FILMOTECA: 10 PELÍCULAS PARA ENTRARLE A STANLEY KUBRICK

kubrick1221292929817

Hay directores que, con pocas películas, consiguen convertirse en directores de culto y auténticas leyendas del séptimo arte; directores de referencia cuyas películas parecen, casi, mejorar con el paso del tiempo. Y sin duda alguna, dentro de esta lista de directores de culto, se encuentra el genial Stanley Kubrick. Cineasta que logró el ansiado “control total” en sus películas para poder ofrecer esa “coherencia artística” que visualizaba en todos sus trabajos; sus películas son una perfecta armonía de todos sus componentes (escenas, fotografía, ambientación, banda sonora…) y, gracias a esta forma de entender el cine, abrió una punta de lanza para transformar, por completo, el significado del oficio de director de cine. La mayoría de las películas de Stanley Kubrick son, hoy en día, grandes referentes de la historia del cine; sin embargo, para no hacer muy extensa esta lista, decidimos elegir entre su filmografía, 10 películas imprescindibles para adentrarse en la obra de este maestro del cine.

Eyes Wide Shoot (1999)

10

Decimotercer largometraje dirigido por Stanley Kubrick, protagonizado por Tom Cruise y Nicole Kidman. Fue la última película de Kubrick, así como su obra póstuma, ya que el director murió pocos días antes de poder acabar el montaje definitivo. El filme está basada en la novela “Relato soñado”, de Arthur Schnitzler, y su guión fue escrito por el mismo Kubrick y Frederic Raphael. El argumento narra la historia de William Harford, un respetable médico neoyorquino cuya vida parece ir muy bien: está casado con una preciosa mujer, tiene una hija y hace un trabajo que le gusta. Pero, al día siguiente de asistir a una fiesta, su esposa Alice le habla de unas fantasías eróticas y de cómo estuvo a punto de dejarlo por un desconocido. Abrumado por esta confesión, acaba entrando en un local, donde un antiguo compañero le habla de una congregación secreta dedicada al hedonismo y al placer sin límites. A partir de entonces un mundo dominado por el sexo y el erotismo se abre ante él. Aunque en su momento “Eyes Wide Shut” fue considerada una película menor dentro de la filmografía del director, con el paso del tiempo se ha convertido en uno de los mejores thrillers eróticos del séptimo arte además ser una obra que captura algunas de las cualidades que convirtieron a Kubrick en uno de los directores más talentosos de todos los tiempos: desde la meticulosidad de la obra hasta la crudeza al momento de reflejar las relaciones humanas. Por su parte Tom Cruise realiza un estupendo trabajo en la interpretación del atormentado médico, cuya vida se torna en un infierno a partir de la fatídica noche que cambiaría su vida para siempre. En conclusión, “Ojos Bien Cerrados” es una película complicada y enigmática que exige considerable reflexión y ser vista varias veces. Debido a que los hechos narrados desdibujan la línea que separa la realidad de los sueños, la película resulta misteriosa y poco concluyente y deja la puerta abierta a una multitud de lecturas.

Full Metal Jacket (1987)

09

Penúltima película de Stanley Kubrick y la quinta sobre el tema de cine bélico. Está basada en la novela “The Short-Timers”, de Gustave Hasford. La historia de la película se divide en dos partes: la primera muestra el entrenamiento de los marines en retaguardia; la segunda se centra en los combates urbanos durante la ofensiva del Tet en la Guerra de Vietnam (1967-1975). Kubrick había registrado, de una u otra forma, la vida militar y la guerra en filme previos como: Fear and Desire, Paths of Glory, Spartacus, Dr. Strangelove or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb y Barry Lyndon. En todas ellas apostaba por seguir de cerca al protagonista o los protagonistas –sin que necesariamente presentara una perspectiva tan definida como la de “A Clockwork Orange”, por ejemplo. Pero en “Full Metal Jacket” es constante la distancia que toma con respecto a los personajes que aparecen y las circunstancias que viven. Distancia en el relato (en la estructura) y distancia gráfica (en la distancia de los planos y el uso de ópticas). A ello habría que sumarle la ambivalencia presente en las canciones en particular la primera (Hello Vietnam, interpretada por Johnny Wright), cuya alegría y vivacidad contrastan con los cortes de pelo. Todo lo anterior denota que la impresión que Kubrick tuvo al leer la novela de Hasford, que “no ofrecía ninguna solución moral ni política fácil; no estaba ni a favor ni en contra de la guerra”. Pese a todo Kubrick vuelve a quedarse en la superficie y evita desarrollar temas como la dualidad, otra vez presente en su obra tras ‘El resplandor’, pero esta vez plasmada de forma un tanto simple y evidente: uno de los protagonistas, Joker —un anodino Matthew Modine, al que Kubrick eligió porque le había gustado su interpretación en ‘Birdy’ (id, Alan Parker, 1984)— lleva en su casco la expresión nacido para matar, que choca directamente con el símbolo de la paz cuelga a modo de chapa de su chaqueta. Y en la bellísima escena final, mientras los soldados avanzan alumbrados por un fuego infernal, aquéllos cantan al unísono una canción infantil; en sus corazones no han dejado de ser niños. Unos niños que ahora juegan a la guerra.

