FILMOTECA: 10 DIRECTORES QUE MARCARÓN EL CINE POLACO

Celebrando que esta semana en Cine Monchis estrenamos un episodio dedicado al cine polaco con la recomendación de del filme “Ida” por parte de nuestra crítica de cine, Melissa de Cima. Aquí en Film Fellas Club aprovechamos la oportunidad para sumergirnos en el cine polaco a partir de sus más brillantes representantes, 10 directores que han hecho escuela y enriquecido, sin duda, el fascinante legado del cine como uno de los lenguajes más cabales de la historia humana.

10. Pawel Pawlikowski (1957)

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Director que a la edad de 14 años dejó la Polonia comunista para vivir en Alemania e Italia, antes de establecerse en Gran Bretaña. A fines de los años 80’s e inicios de los 90’s comenzó a hacerse conocido por sus documentales, cuya mezcla de lirismo e ironía le ganó muchos fans y premios en todo el mundo. Entre ellos sus documentales destacan “Moscow Pietushki” (1990), un viaje poético al mundo del escritor de culto, Erofeev Venedikt, y el cual obtuvo numerosos galardones, entre ellos un Emmy, un premio de la Real Sociedad de Televisión además del Prix Italia. Y El multipremiado “Dostoevsky’s Travels” (1991), una road movie tragicómica con una historia en la que un conductor de tranvía de San Petersburgo y el único descendiente vivo de Fiódor Dostoievski, viajan por Europa Occidental, en su intento de recaudar dinero para comprar un Mercedes de segunda mano. Poco tiempo después llegaría su más original y exitoso documental fue “Serbian Epics” (1992), realizado en la cúspide la guerra de Bosnia, despertó en su momento muchas controversias, pero ahora se ha asegurado un lugar entre los filmes de culto. Por su parte, “Tripping with Zhirinovsky” (1994) que narra un viaje surrealista en barco por el río Volga, con un futuro dictador ruso (Zhirinovsky), ganó el premio Grierson al Mejor Documental Británico en 1995. Su transición a la ficción se produjo en 1998 con el film de 50 minutos “Twockers”, una historia de amor lírico ambientado en una finca de Yorkshire, que Pawlikowski co-escribió y co-dirigido con Ian Duncan. Entre 2004 y 2007 fue becario de Artes Creativas en la Universidad Oxford Brookes. En 2004 dirigió además “Mi verano de amor” protagonizado por Emily Blunt y Natalie Press. En 2006 había filmado más de la mitad de su adaptación del libro de Magnus Mills “The Restraint of Beasts”, cuando su esposa cayó gravemente enferma y debió abandonar el proyecto para cuidar de ella y sus hijos. Su esposa murió varios meses después. En 2012, estrena “The Woman in the Fifth” (2012) último film que ha dirigido sobre una adaptación libre de la novela de Douglas Kennedy; y que estuvo protagonizada por Ethan Hawke y Kristin Scott Thomas. Al poco tiempo vuelve al ruedo y prepara el filme “Ida” (2014) el cual se caracteriza por su peculiar formato y composición fotográfica, lo cual genera cierta controversia entre críticos de cine pero que pasa desapercibido al centrarse en la historia de una monja y su tía. Este filme le hizo acreedor de un premio a Mejor Película Extranjera en la 87.ª edición de los premios Óscar además de una nominación a mejor fotografía.

Filmografía recomendada: Last Resort (2000), My Summer of Love (2004), Ida (2013),

