser director uno debe ser un guerrero invencible de los problemas cotidianos a los que se puede enfrentar. Todos estamos al borde de nuestras amenazas pero si el avión se está cayendo como un guerrero uno no debe quebrarse.

Es difícil hacer una película artísticamente personal y a la vez intentar que sea atractiva para las masas. Es un balance que no es fácil de navegar pero se puede lograr aunque los resultados puedan ser trágicos.

A 02

Mi proceso es muy intenso, exijo mucho que todo el mundo entregue lo que tiene, porque hay una gran responsabilidad con el espectador, que nos regala dos horas de su tiempo y muchas molestias para ver nuestras historias en la pantalla grande. Por eso me lo tomo muy en serio. Soy un dictador divertido.

SOBRE LA ESCRITURA DE CINE

La ficción, la literatura y el cine son tan adictivos porque son las únicas formas en las que podemos fragmentar el tiempo y el espacio y podemos irnos a otros lados.

Es más fácil saber lo que se desea y confiar en el propio instinto cuando hay que tomar ciertas decisiones. Establecer lo que no quiero. Una vez logrado, he realizado la mayor parte el trabajo. Sólo me queda encontrar un equilibrio entre lo que quiero hacer y lo que puedo hacer, que no es en absoluto la misma cosa.

A 03

En mis viajes y producciones he descubierto un elemento común en las personas: Las emociones son universales y los pueblos son más parecidos de lo que pensamos. No existe otra cosa que nos haga más vulnerables por ejemplo como los hijos, las relaciones paternales, porque obedecen a los mismos miedos. La comunión que se alcanza es hermosa.

SOBRE APRENDER A HACER CINE

Aprendí a filmar…filmando. Ya había estado en platós y observado cómo se hacían las cosas. Sin pensar que fuera fácil, creía poder confiar en mi instinto para conseguirlo. Enseguida me encontré escribiendo, produciendo, dirigiendo y montando yo mismo. Trabajaba 18 horas al día. Fue mejor que cualquier escuela de cine. Aprendía aun cuando fallaba o intentaba algo que me gustaba. Así pues, cuando finalmente decidí pasarme al largometraje, ya estaba preparado.

SOBRE LA PUESTA EN ESCENA Y LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO

La tarea del cineasta consiste en imponer un punto de vista en la película. Cada cineasta inventa su propia gramática para crear emoción. Cuando abordo una escena, la disecciono, elemento por elemento, línea a línea, y la pregunta a la que trato de responder es siempre la misma: ¿De qué habla esta escena?…una vez que he respondido a esta pregunta la cámara encuentra su lugar.

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Me gusta explorar la escena y subordino la cámara al objetivo de esa escena. Toda esta reflexión tiene lugar previamente, por supuesto. La anoto en fichas. Dispongo de una ficha que resume todas las cosas importantes que debo recordar para cada escena: de qué trata, qué quieren los personajes, cómo han llegado hasta allí, etc. Personalmente, tengo un verdadero problema de concentración, y esas fichas me han salvado la vida muchas veces.

Creo que hay dos tipos de cineastas: lo que realizan setenta tomas porque no saben lo que quieren y los que la realizan porque saben lo que quieren y no abandonarán hasta conseguirlo.

La realidad es que el sonido, que representa aproximadamente el 50% del filme, a veces es más importante que la imagen, porque la imagen es concreta materialmente, por lo tanto, forzosamente limitada, mientras que el sonido es del todo subjetivo e infinito, lo que lo vuelve la experiencia más importante.

SOBRE EL CINE COMO ARTE COLABORATIVO 

Aunque sepa exactamente cómo quiero la película, no puedo hacerla solo. Hacer películas es, ante todo, un arte colectivo.

 

Lo bueno de no escribir uno mismo es que te proporciona flexibilidad en el rodaje. Cuanto más te enfrentas a cosas personales, más doloroso es realizar la película.

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Una de las cosas más importante que he aprendido es que a veces es necesario escribir y rodar escenas que no se incluirán en el filme, pero que te ofrecen una mejor comprensión de los personajes.

SOBRE LA DIRECCIÓN ACTORAL 

El casting es sin duda una de las responsabilidades más importantes del realizador, porque si haces un buen casting has hecho el 80% del trabajo.

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La diferencia entre un gran actor y un actor realmente extraordinario está en la vida interior. Hay muchos actores con talento, pero los verdaderamente excepcionales tienen una poderosa vida interior.  Por eso hay que pasar un tiempo con ellos, para saber qué tienen dentro. Una vez tomada la decisión, intento adaptarme a las necesidades de cada actor.

 

 

Me parece importante mostrar a los actores que he reflexionado y que pueden sentirse seguros con lo que les pido. Lo peor que puede pasar es que un actor perciba que estás menos preparado que él. Entonces dejará de confiar en ti., y no puedes llevar a buen puerto el trabajo si un actor no confía en ti.

SOBRE EL MONTAJE 

Editar el tiempo y el espacio debe venir de la forma en cómo vemos la vida y hablamos de ella o la forma en cómo la recordamos. En “Birdman”, por ejemplo, quería ponerme en los pies de un personaje que vive una experiencia continua sin poder tener oportunidad de escapar de ningún detalle.

Para mí el ritmo es Dios. El arte es palpitación de ese ritmo y si no lo tienes, es imposible crear algo.

Lo bueno del montaje digital es que todos los errores se pueden borrar pulsando un botón.

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Editor: Jonás Axel

Texto: Dorian Iktum, Laurent Tirard, Antonio Harfuch, Luis Fernando Mayolo, Jonás Axel.

Fuente: 35 Milímetros, Más lecciones de cine, Cultura Colectiva, Shock.

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