The Killing (1956)

08

Basada en la novela de 1955 “Clean Break#, escrita por Lionel White y reeditada después con el mismo título de la película. La película “The Killing”, tercer trabajo de Kubrick como director, narra un robo meticulosamente planeado que desemboca en una masacre. El plan comienza a tambalearse cuando Sherry Peatty, la mujer de uno de los ladrones, manipula a su marido para que le revele los detalles del atraco y seduce a su amante para que le robe el botín a Johnny, el cerebro del plan. Esta película tiene varios puntos en común con “La jungla de asfalto” (1950) de John Huston, también protagonizada por Sterling Hayden. Aquí también se planea y se logra un “atraco perfecto”, que también es frustrado de manera absurda para complacer a la censura y que los malos sean castigados. Para contar esta historia, Kubrick decide centrar todo el argumento en la preparación del robo, su rápida ejecución y las consecuencias del mismo. Argumentalmente la película encaja perfectamente dentro del mundo del film-noir. Formalmente ya es otra cosa, un rompecabezas perfectamente ejecutado cuyo esquema narrativo a base de flashbacks influenció a cineastas modernos a los que se les atribuyó la originalidad. De hecho “Reservoir Dogs” y “Pulp Fiction” le deben mucho a este filme. Los personajes son retratados uno a uno, mientras vamos viendo con ello las distintas motivaciones que cada uno tiene para cometer el atraco. En conclusión, “Atraco perfecto” es un filme visceral que no esconde sus cartas en ningún momento, desde el principio tenemos todos los datos y conocemos poco a poco las distintas personalidades de sus personajes, un mosaico de hombres tan distintos como necesitados entre sí por un bien común. Una película magistral que llamó la atención del mundo entero, y entre otros, Kirk Douglas quedó tan impresionado que se propuso contar con Stanely Kubrick para un proyecto conjunto que se convertiría en una de las cumbres del cine bélico, “Espartaco”.

Paths of Glory (1957)

07

Película estadounidense antibélica cuya acción se desarrolla durante la Primera Guerra Mundial. Está basada en la novela homónima de Humphrey Cobb, pubicada en 1935. La historia se desarrolla en Francia en 1916 y narra los hechos del ataque suicida del Ejército francés contra las posiciones alemanas en la colina de las hormigas (Ant Hill), un punto estratégico de vital importancia para el desarrollo de la Primera Guerra Mundial, que se convierte en un fracaso estrepitoso. Para escarmentar a las tropas con un castigo ejemplar, el general Mireau (George Macready), uno de los principales responsables del ataque y de su estrepitoso fracaso, convoca un consejo de guerra: tres soldados elegidos al azar por sus superiores son acusados falsamente de cobardía ante el enemigo y se enfrentan a la pena de muerte por fusilamiento. Tanto la película como la novela original están parcialmente inspiradas en acontecimientos reales: la ejecución durante la Primera Guerra Mundial, por insubordinación, de cuatro soldados de la Brigada 119 de infantería del Ejército francés. Las ejecuciones fueron declaradas improcedentes, y los soldados rehabilitados en 1934, tras la reclamación de sus familias, dos de las cuales recibieron una indemnización de un franco, mientras que las dos restantes no recibieron reparación alguna. El film viene a incidir sobre la idea de que la guerra sirvió para satisfacer los intereses de un puñado de militares de alta graduación de uno y otro bando. Ya desde el inicio nos deja claro quién mueve los hilos en la guerra y con qué fines lo hacen. En la conversación inicial entre dos altos mandos militares franceses, rodada con una maestría exquisita, Kubrick nos evidencia que la muerte de miles de soldados en el campo de batalla no parece tener ninguna importancia para los mandos si estos consiguen ascender en la jerarquía. Las ambiciones personales se anteponen a las vidas de sus tropas. Cualquier medio es lícito para lograr escalar en el escalafón militar, ello incluía ataques sin ninguna posibilidad de éxito, bombardear a sus propias tropas y fusilamientos por cobardía. Obviamente, el film no gustó en la Francia de De Gaulle (que había combatido en la contienda) por la imagen que se transmitía del ejército francés. El film no sólo levantó quejas en el país galo, también estuvo prohibido en la España del general Franco y no se estrenó hasta 11 años después de la muerte del dictador. En conclusión “Senderos de gloria” es una maravilla antibelicista. Una de las mejores películas (anti)bélicas de la historia y la mejor sobre la Primera Guerra Mundial.