9. Jerzy Skolimowski (1938)

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Director, guionista, dramaturgo, actor y pintor cuya infancia fue marcada por la tragedia, pues su padre fue fusilado por los nazis, por formar parte de la resistencia. En varias ocasiones a lo largo de su vida, ha reconocido haber tenido una infancia marcada por la guerra, pues cuando era pequeño fue testigo de sus brutalidades, habiendo tenido, incluso, que ser rescatado de los escombros de una casa en Varsovia, destruida por una bomba. Entre sus compañeros en el colegio de Poděbrady, una ciudad balneario cercana a Praga, estaban los futuros directores de cine Milos Forman e Ivan Passer, así como Václav Havel. En el colegio estudió etnografía, historia y literatura y se dedicó al boxeo, que fue también el argumento de un documental de larga duración, la que puede considerarse su primera película. Su interés por el jazz y su relación con el compositor Krzysztof Komeda, le pusieron en contacto con el actor Zbigniew Cybulski y con los directores Andrzej Munk y Roman Polanski. Se trata pues, de un cineasta altamente expresivo que tras estudiar en, sí Lodz, inició su carrera ayudando en los guiones de Wajda y Polanski, al mismo tiempo continuaba con su actividad del boxeo. Enseguida dirigió largometrajes de bajo presupuesto, hasta que en 1967, filmó en Bélgica al icono de la nueva ola francesa, Jean Pierre Léaud, en “La partida”. Ya consagrado desde muy joven como cineasta internacional, continuó con varios filmes rodados fuera de Polonia, entre los que destaca “Deep End” (1970). Skolimowski advirtió en una entrevista que filmaba para complacerse a sí mismo. Sus historias se caracterizan por utiliza la ambigüedad para sembrar sorpresas en la percepción del espectador, saturándolo de cuestiones inesperadas. Las confusas acciones de los personajes de pronto le dan un carácter de sueño a la obra. En 1978 vuelve a sorprender con la película trascendental “El grito”, que adapta en su guión un cuento de Robert Graves. Después vuela a Hollywood para filmar su cinta más ambiciosa en términos de presupuesto, “Moonlighting” (1982), que narra el viaje del protagonista, acompañado de trabajadores polacos, a Londres para ofrecer mano de obra barata. Como actor ha trabajado no sólo en Polonia, sino también en el cine anglosajón, tanto británico como estadounidense, bajo dirección de cineastas tan prestigiosos como Tim Burton, Julien Schabel o David Cronenberg, gracias a su perfecto dominio del inglés. Durante algo más de quince años abandonó la dirección cinematográfica y se retiró para dedicarse a la pintura, realizando exposiciones en Londres, París y Varsovia.

Filmografía recomendada: Le Départ (1967), Deep End (1970), The Shout (1978).

8. Andrzej Zulawski (1940-2016)

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Fue un director de cine y escritor polaco con una obra particularmente difícil de clasificar, pues Zulawski es conocido por construir poderosas imágenes, fuera de las normas, que forman secuencias en la frontera del sueño, la pesadilla y la realidad. A menudo en sus películas Żuławski fue en contra de las posturas comerciales prevalecientes, y principalmente tuvo éxito frente a las audiencias europeas de cine-arte. Como creador de un cine solía cuestionar técnicamente relación entre el espectador y el director con la pantalla en términos temporales, partiendo del cuestionamiento: ¿qué es lo que en realidad miramos ahí proyectado?. Zulawski estudió filosofía en la Sorbona de París y después estudió cine en el prestigiado IDHEC. En los 60 asistió a Wajda en más de un filme y luego sorprendió en 1970 dirigiendo su opera prima, “La tercera parte de la noche”, rodada en Polonia, que con elementos de una escabrosa ciencia ficción antecede a cineastas como Cronenberg y su terror bacteriológico. Con esta obra sacudió la censura polaca por primera vez e inauguró la tendencia que consiste en que por medio del cine fantástico critican los excesos del Estado. Su segunda película, “El diablo” (1972), fue prohibida en Polonia y Żuławski se mudó a Francia. Luego del éxito en 1975 de “Lo importante es amar”, regresó a Polonia donde pasó dos años creando “En el globo plateado” (1988). El trabajo en esta película fue interrumpido por las autoridades polacas. Tras este suceso se dice que deprimido viajó a Nueva York con ideas suicidas y que Andy Warhol lo alegró un poco, animándolo a escribir otra vez lo que sería su gran obra maestra, “Posesión” (1981), filmada en Berlín, con Isabelle Adjani y Sam Neill. Posteriormente, regresó a Francia donde alcanzó notoriedad por sus películas controvertidas y violentas de cine arte. Actualmente Zulawski sigue dando vida a estupendas películas donde sigue arriesgando apasionadamente en cada plano, en contra del cine común y corriente.

Filmografía recomendada: El Diablo (1972), La posesión (1981), En el globo plateado (1988)