The Shining (1980)

06

Película del subgénero de terror psicológico y que está basada en la novela homónima del escritor Stephen King, publicada en 1977. La película relata la historia de Jack Torrance, un escritor exalcohólico, que acepta un puesto como vigilante de invierno en un solitario hotel de alta montaña al que se había trasladado con su familia para ocuparse del mantenimiento. Una vez allí, empieza a sufrir inquietantes trastornos de personalidad. Paulatinamente, debido a la incomunicación, al insomnio, a sus propios fantasmas interiores y, tal vez, a la influencia maléfica del lugar, se verá inmerso en una espiral de violencia contra su mujer y su hijo, que a su vez parecen víctimas de espantosos fenómenos sobrenaturales. Como en otras películas del cineasta estadounidense, en paralelo con la línea dramática principal se desarrollan otras tramas secundarias que a su vez esconden innumerables representaciones simbólicas, indicios subliminales, referencias sociohistóricas e indagaciones de índole psicológica en torno a la naturaleza humana y el mal. El rodaje duró catorce meses. El director se empeñó en rodar cada escena cronológicamente según el guión, lo que obligaba a mantener en funcionamiento los decorados principales y equipos paralelos de sonorización. Sin embargo, algunos críticos se preguntan si la obsesión de Kubrick por repetir las tomas decenas de veces obedecía a un afán de perfeccionismo o bien se trataba de una estrategia calculada: ¿Quería Kubrick que los actores llegaran al convencimiento de que ellos mismos estaban encerrados en el hotel con otro loco, su director? En el documental “The Making of The Shining”, grabado por una de las hijas del director, Vivian, y que se incluye en el DVD, se revela que este hacía proyectar a los miembros del reparto secuencias de películas del género de terror como Eraserhead, Rosemary’s baby o El exorcista para que entraran en ambiente. Si bien su estreno fue acogido con frialdad por la crítica, “El resplandor” ha ido ganando adeptos con el tiempo hasta convertirse en una película de culto, e incluso ha llegado a ser considerada una de las mejores películas de la historia del cine. El director Martin Scorsese la incluye entre las 11 mayores películas de terror de todos los tiempos. Críticos de cine, estudiantes de cinematografía y el productor Jan Harlan, cuñado de Kubrick, han resaltado la enorme influencia que ha tenido la película en la cultura popular.

Lolita (1962)

05

Basada en la novela del mismo título de Vladimir Nabokov, este filme provocó la ira de la iglesia católica y cristiana al considerase un filme propagandista sobre la sexualidad. El filme cuenta la historia de Humbert Humbert, un profesor cuarentón, llega a Ramsdale (New Hampshire) y alquila una habitación en casa de la viuda Charlotte Haze que tiene una hija de once años. Humbert se enamora perdidamente de la niña y concibe un perverso plan: casarse con la madre para poder estar siempre cerca de la irresistible Lolita. Vladimir Nabokov, autor de la novela, fue quien hizo el guión para la película. En un inicio, Nabokov le entregó al director Stanley Kubrick un guion que equivalía a unas 9 horas de película. Kubrick afirmó que, a pesar de su extensión, era uno de los mejores guiones que había leído. ‘Lolita’ es una de las historias de amor moderno más tristes y patéticas que existen en el cine. Una comedia trágica en la que no falta nada del peculiar sentido del humor de su director —y que no desarrollaría demasiado en su cine—, mostrando situaciones de las que nos podríamos reír pero que contienen todo un fondo lleno de dolor. Nadie en la película consigue alcanzar sus sueños o deseos, o simplemente aquel al que más aman. Un film magistral lleno de secuencias inolvidables que muestran la gran mano de Kubrick para la puesta en escena. Cabe señalar el momento en el que Humbert, casado ya con la madre de Lolita (Charlotte), se encuentra con ésta en la cama abrazándola mientras mira una fotografía de Lolita que hay encima de la mesilla. Entonces, ella le comenta que enviará a su hija a un internado, algo que Humbert no se toma demasiado bien dándose la vuelta hacia el otro lado de la cama, en la otra mesilla hay un revólver que Humbert observa detenidamente mientras Charlotte le pregunta si está en sus pensamientos y él responde que sí mientras mira el arma. En tiempo récord Kubrick habla de un sinfín de sentimientos encontrados en el mismo personaje.

Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (1964)

04

Retrato singular de la Guerra Fría y de la tensión entre Estados Unidos y la Unión Soviética. El filme da comienzo cuando el General Jack Ripper pone en estado de alerta a la base en la que se encuentra mientras da la orden a todos los bombarderos que salvaguardan la seguridad del país de dirigirse a Rusia para bombardearla. Pronto se avisa al presidente de los Estados Unidos de la amenaza que se vierte sobre su país, ya que en caso de que Rusia sea atacada —queda menos de una hora para que los bombarderos sean detectados por los radares rusos— estos poseen un arma conocida como el Arma Definitiva, cuya utilización significaría el fin de la humanidad. Disponen de muy poco tiempo para evitar la catástrofe mientras intentan comprender cómo han llegado a esa situación. Nadie como Stanley Kubrick ha sabido retratar mejor el sinsentido de las armas nucleares y de ese “inquietante concepto” de la destrucción mutua asegurada que asusta la estrategia de los arsenales nucleares. Kubrick creó una cinta apocalíptica que mantiene su vigencia pues “Dr. Strangelove fue claramente concebida como una cinta precautoria, que pretendía despertarnos a los peligros de la bomba atómica”, en palabras de Pauline Kael y que de alguna manera u otra lanza inquietantes preguntas sobre el futuro de la humanidad, y explica a través del humor que un simple malentendido puede ser el detonante de una catástrofe. Ridiculiza todo cuanto hay en este planeta, desde el alto cargo de un país hasta el pueblerino que se monta sobra una bomba porque hay que cumplir las órdenes, pasando por los generales, capitanes y demás militares que son víctimas de sus paranoias. El film no da respuestas, algo que se le criticó en el momento de su estreno, pero no hacen falta. Basta ese inicio y ese final con ese lejano sol sobresaliendo entre las nubes que cubren la Tierra, señal del apocalipsis, para entender que el hombre y su innata estupidez serán los causantes de su extinción. Y antes del fin del mundo Kubrick nos hizo reír.

A Clockwork Orange (1971)

03

Es una adaptación fílmica de la novela homónima de 1962, escrita por Anthony Burgess y la cual es la más reconocida de Kubrick a nivel mundial. La película nos transporta a un futuro (1995) en el que vive Alex, un joven amante de la música de Beethoven y la violencia gratuita; un psicópata desequilibrado que tiene una pandilla de amigos con los que sale a cometer fechorías, robos, palizas y violaciones hasta que un día es traicionado y su vida de a un giro de 180 grados. La película se caracteriza por contenidos violentos que facilitan una crítica social en psiquiatría, el pandillerismo juvenil, las teorías conductistas en psicología y otros tópicos ubicados en una sociedad futurista distópica. Su banda sonora está principalmente compuesta por pasajes de música clásica, varios de ellos reinterpretados y en ocasiones, como en el caso de los títulos de crédito, adaptados por la compositora Wendy Carlos utilizando el sintetizador Moog. La película pese a su polémica fue nominada a numerosos premios del cine, destacando sus cuatro nominaciones al Óscar, entre ellas la de mejor película, convirtiéndola en la primera película de ciencia ficción en ser nominada en dicha categoría; sin embargo, no ganó el premio. Forma parte del AFI’s 10 Top 10 en la categoría de «Películas de ciencia ficción».

Barry Lyndon (1975)