7. Walerian Borowczyk (1923-2006)

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Fue un director de cine, pintor, grafista y escritor. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Cracovia, y en 1951 concluyó sus estudios en la Facultad de Artes Gráficas de la Academia de Artes de Varsovia. Borowczyk se formó como pintor y escultor antes de establecerse como diseñador y más tarde como director de animación. Siendo en un inicio sus intereses la pintura y la litografía, se dedicó al diseño de carteles de cine, y recibió un premio nacional en 1953. Después de establecerse en Francia durante la década de 1950, Borowczyk produjo una serie de cortos experimentales que fueron calificados de sorprendentes, cómicos, innovadores y provocativos. De eeste periodo destaca el corto de animación surrealista “Érase una vez” (1967), en colaboración con Jan Lenica, pero también “Les Astronautes”, el cual rodo con Chris Marker. Con su filme “Blanche” fue considerado como un digno heredero y sucesor de Robert Bresson y Luis Buñuel. Pero a partir de “Immoral Tales” (1974) y “The Beast” (1975) fue considerado “aquel pornógrafo artístico”. Lo cual no es del todo justo: aunque la mayoría de sus películas tardías podrían enmarcarse dentro del sexploitation. El trabajo de Borowczyk destaca por su ojo siempre agudo respecto al extraño erotismo en lugares inverosímiles. Su versión del Dr. Jekyll es el mejor ejemplo de su estilo tardío, una fusión retorcida de atmósferas oscuras, erotismo y la época victoriana.

Filmografía recomendada: Renaissance (1963), Blanche (1971), The Strange Case of Dr Jekyll and Miss Osbourne (1981).

6. Andrzej Munk (1920-1961)

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Director de cine considerado como uno de los gigantes absolutos del cine polaco y una profunda influencia para muchos realizadores de aquel país, incluyendo a su ex-asistente, Roman Polanski. Viviría sus primeros años en el contexto de la Polonia libre de entreguerras, período breve de una larga historia de un país continuamente sometido a la presión y ocupación de sus países vecinos. Munk intervino en el famoso levantamiento de Varsovia-, y posterior caída en la órbita comunista tras el final del conflicto bélico. Pronto quedaría claro, a los que deseaban dedicarse al cine, la dificultad de hacerlo libremente dentro de los estrechos parámetros del realismo socialista. Pero, afortunados polacos, surgió la llamada Escuela Polaca, un grupo de inquietos y variopintos cineastas, muchos de ellos estudiantes de cine en Lodz. Los primeros trabajos de Munk fueron de corte documental, más o menos al servicio del régimen, en la Polska Kronika Filmowa, pero ya entonces destacaba su personalidad, que se desarrollaría plenamente con sus brillantes trabajos de ficción. Entre los rasgos sobresalientes del cine del director polaco llama la atención el hecho de que prima en sus historias las tribulaciones del individuo, frente al peso del colectivo, tan presente en ese momento por la ideología comunista, pero también por el pasado del nacionalismo romántico polaco. Después de 1956, él fue uno de los primeros realizadores en extender sus alas creativas: realizó brillantes comedias negras como Eroica y Bad Luck. El complejo y angustiante drama psicológico sobre un campo de concentración, Passenger, le dio la reputación necesaria a nivel internacional para gozar del mismo prestigio que Jerzy Kawalerowicz y Andrzej Wajda, pero su prematura muerte, cuando tenía 40 años, en un accidente automovilístico durante la producción de su último filme, nos privo de seguir viendo su talento reflejado en pantalla.

Filmografía recomendada: Eroica (1958), Bad Luck (1959), Passenger (1963)

5. Agnieszka Holland (1948)

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Directora y guionista de cine y televisión que es considerada una de las más talentosas cineastas vivas en el mundo. Nacida de una pareja de periodistas, la directora estuvo en contacto desde muy niña con los diversos temas políticos y sociales que afectaban a la Polonia de época comunista. Muy reconocida por sus muy politizadas contribuciones a la nueva ola del cine polaco. Holland se graduó en la Academia de Cine y Televisión de Praga (FAMU) en 1971 y empezó su carrera como asistente de dirección de directores polacos como Krzysztof Zanussi (Illuminacja, 1973) y Andrzej Wajda, (Danton, 1982). La primera película importante de Holland fue “Provincial Actors” (1978), una crónica de las tensas relaciones entre los bastidores de una pequeña compañía de teatro que sirve como metáfora de la situación política polaca contemporánea. La película ganó el Premio Internacional de la Crítica del Festival de Cannes (1980). Posteriormente realizó “Fever” (1981), sobre los movimientos revolucionarios polacos, y la cruda “A Woman Alone”, cuyo retrato desesperado de la vida en los márgenes de la sociedad hizo que se prohibiera en su país. Luego emigró. Trabajó como guionista de Wajda, mientras intentaba continuar su carrera como directora. Logró el éxito y el reconocimiento mundial con Europa Europa, una historia real acerca de un adolescente judío que convence a sus captores nazis de que él es alemán. De toda está lista podría ser quien mejor se ha podido integrar a la industria Hollywoodense, con agraciados clásicos modernos como “El jardín secreto” (1993) adaptando la novela del mismo nombre y con música de Preisner; o “Eclipse total” (1995) el biopic sobre el poeta maldito Arthur Rimbaud, donde DiCaprio se convirtió en un respetable actor. Incluso ha dirigido capítulos de la excelente serie The Wire, y recientemente algunos de House of Cards. Cineasta clara, efectiva y genuinamente emocional, Holland logra lo que el cine polaco raramente hace: comulgar con la audiencia común, conectar a un nivel sencillo y sin ninguna pretensión filosófica.