02

Está basada en la novela homónima de William Makepeace Thackeray, publicada en 1844. El filme describe las aventuras ficticias de un personaje irlandés durante el siglo XVIII, y está ambientado en parte durante la Guerra de los Siete Años. La perfección técnica por antonomasia y una de las películas de época más perfectas que existe. Más de tres horas de duración (era algo inaudito para la época estrenar algo de ese metraje) que están divididas en dos capítulos: “De cómo Redmond Barry adquirió el renombre y título de Barry Lyndon” y “Donde se narran los infortunios y desastres que acaecieron a Barry Lyndon”. Además, hay un epílogo y hasta un intermedio. La película tiene de todo, incluida la mejor interpretación de un Ryan O’Neal que nunca convencía al director. Iluminación realizada con velas para dar naturalidad a la cinta, lentes traídas específicamente desde la NASA para rodar en plano angular y otras miles de circunstancias complicaron su rodaje. La lente era la Zeiss 50mm, que había sido destinada previamente al Programa Apolo. Una locura maravillosa de Kubrick que al usarla dotó a la película de mayor belleza. En resumen muy básico narra la ascendencia y caída de un joven irlandés, personaje interpretado por el citado Ryan O’Neal, que será embelesado (o viceversa) por Marisa Berenson. Aunque cuenta con muchos detractores, sus defensores también somos numerosos, y cada día somos más, afortunadamente. Barry Lyndon es cine de verdad. De la banda sonora solo se puede decir que es otra obra maestra. Destacar secuencias es casi imposible pero los duelos inicial y final son dos buenos ejemplos de lo que la cinta muestra. La película ganó cuatro premios Óscar a la Mejor Dirección Artística, Mejor Fotografía, Mejor Vestuario y Mejor Banda Sonora, y fue nominada también a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion Adaptado. Además Kubrick ganó el premio de la Academia Británica de Cine y Televisión (BAFTA) a la Mejor Dirección y John Alcott ganó el de Mejor Fotografía, y el film fue nominado a Mejor Película, Mejor Dirección Artística y Mejor Vestuario. En numerosas encuestas, entre ellas del Village Voice (1999), Sight & Sound (2002), Time (2005) y la BBC, se la ha considerado una de las mejores películas jamás rodada. El afamado director de cine Martin Scorsese ha citado a Barry Lyndon como su película favorita de Stanley Kubrick. Algunas citas del guión de esta película han aparecido en otras obras cinematográficas tan dispares como “Los duelistas” de Ridley Scott, “La edad de la inocencia” del propio Scorsese, “Rushmore” de Wes Anderson y “Dogville” de Lars von Trier.

2001: A Space Odyssey (1968)

01

Película de culto del género ciencia ficción que marcó un hito por su estilo de comunicación visual, sus revolucionarios efectos especiales, su realismo científico y sus proyecciones vanguardistas. Fue producida por Kubrick para la Metro-Goldwyn-Mayer y contó con Victor Lyndon como productor asociado. El guion fue escrito por el propio Kubrick y por el novelista Arthur C. Clarke, basándose en un cuento de este último titulado El centinela, escrito en 1948 y publicado originalmente en la revista 10 Historias de Fantasía, en 1951. Su trama se centra en un equipo de astronautas, que trata de seguir las señales acústicas emitidas por un extraño monolito hallado en la Luna y que parece ser obra de una civilización extraterrestre. Es una película de ciencia ficción transversal, que aborda temas como la evolución humana, la tecnología, la inteligencia artificial y la vida extraterrestre. Se caracteriza por un notable realismo científico, por sus revolucionarios efectos especiales, por algunas de sus ambiguas y surrealistas imágenes [en rigor lo único «surrealista» quizás se encuentra en las escenas finales cuando Dave Bowman aparece en una sala estilo Luis XVI con cierto estilo dalineano y cuando se le observa como un feto cósmico quizás observando a su planeta natal: La (madre) Tierra. En cuanto al uso del sonido en lugar de las tradicionales técnicas narrativas y el mínimo uso del diálogo. La banda sonora incluye música de Richard Strauss (la introducción de Así habló Zaratustra), Johann Strauss hijo y György Ligeti que acompañan las imágenes del espacio. La dirección y diseño de los efectos visuales fueron obra de Kubrick, y supervisados por Wally Veevers. Fue estrenada el 6 de abril de 1968 en el Cinerama Theatre Broadway de la ciudad de Nueva York. En un inicio recibió críticas polarizadas, destacándose sobre todo sus efectos visuales y su abstracción de la trama, lo que los críticos tomaron como uno de los puntos débiles de la película. Pero en la actualidad es una de las películas más aclamadas de la cinematografía estadounidense y mundial, sus avanzados efectos especiales lo hicieron acreedor de un premio Óscar en dicha categoría. En 1991 fue anexada en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos debido a su significancia cultural o histórica en la vida estadounidense. Forma parte además del AFI’s 10 Top 10 en la categoría “Ciencia ficción”.

Fuente: Cine Premiere, Letras Libres, Blog de cine, IGN.es, Hipetextual, 35 Milímetros.

Textos: Luis Miguel Cruz, Alberto Abuín, Hugo Hernández, Albeto Quintanilla, Jonás Axel.

Anuncios

Responder

Introduce tus datos o haz clic en un icono para iniciar sesión:

Logo de WordPress.com

Estás comentando usando tu cuenta de WordPress.com. Cerrar sesión / Cambiar )

Imagen de Twitter

Estás comentando usando tu cuenta de Twitter. Cerrar sesión / Cambiar )

Foto de Facebook

Estás comentando usando tu cuenta de Facebook. Cerrar sesión / Cambiar )

Google+ photo

Estás comentando usando tu cuenta de Google+. Cerrar sesión / Cambiar )

Conectando a %s