Filmografía recomendada: A Woman Alone (1981), Europa Europa (1990), In Darkness (2011).

4. Andrzej Wajda (1926)

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Director de cine que es una de las mayores figuras del cine mundial y uno de los más relevantes de la Escuela Polaca de Cine. Hijo de un oficial de caballería polaco que fue asesinado a comienzos de la Segunda Guerra Mundial en la Masacre de Katyn, Wajda combatió en el ejército polaco frente a los nazis cuando todavía era un adolescente. Tras la guerra, estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Cracovia antes de entrar en la Escuela Nacional de Cine en Łódź. Siguiendo la estela de su admirado Aleksander Ford, Wajda dotó a su sobresaliente trilogía bélica, conformada por las cintas “Generación” (1954), “Kanal” (1957) y “Cenizas y diamantes” (1958), con un estilo muy característico, mismo que terminaría definiendo parte de lo que se conoció como “nuevo cine polaco”. Se trata de una escuela que imprime poesía en los detalles, tanto en la forma (con sus encuadres) como en el fondo (con los contrastes que refleja dentro de un contexto social comprometido). El estilo de Wadja propuso movimientos de cámara integrados, con alto grado de dificultad, a la narrativa, una cualidad que luego distinguiría internacionalmente a los directores de fotografía polacos. Tras abordar entrañables adaptaciones literarias com “El bosque de los abedules” (1970) y “Las señoritas de Wilko” (1979), demostrando que era un maravilloso director de actores y que las emociones humanas también son políticas, Wadja retoma el cine de crítica política con filmes como “El hombre de mármol” (1977) y “El hombre de hierro” (1981), e inclusive participó activamente en el sindicato de su país. En la última etapa de su carrera Wajda sigue cuestionando la manera de gobernar, los abusos del poder, y buscando la naturaleza constructiva del hombre. Su brillante carrera, la consistencia de su pensamiento y la calidad de sus obras, películas comprometidas con su tiempo, le merecieron recibir, de mano de Spielberg, el reconocimiento de la Academia estadounidense (Óscar Honorario en 2000). En conclusión, Wajda es el ejemplo perfecto de artista total, con una amplia formación intelectual, de educado sentido estético, que intenta decir algo con sus películas.

Filmografía recomendada: Ashes and Diamonds (1958), The Promised Land (1974), Man of Marble (1977).

3. Roman Polanski (1933)

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Director de cine, productor, guionista y actor que aunque haya nacido en Francia es de familia judía polaca, lo que le valió perder a sus dos padres en un campo de exterminio y vivir una infancia atormentada hasta, eventualmente, estudiar cine en Lodz. Polanski se separa de sus congéneres por su limitado interés en los temas sociales y el vasto interés en la psicología humana. Desde sus cortometrajes el carácter surrealista de este autor anunciaba un estilo lacerante, sin espacio para las sutilezas. Desde entonces su obra se ha deslizado entre el realismo fiel (Tess, La muerte y la doncella, El pianista) y la fantasía delirante (El inquilino). Al dirigir su opera prima “Cuchillo en el agua” (1962), una película llena de tensión, un falso thriller porque nunca pasa nada, Polanski demostró un dominio del montaje en su forma más pura, postulándose como un gran alumno de Alfred Hitchcock. Luego se inició dentro del género del horror psicológico, rodando “Repulsión” (1965) en Inglaterra, y siguió con enredados delirios, pesadillas con notable sentido del humor con “Cul-de-sac” (1966) y “La danza de los vampiros” (1967), para finalmente consagrarse en Hollywood con “El bebé de Rose Mary” (1968) y “Chinatown” (1974), una de las mejores películas de la historia del cine. A partir de entonces su vida se cubrió de tragedia y polémica con eventos como el asesinato de su esposa, Sharon Tate, a manos de la secta de Charles Manson, o la acusación de violación a una menor de edad. Está unánimemente reconocido como uno de los cineastas más importantes de la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI, y uno de los más grandes vivos.

Filmografía recomendada: Repulsión (1965), El bebé de Rose Mary (1968), El Pianista (2002).

2. Dziga Vértov (1896-1954)

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Director de cine vanguardista soviético, autor de obras experimentales que revolucionaron el género documental. Denís Abrámovich Káufman nació en 1896 en el seno de una familia judía en Bialystok, ciudad perteneciente en aquellos años al Imperio ruso. En su juventud, rusificó su patrimonio, convirtiéndolo en Arkádievich (en lugar de Abrámovich). Estudió música en el conservatorio de Bialystok hasta que su familia, huyendo del avance del ejército alemán durante la I Guerra Mundial, se trasladó a Moscú en 1915. Poco después, se instalaron en San Petersburgo, donde Kaufman inició la carrera de Medicina y comenzó a escribir, tanto poesía como narraciones satíricas y de ciencia ficción. Interesado por el futurismo, adoptó el seudónimo de Dziga Vértov, que significa algo así como “gira, peonza” en ucraniano. En 1918, tras la revolución, el Comité del Cine de Moscú lo contrató para trabajar en Kino-Nedelia (“Cine-Semana”, semanario cinematográfico de noticias de actualidad soviético), en Moscú. Trabajó montando noticiarios cinematográficos durante tres años. Entre sus compañeros estaban Lev Kuleshov, que por aquellos años estaba llevando a cabo sus famosos experimentos de montaje, y Eduard Tissé, futuro cámara de Serguéi Eisenstein. Su primera película como director fue “El aniversario de la Revolución” (1919), seguida de “La batalla de Tsaritsyn” (1920), “El tren Lenin” (1921) e “Historia de la guerra civil” (1922). En estas películas, Vértov exploró las posibilidades del montaje, ensamblando fragmentos de película sin tener en cuenta su continuidad formal, temporal ni lógica, buscando sobre todo un efecto poético que pudiera impactar a los espectadores. En 1919, Vértov y otros jóvenes cineastas, entre los que se encontraba su futura esposa Yelizaveta Svílova, crearon un grupo llamado Kinoki (Cine-Ojo). Entre 1922 y 1923, Vértov y Svílova publicaron varios manifiestos en publicaciones de vanguardia, desarrollando su teoría del Cine-Ojo. En 1922, Vértov comenzó la serie de noticiarios Kino-Pravda (Cine-Verdad), donde filmó todo tipo de lugares públicos, en ocasiones con cámara oculta y sin pedir permiso. El más famoso noticiario fue Léninskaya Kino-Pravda, que mostraba la reacción a la muerte de Lenin en 1924. Durante los años 20 rodó varias películas, pero destaca sobre todo “El hombre de la cámara” (1929), filme que marcó un antes y después en la forma de realizar documentales y montarlos. Tras su última obra de librería, Tres cantos a Lenin (1934), Vértov fue relegado por el sistema estalinista a la producción de noticieros convencionales.

1. Krzysztof Kieslowski (1941-1996)

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Después de estudiar en Lodz, inicia su carrera en la productora estatal, haciendo documentales cercanos al punto de vista obrero. Con sus primeros cortos de ficción ganó reputación en festivales internacionales, lo que rápidamente le permitió dirigir largometrajes que mantuvieron un carácter crítico hacia el Estado polaco, con temas sociales de relevancia práctica y filosófica. Su serie televisiva rodada en cine, “El decálogo” (89-90), aborda cada uno de los 10 mandamientos católicos (en el mismo número de episodios) a partir dilemas que sus `personajes experimentan dentro de la realidad polaca. En este momento comenzó su colaboración con dos artistas que estarán presentes en toda su obra: el músico Zbigniew Preisner y el guionista Krzysztof Piesiewicz. Tras reflexionar sobre la intersección entre el funcionamiento social, la moral y lo sagrado, con cintas como La doble vida de Verónica (1991), Kieslowski llevaría sus preocupaciones a un cine más accesible con la trilogía Azul, Blanco y Rojo (1993-94), rodada casi en su totalidad en Francia, y que presenta personajes que proyectan extensiones de los valores patrióticos que se gestaron durante la revolución francesa. Lastimosamente Kieslowski murió muy joven y es difícil no contemplar que la evolución de su lenguaje habría llegado aún más lejos, complementando así el gran rigor de su obra.

Fuente: Culturamas, Biografias.es, DeCine21, EnFilme, Wikipedia, British Film Institute.

Autores: Jonás Axel, Luis Fer, José María Aresté, Dorian Iktum.

 

 

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